La coproducción entre Cineteca Nacional y Canal 22 consta de 13 episodios en su primera temporada y será transmitido los viernes a las 20:30 horas
Conducido por Fernanda Solórzano y Leonardo García Tsao, el programa contará con la participación de invitados especiales, cineastas y especialistas
Lejos de las pláticas especializadas de la crítica y más cerca de la gente y su día a día, un nuevo programa de cine aparece en la programación mexicana. “Queremos hablar de cine como un fenómeno que nos toca a todos y que nos gusta a todos”, comentó Fernanda Solórzano durante la presentación de la serie televisiva Punto de vista, que se llevó a cabo el 13 de octubre en la Sala 7, Alejandro Galindo, de la Cineteca Nacional.
Coproducido por Canal 22 y la Cineteca, el programa se estrenaráel 14 de octubre y será transmitido por dicha emisora los viernes a las 20:30 horas. Dedicará cada episodio a un tema distinto que vincule a la cinematografía con la vida social y cotidiana, con la finalidad de llevar a la realidad los temas que se ven en las películas.
“Finalmente eso es el cine: son paradigmas, son parámetros; a veces ya nos identificamos con ciertos comportamientos en las películas, con ciertos personajes, y, de la misma manera, el cine toma de la realidad. Quisimos que esa fuera la conversación”, aseguró la conductora del programa y crítica de Letras Libres.
El también conductor Leonardo García Tsao agregó que las discusiones serán complementadas por invitados especiales, especialistas en distintas áreas, para que se pueda ilustrar “otro punto de vista que no es el de la crítica ni particularmente el de la especialidad cinematográfica”. Por ejemplo, el tercer episodio, dedicado a los taxistas en el cine, contará con la participación de Rubén Montiel, “un egresado del CUEC que en su época de estudiante había trabajado como ruletero”, comentó.
Asimismo, apuntó que Punto de vista surgió por la necesidad de llenar un vacío en la oferta televisiva: “El origen de nuestra inquietud, y lo ha sido a lo largo de los años, es que nos damos cuenta de que casi no hay programas de cine en la televisión abierta; al menos programas de cine que no sean boletines, que no sean objetos de programación de estrenos de los blockbusters hollywoodenses”.
Por su parte, Ernesto Velázquez Briseño, director de Canal 22, presentó los ejes temáticos. Además del programa dedicado a los ruleteros, los 13 episodios de esta primera temporada incluirán emisiones sobre el mundo del internet, migración, racismo, animales de compañía y la Conquista en el cine. Además, habrá especiales dedicados a la obra de Stanley Kubrick y al 45 aniversario de la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.
Velázquez confirmó que, además de las transmisiones de cada viernes, Punto de vista también estará disponible en el servicio de video bajo demanda en línea de Canal 22. “Canal 22 lo va a ofrecer a todas las televisoras públicas de México, de manera gratuita, para que esto amplíe y multiplique su cobertura”, añadió.
Además, destacó que la coproducción entre la Cineteca y Canal 22 es parte de los muchos proyectos que han emplazado ambas instituciones. “Gracias a esta alianza, todas las películas que llegan a la Muestra Internacional de Cine, luego tienen salida, por fortuna, en la pantalla de Canal 22”, concluyó.
Por último, Alejandro Pelayo, director general de la Cineteca Nacional calificó al canal cultural como “el espacio fundamental” para realizar proyectos en conjunto. “Efectivamente, tenemos los mismos objetivos: la promoción de no solamente el cine mexicano de arte, cine alternativo, sino también los ciclos, los programas, y creo que también esto es muy relevante y yo siento que nos da posibilidad de una relación muy estrecha”.
En una sala 9 repleta de admiradores, familiares y amigos, el legado del cineasta fue motivo de celebración en presencia de su hijo Servando González Muñoz
Ante un público emocionado y ocho años después de su fallecimiento, el director veracruzano Servando González ha vuelto a sorprender con su visionaria interpretación del cine a través de la proyección de su ópera prima, Yanco (1961), en un cálido homenaje que la Cineteca Nacional llevó a cabo en su honor este martes 10 de octubre.
