|
|
Mostrando las entradas con la etiqueta Cineastas. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta Cineastas. Mostrar todas las entradas
miércoles, 18 de septiembre de 2024
lunes, 5 de junio de 2023
El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) y Moët & Chandon anunciaron de manera oficial a los tres ganadores de la segunda edición de TOAST FOR A CAUSE: UN BRINDIS POR LAS NUEVAS HISTORIAS, incubadora de guionistas presidida por Manolo Caro:
Y si Adelita…, de Luz Jaimes Miranda
Pez León, de Sandra Concepción Reynoso
La bestia que pedía amor a gritos, de Gerardo Lechuga
El director de cine mexicano Mano Caro, la actriz Karla Souza, el senior brand manager de Moët, Arturo Aguilar, y la directora de Industria y Mercado del FICG, Ximena Urrutia, se reunieron en la Sala de Conferencias de Prensa del Conjunto Santander de Artes Escénicas para presentar a los finalistas de una preselección de 10 guiones, que a su vez fueron elegidos de una convocatoria que reunió historias de ficción creadas por cineastas o escritores sin largometrajes filmados.
“Cuando iniciamos en la incubadora el año pasado, teníamos muchas dudas, no sabíamos cómo iba a funcionar, si iban a llegar los guiones, sí íbamos a tener opciones para echarlo andar. Y este año ha sido sorprendente: llegaron 144 guiones magníficos”, compartió Manolo Caro, también presidente de la incubadora.
“Son temas muy específicos los que nos movieron. Es muy impresionante que a Gabriel (Nuncio), a Manolo y a mí, que somos personas muy distintas, los tres guiones que escogimos son cosas que nos movieron las entrañas, que nos encantaron y eso es un testamento completo al hecho de que las historias, sin son específicas, si son auténticas, si tienen verdad, le pueden llegar a muchas más personas, pueden atravesar muchas fronteras y ayudar a empatizar”, expresó Karla Souza, quien junto con el guionista y productor Gabriel Nuncio complementan al jurado seleccionador.
Y si Adelita…, Pez León y La bestia que pedía amor a gritos serán sometidos a lo largo de tres meses a un proceso de mentoría con algunos de los mejores escritores de la industria actual para trabajar en su tratamiento. Al terminar ese trabajo quirúrgico sobre una primera versión del guión, Manolo Caro y un equipo especializado en la preparación de carpetas de producción ayudarán a realizar sesiones de pitch con posibles productores o plataformas de contenidos.
sábado, 6 de mayo de 2023
.jpg)
El cartel diseñado por el ilustrador argentino Liniers para la 38 edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara fue la inspiración de Samuel Kishi y Edgar Amor para crear una pieza audiovisual con alusión a los locos que se aventuran a realizar películas, sin olvidar claras referencias al cine de Italia, Invitado de Honor de esta edición del FICG, que se llevará a cabo del 3 al 9 de junio de 2023.
Samuel Kishi, cineasta reconocido por películas como Los Lobos (2019), y Edgar Amor, experto en animación 2D, han compartido la locura por el cine desde hace muchos años y no es la primera vez que colaboran para crear un FICG Minuto. Además de la amistad y su pasión por contar historias, en esta ocasión comparten la dirección de la pieza audiovisual distintiva del Festival.
El cartel creado por Liniers muestra nueve protagonistas que representan los roles en una producción cinematográfica. El FICG Minuto retoma estos personajes y les da vida con sutiles homenajes a títulos como 8 ½ y La strada, de Federico Fellini, y La vida es bella, de Roberto Benigni. Por otro lado, existen guiños a obras originarias de otros países como Intriga internacional, de Alfred Hitchcock; Hamlet, de William Shakespeare, y Atrapado sin salida, de Milos Forman. “Seleccionamos películas icónicas del cine italiano y pusimos a todos los personajes como si estuvieran haciendo la producción de una de esas películas”, explica Amor.
Una semilla, una idea
El cortometraje tiene una narrativa que alude a la locura, propuesta que sigue inspirándose en el cartel. "Al final, todos los que nos dedicamos a esto, tenemos que encontrar nuestro grupo de locos, para poder sacar adelante proyectos y sueños", afirma Edgar Amor.
Samuel Kishi está convencido de que al contar historias tienes que transgredir con la mirada para hacerlas interesantes, y que hay un poquito de locura dentro de eso. "Nuestra profesión tiene todo el sentido del mundo y a la vez no tiene nada del sentido del mundo. Platicas lo que hacemos, cómo producimos, cómo nos desvelamos, todo para contar historias y de pronto suena a que estamos en una institución mental”, resalta el realizador.
