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Breitling Cinema Squad member Adam Driver wearing his Premier Automatic 40 at the premiere of “The Dead Don’t Die” movie during the Cannes Festival 2019
About The Breitling Cinema Squad This Breitling Cinema Squad includes some of the movie industry’s most admired talents: Brad Pitt, Charlize Theron, Adam Driver, and Daniel Wu. Their combined mission: to make dreams reality through the art of filmmaking. Four acclaimed actors, connected by their shared love and mastery of the filmmaking process, brought together with Breitling. Brad Pitt is one of the world’s best known and most versatile actors, and an Academy Award-winning producer with his company Plan B Entertainment. Charlize Theron is an Academy Award-winning actress who has built a remarkable career by taking on a wide variety of roles, always delivered with polished expertise. Adam Driver, with a talent spanning indie and mainstream film, is fast establishing himself as one of our most exciting actors. And, since his 1998 debut, martial arts actor, director and producer Daniel Wu has worked on over 60 films, building a reputation for professionalism matched only by his output. |
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viernes, 17 de mayo de 2019
martes, 1 de mayo de 2018
SINOPSIS
Cuatro antiguos amigos deciden reunirse para recordar sus tiempos en la universidad.
Su destino es una pequeña cabaña en un bosque escandinavo, pero pronto
Su destino es una pequeña cabaña en un bosque escandinavo, pero pronto
surgen lasdisputas entre ellos por lo mucho que han cambiado. Sin embargo, lo realmente
importante que hay algo al acecho que amenaza con acabar con sus vidas,
encontrando además restos de un antiguo ritual pagano.
#ElRitual #LatamPictures #ImagemFilmes
ESTRENO | 10 DE MAYO
martes, 21 de noviembre de 2017
- La Semana Fénix se llevará a cabo del 1 al 10 de diciembre en la CDMX.
- Proyecciones de películas nominadas, funciones al aire libre, actividades académicas y talleres conforman la programación.
Ciudad de México, a 21 de noviembre de 2017.- Del 1 al 10 de diciembre y organizado alrededor del Premio iberoamericano de cine Fénix®, se llevará a cabo la segunda edición de la Semana Fénix, una semana dedicada al cine iberoamericano, que incluye proyecciones de películas nominadas, funciones al aire libre, conferencias, talleres y encuentros con críticos y realizadores cinematográficos. La Semana Fénix tiene el principal objetivo dar a conocer y difundir los filmes nominados, además de promover el encuentro entre académicos, críticos y profesionales de la industria.
Las películas que se proyectarán, todas nominadas en la cuarta edición de los Fénix, son las siguientes:
● As duas Irenes (Dir. Fabio Meira. Brasil).
● Como me da la gana II (Dir. Ignacio Agüero. Chile).
● Cuatreros (Dir. Albertina Carri. Argentina).
● Ejercicios de memoria (Dir. Paz Encina. Paraguay / Francia / Alemania / Qatar).
● El hombre de las mil caras (Dir. Alberto Rodríguez Librero. España).
● El otro hermano (Dir. Adrián Caetano. Argentina / Uruguay / España / Francia).
● El pacto de Adriana (Dir. Lissette Orozco. Chile).
● El teatro de la desaparición (Dir. Adrián Villar Rojas. Argentina).
● Estiu 1993 (Dir. Carla Simón. España).
● Joaquim (Dir. Marcelo Gomes. Brasil / Portugal)
● La cordillera (Dir. Santiago Mitre. Argentina / España / Francia).
● La libertad del diablo (Dir. Everardo González. México).
● La región salvaje (Dir. Amat Escalante. México / Dinamarca / Francia / Alemania / Noruega / Suiza).
● Los perros (Dir. Marcela Said. Chile/ Francia)
● O ornitólogo (Dir. João Pedro Rodrigues. Portugal / Francia / Brasil).
● Tarde para la ira (Dir. Raúl Arévalo. España).
● Un monstruo viene a verme (Dir. Juan Antonio García Bayona. España).
● Viejo Calavera (Dir. Kiro Russo. Bolivia, Qatar).
Además, se realizarán dos funciones gratuitas en el Teatro Ángela Peralta, donde se proyectarán los largometrajes ganadores del Premio Fénix 2016, en las categorías de Documental y Ficción: Tempestad (Dir. Tatiana Huezo. México, 2016) el viernes 1 de diciembre, y Neruda (Dir. Pablo Larraín. Chile, 2016) el sábado 2 de diciembre. A su vez, Ecocinema proyectará las películas que participaron en los Premios Fénix de ediciones anteriores en algunas plazas públicas de Morelos, Veracruz, Estado de México y Ciudad de México.