La Sala 9, Juan Bustillo Oro, lució repleta de invitados, en su mayoría familiares y amigos. Sin embargo, también se hizo presente público general de todas las edades, interesado en recordar o apreciar por primera vez la obra de González en la que un niño descubre que tiene gran habilidad musical y auditiva gracias a las enseñanzas de un viejo ermitaño. Los asistentes pudieron disfrutar de la cinta en su formato original de 35mm gracias a la aportación de la Filmoteca de la UNAM.
El evento contó con la participación de Alejandro Pelayo, Director General de la Cineteca Nacional, además de Servando González Muñoz, hijo del cineasta, quien señaló que “se trata de una película muy taquillera que algunas personas apasionadas del cine estudian; es una verdadera obra de arte musical”.
Por su parte, Alejandro Pelayo resaltó la importancia de este largometraje que abrió la etapa del cine independiente en nuestro país en la década de los años sesenta, al realizarse con un presupuesto de apenas 35 mil pesos. “Don Servando dirigió de manera independiente su primer largometraje de ficción, que es muy interesante porque se hace con negativos sobrantes de películas, y representó exitosamente a México en muchos festivales internacionales, además de que estuvo 22 semanas en cartelera”, comentó.
Entre los invitados a la ceremonia figuró el actor Ricardo Ancona, quien hace 55 años protagonizó la película. Servando González Muñoz le expresó gratitud y comentó que lo considera “un hermano, pues durante la filmación vivió con nosotros”.
El hijo del cineasta mostró también su agradecimiento a la Cineteca Nacional y al público: “En esta sala nos encontramos familia y amigos que al enterarse de esta proyección han venido de todas partes; de la universidad, de Tabasco, de Michoacán”, anunció al tiempo que presentaba algunos objetos distintivos de su padre, como su silla de director y un boleto conmemorativo elaborado por la Lotería Nacional.
Servando González fue un prolífico realizador, autor de grandes entregas como El viento negro (1965) y Los de abajo(1978). Fue merecedor del Premio Ariel en 1981 por Las grandes aguas. Con Yanco obtuvo el Premio Águila de Oro en Cartagena, Colombia.
La noche finalizó con la proyección de una entrevista inédita que el director concedió a Alejandro Pelayo, en la que habla sobre la realización de algunas de sus cintas y sobre su vocación por el cine. Finalmente, el director general adelantó que también se prepara una función especial de Los de abajo, como celebración de los 100 años de la novela de Mariano Azuela que inspiró el filme de González.
La también cineasta mexicana reconoció que producir Un embrujo de Carlos Carrera contribuyó a alcanzar, junto con su equipo, una mayor madurez
Al concluir el siglo XX, ya con una extensa carrera cinematográfica, el trabajo de Bertha Navarro y el de su equipo de producción adquirió gran madurez y aún mayor profesionalismo, algo que se ve reflejado en sus películas épicas. Así lo valoró ella misma en la tercera sesión de Conversando con nuestros cineastas dedicada a su filmografía, que tuvo lugar este jueves 6 de octubre en la Cineteca Nacional.
En la Sala 9, Juan Bustillo Oro, la productora fue recibida con gran calidez y una ovación de pie. Además, fue notable la presencia de público de todas las edades, incluyendo a algunos jóvenes que admitieron presenciar por primera vez el trabajo de la mexicana.
En Conversando con nuestros cineastas se invita a los grandes realizadores mexicanos a comentar una selección de sus obras. En esta edición se han revisado tres filmes producidos por Navarro, quien presenció la proyección de Un embrujo (Carlos Carrera, 1998), para después charlar con el público en compañía de José Antonio Valdés Peña, Subdirector de Información de la Cineteca.
“Cada película tiene su momento y su contexto. Un embrujo fue una película ya muy madura de Carlos Carrera, quizá era tiempo de filmarla cuando se hizo y no antes; es un trabajo muy bello y muy profesional de Carlos, de Rodrigo Prieto [fotografía] y de todos los que participamos, me emocionó volver a verla”, declaró la productora.