Los creativos tardaron aproximadamente dos meses en realizar el FICG Minuto, desde la escritura de la idea hasta la postproducción del sonido y la música. No importó la distancia para ello, ya que Amor se encontraba en Guadalajara, Kishi en la Ciudad de México y más artistas del equipo en otras ciudades. Así, aun con los retos de tiempo y distancia, fue posible lograr esta producción.
Historias que trascienden
Este año, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara busca conectar con el público a través de las “Historias que trascienden” la pantalla y Kishi reflexiona al respecto: “Las historias que trascienden son las historias que retratan nuestro universo, nuestras preocupaciones, nuestras búsquedas, nuestros amores, nuestros dolores; las que transgreden y las que salen del status quo”.
El FICG Minuto se puede disfrutar en todas las redes sociales del Festival, además de que dará la bienvenida a todos los contenidos y funciones dentro de la edición 38.
jueves, 23 de diciembre de 2021
|
jueves, 15 de noviembre de 2018
* Logra imponerse entre 238 participantes de 52 países de todo el mundo
La Agencia Espacial Mexicana (AEM), organismo descentralizado de la Secretaría de Comunicaciones y Transportes (SCT), anunció que el cortometraje “Juanita, Más Allá de las Fronteras”, de la talentosa cineasta mexicana Elena Franco, fue ganador en el concurso internacional “CineSpace 2018” de NASA y el Houston Cinema Arts Festival, en el que participaron 238 competidores de 52 países de todo el mundo.
“La juventud mexicana, una y otra vez, continúa siendo motivo de orgullo para nuestro país, y hoy es la cineasta Elena Franco, ganadora del certamen CineSpace 2018, quien trae este triunfo a México por segundo año consecutivo, y a quien seguro estoy, le seguirán muchos éxitos más por su gran talento”, expresó con emoción el director general de AEM, Javier Mendieta Jiménez.
El cortometraje cuenta la conmovedora historia real de la veracruzana Juana Hernández Márquez, y su esfuerzo pionero al perseguir su sueño en el concurso abierto para ser la primera astronauta de México en 1985, relatando su travesía junto con otras 16 mujeres semifinalistas, que lucharon por abrirse camino en un campo dominado por hombres.
Más emotivo aún, fue el saberse que la protagonista es abuela en la vida real de la cineasta galardonada, y quien, respecto a esta distinción, expresó emocionada: "Este triunfo no es solamente mío, es de todo México, de su gente, de quienes impulsan incansables cultura, ciencia y tecnología en nuestro país, y muy especialmente, para mi abuela Juanita, toda una inspiración para nosotros y para las mujeres y niñas de México", dijo.
El jurado que determinó que el corto mexicano fue el que mejor representó a la innovación e inclusión en ciencia y tecnología, fue conformado por miembros del Houston Cinema Arts Society y la NASA en cinco categorías, y encabezado por el director de cine nominado al Premio de la Academia Richard Linklater, creador de las cintas nominadas al Óscar: Boyhood, Walking Life, y Scanner Darkly, entre otras.
El Rice Media Center de Houston fue escenario de esta premiación, donde se dieron cita distinguidas personalidades, entre otros, el director ejecutivo de la Houston Cinema Arts Society, Patrick Kwiatkowski, el co-director de CineSpace y representante de NASA, Dan Jacobs, y el director de Imágenes de la Estación Espacial Internacional de NASA, Carlos Fontanot, quien reconoció ampliamente a México.
"Es contundente que la juventud mexicana tiene un talento innato para el tema espacial, la simiente inspiradora iniciada en 2013 por el Dr. Mendieta y su equipo de AEM, que ha logrado un trabajo titánico con tan sólo un presupuesto semilla también, ha caído en buena tierra con sus jóvenes, como lo demuestran éste de CineSpace y una multitud de premios que han ido ganando por todo el globo desde entonces, y estamos conmovidos", destacó Fontanot.
Cabe recordar que en CineSpace 2017, el cortometraje que logró también ser uno de los cinco ganadores, fueApizaco del cineasta mexicano Alex Moreno, productor del documental Waste Land (2010) nominado a los Óscares, premiado en Berlin Film Festival y Sundance Film Festival, así como productor y director en la serie Da Vinci’s Demons.
La premiación del concurso “CineSpace” ha tenido por sede privilegiados recintos de la ciudad espacial de Houston como The Contemporary Arts Museum, The Museum of Fine Arts Houston, o el Rice Media Center, y su prestigio continúa en constante aumento, contando con invitados especiales y celebridades de la talla de Isabella Rossellini y Robert Redford, entre otros.
domingo, 25 de marzo de 2018
- El multipremiado cineasta mexicano Alex Moreno, fue uno de los cinco ganadores en “CineSpace 2017”
La Agencia Espacial Mexicana (AEM),
organismo descentralizado de la Secretaría de Comunicaciones y
Transportes (SCT), anunció que se ha abierto el concurso internacional
de producción de cortos cinematográficos “CineSpace 2018”,
organizado por la NASA y la Houston Cinema and Arts Society, una
valiosa oportunidad para demostrar el talento de nuestros cineastas de
México.