Entre los encuentros con realizadores nominados a los Premios Fénix y académicos de la región, habrá una plática con directores de arte y vestuaristas y otra con documentalistas, la cual forma parte de las Conversaciones Gatopardo. También se ofrecerá una conversación entre diferentes críticos de cine titulada El papel de la crítica cinematográfica en la era de Netflix y Facebook. Las actividades académicas de la Semana Fénix son abiertas al público y sujetas a la disponibilidad de los espacios.
Adicionalmente, Premios Fénix presentará diversas actividades abiertas al público durante el Mercado, Industria, Cine y el Audiovisual 2017 (MICA), evento que se llevará a cabo del 7 al 10 de diciembre en la Cineteca Nacional.
Las sedes para los distintos eventos que conforman la Semana Fénix son Cinépolis Diana, Cinépolis Oasis Coyoacán, Cineteca Nacional, Cine Tonalá (Roma y Tijuana), Centro de Cultura Digital, Museo Tamayo y Casa Wabi.
Los Premios Fénix se transmitirán por televisión en vivo y en directo por E! Entertainment Television, Studio Universal y Canal 52MX, y contará con repeticiones en Canal Once, Canal 13 Paraguay, Canal 66 de Mexicali y Canal 44 de Ciudad Juárez. Además, el público podrá seguir la ceremonia de premiación vía streaming a través de premiosfenix.com, sopitas.com y msn.com.
viernes, 3 de noviembre de 2017
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domingo, 5 de febrero de 2017
SÓLO UN MUNDO PODRÁ SOBREVIVIR: EL DE ELLOS O EL NUESTRO
He estado viviendo esta franquicia por más de diez años. Para Transformers: El Último Caballero hemos dispuesto una habitación de escritores diseñada para expandir nuestra mitología, integrando nuestras películas de una manera totalmente nueva. Cada película con un enlace.
Fue una gran tarea expandir la mitología desde el principio del mundo, a lo largo de la historia. Hemos tenido un gran equipo de escritores: Akiva Goldsman (Una Mente Brillante), Art Marcum y Matt Holloway (Iron Man), Ken Nolan (La Caída del Halcón Negro), Zak Penn (Ready Player One), Lindsey Beer (Barbie), Geneva Robertson-Dworet (Tomb Raider), Christina Hodson (Bumblebee), Jeff Pinkner (El Sorprendente Hombre Araña 2, Lost), Andrew Barrer y Gabriel Ferrari (Ant-Man) y Steven DeKnight (Daredevil, Smallville).
Ellos estuvieron trabajando durante el verano de 2015 en los estudios Paramount, rodeados de más de 10 mil imágenes conceptuales de la historia de la franquicia, incluyendo las películas, dibujos animados e historietas cómicas. Tuvieron un Bumblebee de la mitad del tamaño real, una cabeza de Megatron y muchos otros artículos en los que fijaron su mirada. Llevamos todo tipo de objetos, fue un cuarto de ensueño para cualquier fan. Trajimos historiadores de Transformers desde Hasbro para instruirlos sobre los antecedentes y que así pudieran definir el rumbo de la serie.
Yo con toda certeza puedo decir que jamás ha habido una película de Transformers con tal espectro visual y mitología expandida como ésta:El Último Caballero.
Hay un cierto sabor agridulce, ya que en cada película he dicho que sería la última que haría, pero veo los 120 millones de fanáticos alrededor del mundo que las ven, las interminable filas en los parques temáticos, los chicos de la organización Make-A-Wish (Pide un deseo) que visitan los sets de filmación y de alguna forma me siento comprometido a regresar. Amo hacer estas películas. Ésta en particular fue especialmente divertida de filmar. Pero esta ocasión tal vez sea realidad, así que lo dejaré en el aire.
Es un capítulo final y un nuevo comienzo, he aquí la bitácora de los escritores:
EL ÚLTIMO CABALLERO destroza el núcleo de la mitología de los Transformers y redefine lo que significa ser un héroe. Los humanos y los Transformers estamos en guerra, Optimus Prime se ha ido. La clave para salvar nuestro futuro yace en los secretos del pasado, en la historia oculta de los Transformers en la Tierra. La labor de salvar a nuestro planeta cae no los hombros de una alianza única: Cade Yeager (Mark Wahlberg), Bumblebee, un Lord inglés (Sir Anthony Hopkins) y una académica de Oxford (Laura Haddock).
Llega un momento en la vida de todos nosotros en las que estamos destinados a responder al llamado y hacer la diferencia.
En Transformers: El Último Caballero los perseguidos se convierten en héroes. Los héroes se convierten en villanos. Sólo un mundo podrá sobrevivir: el de ellos o el nuestro.
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21 DE JULIO, 2017
ESTRENO EN MÉXICO
miércoles, 1 de febrero de 2017
ACERCA DE LA PRODUCCIÓN
“Sí, a las mujeres les dejan hacer ciertas cosas en la NASA...”.