La historia se lleva a cabo en la costa de Yucatán, durante los años treinta, y comienza con el romance prohibido entre Eliseo, un joven de 13 años, y su maestra Felipa. Luego de que la relación sale a la luz, ella se aleja del pueblo por vergüenza y abandona al muchacho, que crece y forma una familia bajo la sombra del recuerdo de su antiguo amor. 10 años más tarde la mujer regresa.
José Antonio Valdés mencionó que esta función se trataba de una ocasión muy especial, pues la cinta fue proyectada en el formato original de 35 mm. También habló sobre el gran nivel de la producción y la calidad con que se logró representar la época. “Ninguna de mis películas se ve mal, aunque las haya hecho con poco dinero; aquí la factura, las casas, la ambientación, todo luce muy rico”, apuntó Navarro.
La productora destacó también la forma en que sus obras muestran la gran tradición cultural de México, señalando que “nuestra historia es de una enorme riqueza y creo que eso es muy importante asumirlo; poder mostrar nuestra grandeza cultural es como una reflexión, es poder decir a través de lo que hacemos: esto somos”.
Tras la proyección, los asistentes dialogaron con Bertha sobre las dificultades que atraviesa una mujer para trabajar en el cine mexicano o la forma en que elige las historias que producirá, a lo que ella respondió: “Los guiones son fundamentales, la búsqueda de una buena historia y cómo está narrada es esencial para un productor; es una búsqueda permanente”.
Finalmente hizo una nueva invitación al público a reconocer la calidad del cine mexicano, recordando que, en un principio, Un embrujo tuvo un mejor recibimiento y mayor difusión en el plano internacional que en nuestro propio país. “En todas mis películas y en todo lo que hago, se trata de dejar claro que sí podemos hacer cosas de enorme calidad y del gran oficio de cine que tenemos en México”.
Esta edición del ciclo Conversando con nuestros cineastas llegará a su fin el próximo jueves 13 de octubre, en punto de las 18:00 horas, con la proyección de El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006) en la sala 4. La entrada es libre presentando las cortesías de acceso que pueden ser solicitadas en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
De acuerdo con Armando Casas, el cineasta Julio Bracho recopiló elementos de otros géneros y los añadió con ingenio a este thriller de 1943
Durante la Época de Oro del cine mexicano, el cineasta Julio Bracho marcó un punto de inflexión gracias a su habilidad para tomar elementos de diferentes géneros y añadirlos a un filme de cine negro. Esto fue señalado por Armando Casas durante la sesión inaugural del ciclo de Charlas sobre cine y literatura dedicado al film noir nacional, que se llevó a cabo el 3 de octubre en la Sala 4, Arcady Boytler.
Organizado por la Coordinación Nacional de Literatura del INBA, la Dirección de Literatura de la UNAM y la Cineteca Nacional, el ciclo de pláticas tendrá una sesión cada lunes y retomará obras de la literatura que han sido adaptadas a la pantalla dentro del género de cine negro. En esta primera ocasión, Distinto amanecer (Julio Bracho, 1943) fue comentada por Casas y por Alejandro Pelayo, Director General de la Cineteca.
“Dentro de su época, Julio Bracho era el director que todos conocían como el hombre intelectual", aseguró el exdirector del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) con respecto a la reputación del aclamado realizador. "Con esta película podemos diferenciarlo de otros cineastas más orientados a lo popular”.
Distinto amanecer narra la persecución que sufre Octavio, el compañero de un líder sindical asesinado, mientras busca la manera de comprometer al autor del crimen, un político corrupto. Durante la búsqueda de unos documentos que puedan brindarle justicia al caso, Octavio se reencuentra con un antiguo amor.
El filme ofrece vistosos planos de las locaciones en que fue realizado, como el Centro Histórico y la estación ferroviaria de Buenavista, gracias al trabajo en la fotografía de Gabriel Figueroa. “Es la primera película en mostrar la Ciudad de esta manera”, añadió Casas. El productor valoró también la importancia de la música que se encuentra dentro de la historia y que afecta a los personajes.
Adicionalmente, señaló que la obra es pionera en abordar temas políticos. “Vemos gobernadores, diputados, movimientos obreros y estudiantiles... Temas que no se verían en el cine sino hasta mucho después; es adelantada a su tiempo”. Añadió igualmente que “marca los inicios de otro género representativo de México: el cabaret, que tiene momentos muy importantes en esta película”.
Por su parte, Alejandro Pelayo destacó con emoción el desarrollo de la historia. “¿Cuántos de ustedes pensaron que iba a suceder tal o cual cosa?”, preguntó al público. “Todo esto del gobernador, los matones, el cómo está construido todo; creo que es un muy buen thriller político”. Asimismo, alabó los memorables diálogos escritos por Xavier Villaurrutia.
“Tiene las características del cine negro: es urbana, oscura, tiene los asesinatos y nos encanta esta combinación de géneros, pues el thriller es maravilloso”, concluyó Pelayo sobre el filme. “Es aquí donde se conjugaron elementos que después se desarrollarían de distinta manera en el cine mexicano: el tema político que no se había tocado antes, la ciudad como telón de fondo y, además, el cabaret”, finalizó Armando Casas.
El ciclo Charlas sobre cine y literatura continuará el próximo lunes 10 de octubre en punto de las 18:00 horas con la proyección de La otra (Roberto Gavaldón, 1946), que será comentada por Pilar Jiménez Trejo en la sala 4. La entrada es libre al presentar las cortesías de acceso que serán repartidas en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
En el marco de una cálida noche, el artista agradeció a la Secretaría de Cultura, a la Cineteca, a la AMACC y a la Fundación Carmen Toscano por el reconocimiento
“Este premio me emociona especialmente porque es el que me ofrece mi país”, expresó el cineasta
“Soñé que nuestro cine triunfaba en el mundo entero y que lanzaba al extranjero una imagen positiva de México”. Estas palabras llenas de ilusión fueron las que un pletórico de contento Alfonso Arau compartió con los asistentes a la ceremonia en la que obtuvo una recompensa más por su lograda trayectoria. Aunque no fue un premio cualquiera el que recibió la noche de ayer; esta vez fue un reconocimiento que hizo que se le quebrara la voz, un galardón que le otorgó su propia nación.
En la Sala 4, Arcady Boytler, repleta de invitados y seguidores del actor, comediante, mimo, bailarín, guionista y director, tuvo lugar una emotiva ceremonia en la que Alfonso Arau recibió de manos del Dr. Alejandro Pelayo, director general de la Cineteca Nacional, la Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico 2015. El realizador también estrechó su mano con Raymundo Castellanos, representante de la Fundación Carmen Toscano, quien le hizo entrega de un diploma.
Un ambiente de admiración y buen humor fue el marco en el que el homenajeado ofreció su discurso de agradecimiento. Quien abandonó en su momento la carrera de medicina por clases de ballet, calificó su carrera como “azarosa”, pues ha estado llena de encuentros afortunados. Agradeció a personalidades como Seki Sano, Julio Pliego y Silvestre Revueltas, sus maestros.
Con la voz entrecortada conmovió al público narrando los deseos que tiene para el cine nacional: “Soñé que volvíamos a tener una industria privada como en la Época de oro y que el gobierno apoyaba, promovía y educaba a los jóvenes cineastas con una visión global”.
El Dr. Pelayo expresó su respeto y admiración hacia el cineasta, recalcó que “Alfonso Arau ha pasado por tres momentos importantes de nuestro cine: la Época de oro, el cine estatal de los Estudios Churubusco y la generación del nuevo cine mexicano, con éxito internacional”.
Para el goce de invitados y medios de comunicación, el evento concluyó con la proyección de Alfredo va a la playa(1960), cortometraje producido en Cuba que narra las aventuras que un joven enfrenta para impresionar a un grupo de chicas. El filme resume a la perfección el talento de Alfonso al frente y detrás de las cámaras.