TALENTOS OCULTOS revela la increíble y no contada historia verdadera de un grupo de mujeres brillantes que cambiaron los fundamentos de su país para bien —al apuntar hacia las estrellas. El filme narra la historia crucial de un equipo elite de mujeres matemáticas de raza negra de la NASA, que ayudó en el triunfo de la carrera espacial que Estados Unidos libró sin cuartel contra la Unión Soviética, y que, al mismo tiempo, echó a andar la gestión para conseguir igualdad de derechos y oportunidades.
Todos han oído hablar de las misiones Apolo. Todos podríamos nombrar de inmediato los osados astronautas que dieron los primeros y grandes pasos para la humanidad en el espacio: John Glenn, Alan Shepard y Neil Armstrong. Pero, por increíble que parezca, Katherine G. Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson son nombres que no son repasados en las escuelas o que incluso sean conocidos por la mayoría de la gente —a pesar de que sus roles audaces, inteligentes y poderosos como las ingeniosas “computadoras humanas” fueron indispensables para los avances que le permitieron a los humanos viajar hacia el espacio.
Así, finalmente llega a la pantalla la historia de un trío visionario de mujeres que superó las fronteras del género, de la raza y del mundo laboral en su camino a ser pionero de los viajes espaciales. La película es protagonizada por la nominada al Oscar® Taraji P. Henson (Empire, Benjamin Button, Hustle And Flow), la ganadora del Premio de la Academia® Octavia Spencer (Allegiant, Fruitvale Station, The Help), la cantante Janelle Monáe, en lo que representa su debut cinematográfico, y el ganador en dos ocasiones del Oscar® Kevin Costner (Black Or White, Field Of Dreams, Dancing With Wolves).
El director Theodore Melfi (St. Vincent) le da vida al ascenso de las mujeres a los rangos más elevados del mundo aeroespacial durante los primeros y emocionantes días de la NASA, a través de un entretenimiento dinámico, lleno de humor e inspirador, que ilustra tanto la misión intrépida por lograr el primer, pero aparentemente imposible, viaje orbital de la Tierra, como los principios poderosos que pueden surgir cuando las mujeres se unen.
Por todas sus alegrías y triunfos, Talentos Ocultos es también un filme que se lleva a cabo en la encrucijada de las luchas más relevantes en la historia de los Estados Unidos: la batalla creciente por los Derechos Civiles; la pelea por ganar la peligrosa Guerra Fría sin provocar una guerra nuclear y ser la primera superpotencia en establecer presencia humana afuera del planeta Tierra; y la determinación constante por mostrar cómo los extraordinarios hitos tecnológicos que forjaron el futuro del mundo no tuvieron nada que ver con el género o el origen de la gente.
Melfi comenta: “Esta historia se desarrolla en medio del conflicto de la Guerra Fría, la carrera espacial, las leyes de Jim Crow y el nacimiento del movimiento de los Derechos Civiles. Es un territorio increíble para una historia espléndida y poderosa que muy poca gente conoce en su totalidad”.
Taraji P. Henson añade: “Ahora sabemos que había mujeres asombrosas detrás de cómo John Glenn llegó a orbitar la tierra en el espacio —finalmente tenemos la oportunidad de escuchar su historia”.
De manera conmovedora, Katherine G. Johnson, ahora en sus noventa, encuentra sorpresiva la fascinación creciente por su profesión y aquella de sus compañeras de trabajo, al apuntar que siempre estaba dando lo mejor de sí para su trabajo, su familia y su comunidad, como cree que lo haría cualquiera. “Yo sólo estaba resolviendo problemas que necesitaban ser resueltos”, comenta con una modestia característica.
En cuanto a lo que le aconseja a la gente que enfrenta retos en la actualidad, Johnson dice: “No lo dejes. Sin importar cuál sea el problema, éste puede ser resuelto. Una mujer lo puede resolver —y también un hombre, si le das mucho tiempo”.
Fox 2000 Pictures presenta una Producción Chernin Entertainment / Levantine Films, Talentos Ocultos, dirigida por Theodore Melfi a partir de un guión de Allison Schroeder y Melfi, basado en el libro de Margot Lee Shetterly. Los productores son Donna Gigliotti, Peter Chernin, Jenno Topping, Pharrell Williams y Theodore Melfi y los productores ejecutivos son Jamal Daniel, Renee Witt, Ivana Lombardi, Mimi Valdés, Kevin Halloran y Shetterly.