El homenaje a Alfonso Arau se complementa con un retrospectiva de18 películas en las que ha participado como actor, guionista o director, destacando títulos como El águila descalza (1969), Tívoli (1974) y Como agua para chocolate(1992), además de cuatro filmes que aún no han sido estrenados en México. La selección se exhibirá del 21 de septiembre al 9 de octubre.
También será presentadoel libro Alfonso Arau. Así es la vida (Vals para piano), que recupera las memorias del artista, escrito en colaboración con el cineasta Armando Casas. El evento se llevará a cabo el martes 27 de septiembre a las 18:00 horas en la Sala 4, Arcady Boytler. La entrada será libre solicitando las cortesías de acceso en la taquilla 5 de la Cineteca.
Retrospectiva Alfonso Arau
Programación sujeta a cambios de horario
20:00 horas
Del 21 de septiembre al 9 de octubre
Miércoles 21
La pandilla salvaje (Sam Peckinpah, Estados Unidos, 1969)
Sala 10, Luis Buñuel
Jueves 22
El rincón de las vírgenes (Alberto Isaac, México, 1972)
Sala 10, Luis Buñuel
Viernes 23
Tívoli (Alberto Isaac, México, 1974)
Sala 10, Luis Buñuel
Sábado 24
El topo (Alejandro Jodorowsky, México-Estados Unidos, 1970)
Sala 10, Luis Buñuel
Domingo 25
El águila descalza (Alfonso Arau, México, 1969)
Sala 10, Luis Buñuel
Martes 27
Calzonzin Inspector (Alfonso Arau, México, 1973)
Sala 7, Alejandro Galindo
Miércoles 28
Caribe, estrella y águila (Alfonso Arau, México, 1975)
Mojado Power (Alfonso Arau, México, 1980)
Sala 7, Alejandro Galindo
Jueves 29
Dos bribones tras la esmeralda perdida (Robert Zemeckis, Estados Unidos – México, 1984)
Sala 7, Alejandro Galindo
Viernes 30
¡Tres amigos! (John Landis, Estados Unidos, 1986)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Sábado 1
Chido Guan, el tacos de oro (Alfonso Arau, México, 1986)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Domingo 2
Como agua para chocolate (Alfonso Arau, México, 1992)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Martes 4
Un paseo por las nubes (Alfonso Arau, Estados Unidos, 1995)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Miércoles 5
Recogiendo los pedazos (Alfonso Arau, Estados Unidos, 2000)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Jueves 6
El cuarto mandamiento (Alfonso Arau, Estados Unidos, 2002)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Viernes 7
La granja (Alfonso Arau, Estados Unidos, 2003)
Sala 9, Juan Bustillo Oro
Sábado 8
Zapata: El sueño de un héroe (Alfonso Arau, México, 2004)
·Se realiza en Zacatecas la Sexta Audiencia Pública para la creación de una Ley General de Cultura”
·La cultura es la base del desarrollo económico, la justicia, la dignidad y la prosperidad de una nación: diputada Guerrero Esquivel
La Comisión de Cultura y Cinematografía que preside el diputado Santiago Taboada Cortina (PAN), llevó a cabo la “Sexta Audiencia Pública para la creación de una Ley General de Cultura”, la cual tiene el objetivo de buscar el consenso de cineastas, guionistas, productores y demás involucrados en la materia para lograr construir una ley reglamentaria eficiente.
Para este propósito, se instalaron dos mesas de trabajo que abordaron los temas de Nueva Perspectiva de la Cinematografía, Medios de Comunicación y Tecnologías de la Información.
Durante la audiencia realizada en el auditorio del Museo de Arte Abstracto “Manuel Felguérez”, en Zacatecas, Taboada Cortina afirmó: “lo importante es consultar e integrar la voz de los ciudadanos y escuchar sus opiniones, que serán fundamentales en la elaboración del marco normativo en materia de cultura”.
Destacó el compromiso que tienen los integrantes de la comisión por mantener una colaboración plural y civilizada, la cual contribuyó a contar con el voto unánime para concretar la creación de la Secretaría de Cultura.
La diputada Araceli Guerrero Esquivel (PRI), secretaria de la comisión, explicó que este órgano legislativo acordó realizar diez audiencias públicas en diversas entidades de la República para discutir y analizar diversos temas que conformarán la nueva Ley General de Cultura en el país.
Añadió que en esta ocasión se eligió a Zacatecas por su riqueza cultural, y porque es reconocida como la ciudad de los museos y por ser la cuna de poetas, escritores, músicos y artistas plásticos de prestigio internacional como Ramón López Velarde, Candelario Huizar, Manuel M. Ponce, José Kuribreña, Francisco Goitia, Manuel Felguérez, Pedro y Rafael Coronel, entre otros.
Puntualizó que en Zacatecas la promoción de la cultura es importante, debido a que “en su seno se crean las ideas de futuro y, además, es la base de la riqueza y la prosperidad de un pueblo”.
Araceli Guerrero recordó que Ramón López Velarde sostenía que “la cultura es lo que perfila a La Suave Patria, impecable y diamantina, su grandeza, a sus grandes, a su barro que suena a plata, pero también a su sonora miseria que es alcancía”.
Puntualizó que la cultura es la fuente y la base del desarrollo económico, del bienestar, de la justicia, de la dignidad y de la prosperidad de una nación.
En su participación, el gobernador de Zacatecas, Miguel Alonso Reyes, mencionó la importancia que para su administración ha tenido el fomento y la promoción de la cultura, como base del desarrollo de la entidad.
En este sentido, detalló que el estado se ha convertido en importante destino cultural para los turistas nacionales e internacionales.
En la audiencia también participaron el escritor y periodista cultural, José Gordon; los directores de los canales 22 y TV UNAM, Ernesto Velázquez y Nicolás Alvarado; el coordinador del canal 11, Luis Eduardo Garzón Lozano; el director de la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica, Agustín Ibarrola, y los cineastas Nicolás Echevarría, Iván Ávila, y Kizza Terrazas.
Desde John Ford hasta Alejandro G. Iñarritu, se profundizará en el género estadounidense más tradicional poblado de leyendas y de mitos
Las inscripciones concluyen el viernes 3 de junio
Cineastas contemporáneos como Alejandro G. Iñarritu, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, mantienen viva la esencia del western, tradición hollywoodense por excelencia sembrada en los años treinta y cuarenta por directores como John Ford y Howard Hawks. Los resultados se han transformado y actualmente no vemos en pantalla vaqueros en una confrontación entre buenos y malos, sino personajes e historias que se apegan a la época e inquietudes creativas de cada director.
Con el objetivo de profundizar tanto en las películas que han hecho del oeste un cielo de leyendas, así como estudiar la influencia de sus elementos en el cine contemporáneo no sólo del país que lo vio nacer, el Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional agrega a su lista de cursos "El Western: la construcción del Oeste Norteamericano en el imaginario cinematográfico", que será impartido por David Maciel, Doctor en Historia por la Universidad de California. Las sesiones serán los lunes y miércoles del 6 de junio al 13 de julio.
A través de tópicos que abarcan desde La frontera en la historia, sociedad y cultura norteamericanas hasta El Western en el nuevo milenio, y la proyección de los filmes Stagecouch (John Ford, 1939), Red River (Howard Hawks, Arthur Rosson, 1948), Shane (George Stevens, 1953) y The Outlaw Josey Walles (Clint Eastwood, 1976), entre otras, los participantes se adentrarán en esta extraordinaria tradición cinematográfica.
La temática de estas producciones es esencial en la historia estadounidense: la expansión de la frontera que se inició en el siglo XIX hacia el oeste del Río Mississippi y que concluyó hasta conquistar y poblar el litoral del Pacífico. Esta es otra de las razones por las que es importante estudiarlo; en palabras de David Maciel "es absoluto como parte de la identidad y el carácter nacional estadounidense y la mitología", expresa en entrevista.