A Henson, Spencer, Monáe y Costner se les une un reparto que incluye al actor nominado al Emmy Mahershala Ali (Free State Of Jones, House Of Cards), la actriz nominada al Emmy Kirsten Dunst (Fargo, Spiderman, Mona Lisa Smile), el ganador en cuatro ocasiones del Emmy Jim Parsons (The Big Bang Theory, The Normal Heart) y Kimberly Quinn (St. Vincent, Gypsy). El equipo creativo detrás de cámaras incluye a la directora de fotografía Mandy Walker (Jane Got A Gun, Australia), al diseñador de producción Wynn Thomas (Grudge Match, Cinderella Man, A Beautiful Mind), al editor Peter Teschner (St. Vincent, Identity Thief), a la diseñadora de vestuario Renée Erlich Kalfus (Annie, Friends With Benefits, Chocolat) y a los compositores Hans Zimmer, Pharrell Williams y Benjamin Wallfisch.
jueves, 19 de enero de 2017
- Se proyectarán 9 filmes esenciales para conocer la trayectoria en el cine del mítico personaje creado por el escritor estadounidense Raymond Chandler
Philip Marlowe es el protagonista de las siete novelas creadas por Raymond Chandler (1888-1959), cuya maestría al construir a su detective privado ha hecho de este último uno de los personajes literarios más llevados a la pantalla grande. Este mes, la Cineteca Nacional presenta el ciclo Mi nombre es Philip Marlowe, que proyectará 9 filmes esenciales para conocer la trayectoria en el cine del mítico detective creado por el escritor estadounidense. Las cintas podrán disfrutarse del 20 al 29 de enero en la Sala 9 Juan Bustillo Oro, a las 19:00 horas.
Marlowe se caracteriza por ser un idealista irónico y desencantado; uno de esos antihéroes destinado a ser el observador de su corrupta y decadente realidad social. Su primera aparición en el cine fue en 1944 en El enigma del collar (Murder, My Sweet, Edward Dmytryk, 1944), interpretado por Dick Powell, quien abandonaría sus característicos papeles en la comedia musical para encarnar en el futuro a varios detectives.
La segunda adaptación fílmica de una novela de Raymond Chandler fue coescrita por William Faulkner. En Al borde del abismo (The Big Sleep, Howard Hawks, 1946) Humphrey Bogart, quizá el Marlowe más famoso del cine, investiga sobre un cadáver extraído de las aguas de un muelle. Esta cinta se convirtió en uno de los clásicos del cine negro estadounidense.
La siguiente película tuvo a Robert Montgomery como Philip Marlowe y como director de la cinta. La dama del lago (Lady in the Lake, 1947) revolucionó el género del film noir con la técnica de la cámara subjetiva, esto en un intento de reflejar el uso del narrador en primera persona plasmado por Chandler. La siguiente aparición de Marlowe demora varios años; en 1969 aparece Marlowe, detective privado (Marlowe), con James Garner como protagonista.
Un largo adiós (The Long Goodbye, 1973), esta vez con Elliot Gould como Philip, se presenta como una de las adaptaciones más actuales de las novelas de Chandler, al profundizar en la psicología del icónico detective. En los dos siguientes filmes Robert Mitchum encarnó a Marlowe como un detective ya maduro; Adiós, mi amor (Farewell, My Lovely, 1975), de Dick Richards, explora nuevas características del cine detectivesco, mientras que El gran sueño (The Big Sleep, 1978), dirigido por Michael Winner, traslada la acción de Los Ángeles en los años cuarenta al Londres de los setenta.
Por último, la Cineteca Nacional proyectará Poodle Springs (1998), adaptación de la novela inconclusa que dejó Raymond Chandler a su muerte. En ésta, el escritor estadounidense imaginaba a su mítico investigador privado ya maduro y casado con una atractiva millonaria. En esta cinta, Bob Rafelson dirige al Marlowe James Caan, reflejando el espíritu ya cansado del detective. Un buen final para concluir más de medio siglo de carrera cinematográfica de Marlowe, el gran personaje —inicialmente literario— que posee su propia moral, la que no siempre encaja con la de la sociedad en la que vive, y que está dispuesta a defenderla.
jueves, 12 de enero de 2017
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viernes, 14 de octubre de 2016
Ejemplo de mancuerna exitosa en las labores de producción y realización cinematográficas, Guillermo Del Toro y Bertha Navarro unieron talentos para heredarnos la cinta que expresa cabalmente lo admirable de su trayectorias: El laberinto del fauno (2007). Así lo consideró Alejandro Pelayo, director general de la Cineteca Nacional durante la última sesión del ciclo Conversando con nuestros cineastas, que tuvo lugar este jueves 13 de octubre.
En la sala 9, Juan Bustillo Oro un amplio público se deleitó con esta coproducción entre México y España que nos sitúa en la Guerra Civil del país ibérico, momento en el que una niña aficionada a los cuentos de hadas escapa de su realidad adentrándose en un mundo de misterio y fantasía.
En Conversando con nuestros cineastas se invita a los grandes realizadores mexicanos a comentar una selección de sus obras. En esta edición se han revisado cuatro filmes producidos por Navarro. La película fue comentada por el Dr. Pelayo en compañía del director académico de la Cineteca, Guillermo Vaidovits.