Maciel se ha enfocado en el estudio de la cultura mexicana en Estados Unidos, la emigración latinoamericana, la frontera y el pueblo chicano. Entre su obra publicada se encuentran los libros: El bandolero, el pocho y la raza: imágenes cinematográficas del chicano; Mexico’s Cinema: A Century of Films and Filmmakers; El cine mexicano a través de la crítica, entre una decena más de títulos.
Si alrededor de una quinta parte de las películas estadounidenses pertenecen al western, como lo han dicho expertos, era de esperarse que su influencia se expandiera más allá del territorio que lo vio nacer, un ejemplo es el del cine mexicano. El Profesor Emérito de la Universidad de California resalta el caso de Arturo Ripstein con su debut Tiempo de morir (1966), de Ismael Rodriguez en su última etapa con Los hermanos del hierro (1961) e incluso Alejandro González Iñarritu con The revenant (2015), que aunque no se trata de cine mexicano "es un mexicano que le está enseñando a hacer un western a un equipo norteamericano".
Cada generación de cineastas ha abordado el género desde distintos enfoques. Esto ha derivado en una diversidad de westerns; están los centrados en el desarrollo de personajes individuales fuertes; los llamados spaguetti westerns (de los sesenta y setenta), los western revisionistas y actualmente los llamados posmodernos, cuyo periodo de florecimiento es de los setenta a la fecha. Cada uno de ellos será abordado en el curso con lecturas y debates.
Profundizar en el western también implica rememorar a los intérpretes más destacados del cine estadounidense, como lo indica David Maciel: "casi no hay un gran actor norteamericano que no haya protagonizado un western. Joyne Wayne, Clint Eastwood, Kirk Douglas, Marlon Brando, incluso gente que no pensarías como Frank Sinatra."
El western: La construcción del oeste norteamericano en el imaginario cinematográfico
Fechas: Del 6 de junio al 13 de julio
Horario: Lunes y miércoles de 17:00 a 20:00 horas
Costo: $1,800
Descuentos: 10% de descuento a estudiantes, profesores, Tarjeta INAPAM y alumnos del Diplomado en Historia del Cine Mundial o a otros alumnos que hayan participado en otro curso de la Cineteca Nacional.
Informes e inscripciones:
Hasta el 3 de junio o hasta completar aforo.
Cupo limitado
Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional
El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) anuncia que para su edición 31, DocuLab.8 Guadalajara alcanzó los 340 perfiles creados. De los cuales, 225 cumplieron con todos los requisitos especificados en la convocatoria, y fueron tomados en cuenta para entrar en la selección que se divide en:
105 perfiles de cineastas a disección (con película en post-producción, en un primer corte de 20 a 90 minutos).
120 perfiles de Oyentes-testigos (con tráiler de no más de cinco minutos).
El proceso culminará con la selección de 10 participantes como cineastas a disección y 25 como oyentes-testigos, para ser parte de este laboratorio; uno de los espacios emergentes de la producción audiovisual más importante de Iberoamérica.
La lista de resultados se publicará el 12 de Enero de 2016, en la página web del FICG y DocuLab.8
El presidente del FICM, Alejandro Ramírez Magaña, formará parte de la junta directiva del Instituto Sundance. Fundada por Robert Redford en 1981, esta organización es reconocida por fomentar el trabajo de cineastas innovadores de todo el mundo, brindando un espacio para explorar sus historias sin enfrentarse a presiones políticas o comerciales. Además de Alejandro Ramírez Magaña, el Instituto Sundance añadió a cuatro figuras destacadas de las industrias creativas a su junta directiva: Fred Dust (socio de la firma de diseño IDEO), Philipp Engelhorn (fundador y director de la compañía productora Cinereach), Caterina Fake (co-fundadora de las plataformas de Internet Flickr y Hunch) y Gigi Pritzker (directora general de la compañía productora OddLot Entertainment).