Desde su experiencia como cineasta, Pelayo aseguró que en términos de producción El laberinto del fauno es perfecta, pues presenta la faceta más artística de Del Toro, quien tuvo un control creativo absoluto sobre la historia, además de haberla realizado con un presupuesto relativamente menor. “Fue la película de habla no inglesa más importante de su momento, es el mejor trabajo de Guillermo hasta la fecha y espero que logre superarla”, declaró.
De igual forma, Vaidovits destacó las virtudes de la productora mexicana, tanto en ésta como en entregas anteriores. “El cine mexicano necesita productores que no sean sólo un gerente, sino que tengan la capacidad de intervenir y de dialogar creativamente con el director. Así es Bertha Navarro, no se limita a administrar el presupuesto, sino que deja huella en la película”.
Algunos asistentes expresaron curiosidad por el origen de la fantástica historia y las referencias en que Del Toro se inspiró para escribirla. Conocedor de la obra del cineasta, Guillermo Vaidovits reveló que éste ya había trazado la historia del filme aproximadamente diez años antes de su realización; aseguró además que Guillermo pensaba, en un principio, rodar ésta y otras cintas en territorio mexicano.
lunes, 10 de octubre de 2016
- La también cineasta mexicana reconoció que producir Un embrujo de Carlos Carrera contribuyó a alcanzar, junto con su equipo, una mayor madurez
Al concluir el siglo XX, ya con una extensa carrera cinematográfica, el trabajo de Bertha Navarro y el de su equipo de producción adquirió gran madurez y aún mayor profesionalismo, algo que se ve reflejado en sus películas épicas. Así lo valoró ella misma en la tercera sesión de Conversando con nuestros cineastas dedicada a su filmografía, que tuvo lugar este jueves 6 de octubre en la Cineteca Nacional.
En la Sala 9, Juan Bustillo Oro, la productora fue recibida con gran calidez y una ovación de pie. Además, fue notable la presencia de público de todas las edades, incluyendo a algunos jóvenes que admitieron presenciar por primera vez el trabajo de la mexicana.
En Conversando con nuestros cineastas se invita a los grandes realizadores mexicanos a comentar una selección de sus obras. En esta edición se han revisado tres filmes producidos por Navarro, quien presenció la proyección de Un embrujo (Carlos Carrera, 1998), para después charlar con el público en compañía de José Antonio Valdés Peña, Subdirector de Información de la Cineteca.
“Cada película tiene su momento y su contexto. Un embrujo fue una película ya muy madura de Carlos Carrera, quizá era tiempo de filmarla cuando se hizo y no antes; es un trabajo muy bello y muy profesional de Carlos, de Rodrigo Prieto [fotografía] y de todos los que participamos, me emocionó volver a verla”, declaró la productora.
La historia se lleva a cabo en la costa de Yucatán, durante los años treinta, y comienza con el romance prohibido entre Eliseo, un joven de 13 años, y su maestra Felipa. Luego de que la relación sale a la luz, ella se aleja del pueblo por vergüenza y abandona al muchacho, que crece y forma una familia bajo la sombra del recuerdo de su antiguo amor. 10 años más tarde la mujer regresa.
José Antonio Valdés mencionó que esta función se trataba de una ocasión muy especial, pues la cinta fue proyectada en el formato original de 35 mm. También habló sobre el gran nivel de la producción y la calidad con que se logró representar la época. “Ninguna de mis películas se ve mal, aunque las haya hecho con poco dinero; aquí la factura, las casas, la ambientación, todo luce muy rico”, apuntó Navarro.
La productora destacó también la forma en que sus obras muestran la gran tradición cultural de México, señalando que “nuestra historia es de una enorme riqueza y creo que eso es muy importante asumirlo; poder mostrar nuestra grandeza cultural es como una reflexión, es poder decir a través de lo que hacemos: esto somos”.
Tras la proyección, los asistentes dialogaron con Bertha sobre las dificultades que atraviesa una mujer para trabajar en el cine mexicano o la forma en que elige las historias que producirá, a lo que ella respondió: “Los guiones son fundamentales, la búsqueda de una buena historia y cómo está narrada es esencial para un productor; es una búsqueda permanente”.
Finalmente hizo una nueva invitación al público a reconocer la calidad del cine mexicano, recordando que, en un principio, Un embrujo tuvo un mejor recibimiento y mayor difusión en el plano internacional que en nuestro propio país. “En todas mis películas y en todo lo que hago, se trata de dejar claro que sí podemos hacer cosas de enorme calidad y del gran oficio de cine que tenemos en México”.
Esta edición del ciclo Conversando con nuestros cineastas llegará a su fin el próximo jueves 13 de octubre, en punto de las 18:00 horas, con la proyección de El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006) en la sala 4. La entrada es libre presentando las cortesías de acceso que pueden ser solicitadas en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
lunes, 3 de octubre de 2016
- En Ascensor para el cadalso, el director francés conjugó una gran diversidad de estilos, según la escritora Ana García Bergua
La habilidad y el ingenio que el director francés Louis Malle tuvo para compilar diferentes estilos cinematográficos es lo que le aseguró el éxito al adaptar una novela de Noël Calef a la pantalla grande. Así lo expresó la escritora y narradora Ana García Bergua, durante su participación en la última sesión de Charlas sobre cine francés, llevada a cabo este lunes 26 de septiembre en la Sala 4, Arcady Boytler.
Organizado por la Coordinación Nacional de Literatura del INBA, la Dirección de Literatura de la UNAM y la Cineteca Nacional, el ciclo de pláticas se realizó cada lunes y retomó grandes obras de la literatura francesa que han sido adaptadas al cine. En esta ocasión, Ascensor para el cadalso (Ascenseur pour l'Echafaud, 1957), fue comentada por García Bergua.
Ascensor para el cadalso es el primer largometraje de ficción de Malle y cuenta la historia de Julien Taverner (Maurice Ronet), héroe de la guerra de Indochina que trabaja para el industrial Simon y es el amante de su esposa Florence (Jean Moreau). Para poder estar juntos, los amantes deciden matar al marido de modo que parezca un suicidio.
La ponente alabó el uso de distintos recursos técnicos por parte del francés, como el manejo de la cámara en mano, que ofrece gran realismo a la historia y que incorpora también la noción del cinema verité. Además, señaló que algunos planos y escenas se asemejan a lo realizado por Alfred Hitchcock en Vértigo (Vertigo, 1958), interpretando esto como un homenaje al cineasta inglés.
La cinta se encuentra ambientada con la música del jazzista Miles Davis, de quien García narró un incidente sufrido durante la grabación de la banda sonora, que a la postre permitió a Davis definir el sonido característico de su trompeta y lanzar sus discos más famosos.
Durante la charla intervino brevemente el Dr. Alejandro Pelayo, director general de la Cineteca, quien se encontraba entre el público. Comentó que “lo que hay en la película es una historia extraordinaria y un guión muy sólido, que estaría más dentro de la línea del cine negro francés. Reúne elementos como el uso del jazz y la cámara en mano para filmar en exteriores, que viene también del neorrealismo italiano; todo forma parte de un nuevo cine, que tuvo influencia mundial”.
La escritora concluyó que el filme de Louis Malle supera en definitiva a la novela de Calef, debido también a las casualidades y enredos que el director agregó para enriquecer la historia: “La novela es una historia policía bien tramada, pero que no tuvo la misma trascendencia que la película, que tiene una trama muy ingeniosa, muy hecha de casualidades que se enreda gracias a las malas decisiones de los personajes, estando muy presente la fatalidad”.
El ingenio de Malle, la amalgama de estilos cinematográficos, la música de Miles Davis y la construcción de una historia llena de fatalidad que mantiene al público a la expectativa; todos estos elementos convierten a Ascensor para el cadalso en uno de los clásicos de su generación, sin estar encasillada dentro del movimiento propio del cine francés.
Con esta sesión, Charlas sobre cine francés ha finalizado. En su lugar dará inicio un ciclo sobre Cine negro mexicano que será exhibido durante los meses de octubre y noviembre, comenzando el próximo lunes 3 de octubre con la proyección de Distinto amanecer (Julio Bracho, 1943), comentada por Armando Casas. La entrada será libre y las cortesías de acceso serán repartidas en la taquilla 5.
sábado, 24 de septiembre de 2016
- Con la proyección de su documental 20 años breves, el cineasta conmemoró al concurso de cortometrajes Historias Breves
- “Han cambiado los directores y las circunstancias de la cinematografía, pero Historias Breves ha permanecido”: Bebe Kamin
Durante la década de los noventa, la cinematografía de Argentina enfrentó una situación adversa. En medio de una crisis tanto económica como creativa, donde además los cineastas exigían mejores condiciones de trabajo, fue fundamental buscar propuestas frescas e innovadoras y brindarles a sus autores los recursos necesarios para iniciar una nueva etapa dentro de la industria.
Es por ello que con gran orgullo y un toque de nostalgia, el realizador argentino Bebe Kamin celebró los veinte años del concurso de cortometrajes Historias Breves, que ofrece una oportunidad a los jóvenes talentos de aquel país para mostrar sus dotes en la dirección y dar lugar a sus primeros filmes.
El proyecto que nació como un intento de rescatar el cine argentino fue conmemorado mediante la proyección del documental 20 años breves (Bebe Kamin, 2015) este martes 21 de septiembre en la Sala 8, Ismael Rodríguez, en presencia del director y de Nelson Carro, director de Difusión y Programación de la Cineteca Nacional.
El filme narra los orígenes del certamen en los años noventa, además de la situación tan difícil que vivía la industria argentina, que entonces se hallaba al borde de la desaparición. “Hoy en día, es considerado como un objetivo importante para los cineastas que se inician, porque da un premio que permite hacer un cortometraje con características industriales”, explicó Bebe con emoción.