Alejandro Ramírez Magaña es director general de Cinépolis, la compañía de exhibición cinematográfica más grande de América Latina, con presencia en México, Brasil, Chile, Colombia, Perú, Centroamérica, India y Estados Unidos. Ha sido Representante Alterno de la Delegación permanente de México ante la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económico (OCDE), y Secretario Técnico del Gabinete de Desarrollo Humano y Social de la Presidencia de la República. Ha trabajado para el Banco Mundial y para el programa de Desarrollo de las Naciones Unidas (ONU). Es co-fundador de Ambulante, Gira de Documentales y presidente del FICM.
La junta directiva del Instituto Sundance trabaja bajo la guía de su presidente, Robert Redford, la directora ejecutiva, Keri Putnam, y el presidente de la junta, Pat Mitchell, quien hizo la siguiente declaración: “Conforme los programas del Instituto Sundance continúan respondiendo a las necesidades de los artistas independientes, estamos agradecidos con estos cinco nuevos fideicomisarios por unirse a nosotros. Juntos, la junta directiva esta lista para identificar nuevas y mejores ideas para apoyar a los contadores de historias independientes.
· Museo Legislativo presentó la obra “Expresiones en una noche de museos”,de Jonathan David Varela
· El recinto conmemoró el Día Mundial de la Diversidad Cultural para el Diálogo y el Desarrollo
El Museo Legislativo “Los Sentimientos de la Nación” celebró su decimoctava edición de Noche de Museos con la exposición pictórica “Expresiones en una noche de museos”, de Jonathan David Varela. Se reflejan personalidades, sentimientos y emociones de escritores, artistas plásticos, cineastas y músicos reconocidos como Lovecraft, Edgar Degas, Alfred Hitchcock, y Leroy Johnson, respectivamente.
En el marco del Día Mundial de la Diversidad Cultural para el Diálogo y el Desarrollo, que se realizó el pasado 21 de mayo, el director del recinto, Elías Robles Andrade, consideró necesario una mayor coordinación por parte de quienes brindan espacios, y generar un sistema integral de apoyo para todos aquellos jóvenes que deseen desarrollar sus talentos a través de la cultura y el arte.
“Esperamos que para la próxima Legislatura la oferta del museo pueda desplegarse con mayor fuerza; hay confianza, experiencia y mayor solidez para que así suceda”, abundó.
Llevar a cabo actividades como esta, indicó, permite que el público joven vea en el Museo Legislativo un espacio para que desplieguen todas sus capacidades y visiones del mundo.
El Museo, con una nueva visión, pretende ser incluyente, plural y dar cabida a nuevas voces; nuevas formas de expresión, pensamientos e ideas a todos aquellos artistas que tengan algo que aportar para el desarrollo de la sociedad.
Respecto a “Expresiones en una noche de museos”, mencionó que refleja una visión de la realidad actual, contempla el entorno haciendo una especie de necropsia que exhibe en los lienzos, mostrando sentimientos como el temor, enojo, tristeza, soledad, pereza y odio, los cuales, dijo, “se hacen comunes en los individuos, llegando a insensibilizarnos por los asesinatos, suicidios, violencia y robos”.
Por su parte, el artista plástico Jonathan David Varela señaló que sus obras reflejan las distintas personalidades, sentimientos y emociones de escritores, cineastas, artistas y músicos. “Lo interesante de la exposición es que me adentre en la psicosis de cada artista como personas, en sus emociones y pasiones que les rodeaba”.
En la exposición destacan pinturas dedicadas a los escritores Howard Phillips Lovecraft y Herbert George Wells; al pintor anglo-irlandés Francis Bacon y Edgar Degas, artista francés; al compositor y guitarrista de blues, Robert Leroy Johnson, así como al cineasta Alfred Hitchcock.
David Varela, quien ha participado en más de 20 exposiciones colectivas e individuales, resaltó la importancia de que espacios como la Cámara de Diputados brinden apoyo a artistas emergentes para presentar sus obras.
“El apoyo siempre es necesario porque el arte puede mostrar muchas experiencias y otras visiones del mundo”, expresó.
Lo que intento con mi obra es provocar a los visitantes diversas emociones a través de 17 cuadros y una escultura tallada en madera, agregó.