Como dato interesante, señaló que alrededor de la mitad de todos sus participantes desde el inicio del proyecto lograron continuar de manera exitosa su carrera fílmica, realizando por lo menos un largometraje. Agregó que “efectivamente, se convirtió en una especie de plataforma para el cine joven, pues los directores de la primera camada se transformaron luego en la plana mayor de los realizadores argentinos”.
De igual manera, 20 años breves nos introduce en una charla íntima que sostienen los directores que han pasado por el certamen en sus distintas versiones, quienes comentan sus experiencias, la evolución de la tecnología dentro del cine y la repercusión que tuvo en ellos el haber participado.
“A partir de ahí, cada uno de nosotros creó su sello, pues un cortometraje es una carta de presentación completamente personal, pero que al mismo tiempo mostraba algo muy sólido al reunir todos los trabajos”, expresa en el documental Adrián Caetano, autor del corto Cuesta abajo (1995).
Además del documental, fueron proyectadas cuatro obras incluidas en la primera edición de Historias Breves en 1995:Rey muerto (Lucrecia Martel), Guarisove, los olvidados (Bruno Stagnaro), Cuesta abajo (Adrián Caetano) y Ojos de fuego (Jorge Gaggero).
Finalmente, Kamin señaló que Historias breves sigue en marcha y que los directores más jóvenes deben continuar con el carácter revolucionario de las primeras ediciones. Adelantó que la nueva generación de cortometrajes argentinos será exhibida entre los meses de noviembre y diciembre de este año.
viernes, 23 de septiembre de 2016
- La muestra de la Cineteca Nacional dedicada a exhibir lo mejor de las primeras películas de jóvenes realizadores arranca este viernes con Maquinaria Panamericana
- Para cineastas como Alejandro Iglesias, este espacio significa la oportunidad de mostrar su trabajo sin depender de las grandes economías
Una combinación de propuestas de tendencia autoral con narrativas más digeribles, es el sello que caracteriza a Talento Emergente 2016, la muestra que la Cineteca Nacional lanzó desde el año pasado con el propósito de mostrar el desempeño de jóvenes realizadores destacados hoy día en el panorama cinematográfico internacional.
Así lo expuso Nelson Carro, director de Programación y Difusión de la Cineteca, en conferencia de prensa este 19 de septiembre en el marco del anuncio de esta programación que reúne 14 títulos, los cuales podrán apreciarse en este recinto del 23 de septiembre al 10 de octubre.
Para el director general de la Cineteca, Alejandro Pelayo, se trata de una muestra que busca difundir el trabajo de jóvenes debutantes y que también pretende servir de plataforma para que su labor pueda encaminarse favorablemente hacia nuevos proyectos.
Como representante del ejercicio cinematográfico que empieza a destacarse, estuvo presente el cineasta Arturo González Villaseñor (Llévate mis amores, 2014), documental sobre la labor solidaria y desinteresada de las llamadas “patronas” que brindan sustento a los migrantes que en el ferrocarril “La Bestia” atraviesan una ruta peligrosa hacia la frontera norte. Apuntó que para los realizadores mexicanos es muy importante aparecer con su operas primas en este tipo de ciclos ya que les permite “no depender de las grandes economías; que mi película se estrene en este recinto es la culminación de un sueño que inició hace seis años”.
Igualmente se contó con la presencia de Alejandro Iglesias Mendizábal (Sopladora de hojas, 2015), quien se mostró agradecido y contento por presentar su obra en estas salas. Sobre su largometraje, un drama sobre la amistad de tres amigos y la búsqueda de unas llaves pérdidas que cambiará su rutina para siempre, dijo que se trató de una trama muy sencilla filmada sólo por el gusto de hacer cine.
Talento Emergente 2016 incluye la coproducción entre México y Polonia, Maquinaria Panamericana (2015) de Joaquín del Paso; La niña de tacones amarillos (2015) de la argentina María Luján Loioco; la chilena Nunca vas a estar solo(2016) de Alex Anwandter; y la segunda película del colombiano José Luis Rugeles, Alias María (2015).
La muestra se complementa con Lobo (Naji Abu Nowar, 2014), aspirante al Óscar de la Academia; La noche (Zhou Hao, 2014), celebrada en la Berlinale; y Mediterránea (Jonas Carpignano, 2015), premiada en festivales europeos. También figuran Gol gana (Mike Brett y Steve Jamison, 2014), Bang Gang: Una moderna historia de amor, (Eva Husson, 2015), Ni el cielo sabe qué… (Josh y Benny Safdie, 2014) y Días sin llamado (Zoe Cassavetes, 2015).
Tras su exhibición en Cineteca Nacional, Talento Emergente 2016 se podrá apreciar a partir de finales de octubre en distintas ciudades como Guadalajara, Monterrey, Tijuana, entre otras.
jueves, 22 de septiembre de 2016
Spot 14º FICM
La imagen de la 14ª edición del FICM fue creada por Rodrigo Toledo y está inspirada en la vanguardia rusa. Los elementos de los cuales está compuesta es un resumen substancial de lo que es el cine y Morelia. La cámara de cantera rosada remite tanto a la esencia del cine como a la de Morelia, sin una cámara no podría existir el cine y sin la cantera rosada Morelia sería otra ciudad.
Para dar la sensación del peso y la textura de una escultura gigantesca Toledo utilizó un programa de 3D para recrear una cámara de 35 mm de los años 30, a modo de un monumento al cine.
By Charly de Balzac.
Luego de reconocer que no sabian que hacian musica para peliculas, lo cierto es que la legendaria agrupacion musical de Santa Sabina, hoy sin la Diosa del rock mexicano Rita Guerrero, Los Sabinos, dieron a conocer su proxima actuacion como es la musicalizacion en vivo de la cinta icónica del cine alemán y uno de los filmes silentes más famosos de la historia, Nosferatu: este domingo 25 de septiembre a las 18:00 horas, en el teatro Esperanza Iris” con lo que esperan abrir otra puerta al mas allá a decir de Poncho Figueroa.
En rueda de medios detallaron , los músicos que fuimos parte de la banda Santa Sabina, surgida a finales de la década de los ochenta en la Ciudad de México, volveremos a reunirnos en este proyecto que rinde homenaje a la cinta de 1922 dirigida por F.W. Murnau, la cual es considerada una fábula surrealista y punto de referencia en la tradición del “cine de terror” con fuerte presencia en la estética y el ritual escénico que, por otra parte, caracterizó a la agrupación. A la par los demas miembros , el baterista Patricio Iglesias, el tecladista Jacobo Lieberman, el guitarrista Alejandro Otaola, el chelista Leonel Pérez y el guitarrista Pablo Valero anunciaron los detalles que conformarán este espectáculo al que se sumarán otros dos “sabinos”: el saxofonista Aldo Max y el tecladista Juan Sebastián Lach. Precisaron que el proyecto surgió en una búsqueda por reinventarse como artistas después de la partida de Rita Guerrero y Julio Díaz, “entre la nostalgia, el recuerdo y a modo de permanencia de nuestros compañeros que ya no están en esta dimensión”, platicó Poncho Figueroa. Sin embargo, aclaró: “Como músicos vivos alrededor de la música, el encuentro también es una oportunidad para seguir haciendo lo que amamos la musica. En el escenario interpretarán piezas instrumentales basadas en lo más conocido del repertorio de Santa Sabina, en especial canciones de los discos Símbolos y Mar adentro en la sangre, con arreglos pensados especialmente para la ocasión. Asimismo, habrá temas nuevos e improvisaciones en este ejercicio que permite “nos concentremos en la parte musical, que no se basa totalmente en la nostalgia de nuestros compañeros, sino que celebra el hecho de estar colaborando hoy”, comentó Jacobo Lieberman. “Creo que se amolda muy bien a lo que siempre ha hecho la banda. Es un nuevo camino desde el lado estético, desde el lado hedonista de las artes, para degustar este tipo de corriente artística haciendo la evocación de todas estas imágenes”, expresó Pablo Valero sobre el encuentro de diversas texturas entre lo clásico y contemporáneo. Vale destcar que Santa Sabina se distinguió de otros grupos de rock mexicano por su inusual propuesta musical, a menudo catalogada como rock/funk gótico debido a las imágenes sombrías evocadas en varias de sus letras y a la puesta en escena de sus presentaciones en vivo, de ambientes oscuros creados principalmente por su vocalista, Rita Guerrero. Los elementos jazzísticos y góticos dentro del rock, la incorporación de elementos teatrales y de performance, las letras de temáticas místicas, fantásticas y espirituales, así como el uso de veladoras y flores en el escenario hacían de cada concierto una ceremonia casi onírica, un ritual aunado a su creencia de que “hacer música es un acto sagrado”. Asi las cosas, y luego de 15 años consecutivos, la banda de culto con cinco discos de estudio y tres en vivo. Su vínculo con el cine de horror, sobre todo con Nosferatu, ha sido latente, pues era una de las películas favoritas de Rita Guerrero a tal grado de presentarse fragmentos de la misma en sus presentaciones. Decía la vocalista acerca del disco Mar adentro en la sangre: “El cine mudo y especialmente el cine expresionista alemán de principios del siglo XX me parece de una estética súper interesante, y creí que tenía que ver con los temas de un disco tan intenso como lo es éste. Así que planeamos todas las fotos, imaginándonos unos personajes un tanto inventados y un tanto inspirados en algunas de estas películas”. Al final en entrevista Poncho Figueroa confio que ademas de su amor por la madre naturaleza estan abiertos a participar en algun festival en favor de la paz y la no mas violencia en nuestro pais, concluyeron.