El Director General de la AEM, Javier
Mendieta Jiménez, convocó a cineastas, productores y creadores de
nuestro país, a participar en este festival de cortometrajes, y recordó
que el año pasado el multipremiado cineasta mexicano
Alex Moreno fue uno de los cinco ganadores de premios en las diferentes
categorías de “CineSpace 2017”, imponiéndose entre casi 700
competidores de 55 países del mundo.
“Cada vez más aparecen buenas noticias en
los medios acerca de jóvenes mexicanos que ganan competencias
internacionales en temas relacionados al espacio, y así lo es también en
la materia cinematográfica, que tanto orgullo ha
dado a nuestro país, como fue el triunfo de Alex Moreno en CineSpace
2017, por lo que animamos nuevamente a cineastas mujeres y hombres, a
participar este 2018”, invitó.
El certamen repartirá una suma de 26 mil
dólares entre sus ganadores en esta cuarta edición del festival, que
nació con el objetivo de poner al alcance del público en general el
archivo de imágenes y videos que la NASA ha ido
acumulando durante 50 años de realizar misiones espaciales, y con el
que CineSpace anima a artistas a utilizar su talento para crear
historias.
Los interesados tienen hasta el 31 de
julio de este 2018 para registrar sus cortos, que deberá contar con al
menos 10% de material de imágenes de la NASA, y tener una duración
máxima de 10 minutos. De conformidad a la convocatoria,
especial relevancia tendrán los cortometrajes que reflejen el "Concepto
de la Luna, Marte y más allá’" así como "Innovación e Inclusión en
Ciencia y Tecnología".
Al respecto, Mendieta Jiménez destacó: “Lo
hemos reconocido antes, y lo refrendamos ahora, dado que el gran
talento de los creadores cinematográficos de México cada vez más pone en
alto el nombre de nuestra nación, y porque somos
mexicanos, sin duda alguna que existe aquí un gran potencial para esta
competencia”, expresó afable.
Recordó la colaboración de AEM con la
dirección de Imágenes de la Estación Espacial Internacional de NASA en
la cápsula educativa Espacio a Tierra, la que ya ha cumplido más de dos
años transmitiéndose desde México a 22 países
por el Canal de Televisión Satelital Iberoamericano, y se congratuló de
que cada vez más se rompen los “techos mentales”, acerca del gran
potencial del talento mexicano para los temas espaciales.
viernes, 12 de mayo de 2017
| ||||
domingo, 5 de marzo de 2017
Hari Sama profundizó en el doloroso trasfondo de El sueño de Lú en
la Cineteca Nacional
- El segundo largometraje del cineasta retrata el proceso de duelo que pasan los padres al perder a un hijo
- El autor aludió a los desaparecidos de Ayotzinapa al hablar de la importancia ritual de enterrar a los muertos
 |
| Fotografía: Rodrigo Olvera / Cineteca Nacional |
“Los duelos por un hijo perdido son los más difíciles; cuando pasas por algo así es casi como si hubiera caído una bomba atómica en tu interior”. Con estas palabras recibía al público el director mexicano Hari Sama, quien este jueves 2 de marzo entabló un diálogo con los asistentes al ciclo Conversando con nuestros cineastas en la Sala 4 Arcady Boytler de la Cineteca Nacional.
Después de la proyección de su segundo largometraje, El sueño de Lú (2012), Sama confesó el trasfondo de la cinta, mencionando que se trata de una historia autobiográfica: el proceso de duelo al que se enfrentaron él y Úrsula Pruneda al perder a su hija. “La actriz y yo perdimos una hija, algunos de esos recuerdos fueron utilizados a la hora de crear la película”, comentó el cineasta mientras narraba el proceso de filmación.
Estructurada en tres actos, correspondientes a las fases que contempla el duelo, la cinta retrata la historia de una mujer llamada Lucía, quien sufre una fuerte depresión por la pérdida de su hijo, impidiendo que vuelva a su vida cotidiana. Lucía, junto con su mejor amigo, sus padres y el resto de su familia, deberá luchar para poder salir de esa fuerte condición emocional.
En este punto de la charla, Hari Sama hizo una pausa para comentar acerca de los 43 desaparecidos: “El ritual de enterrar a tus muertos es de las cosas más terribles que pasa con el asunto de Ayotzinapa; estas familias no tienen la posibilidad de iniciar propiamente un duelo porque no han podido completar esta etapa, el enterrar a sus muertos”, señaló Hari Sama, quien además aclaró que en su película pasa todo lo contrario, ya que en su historia sí se da este proceso de duelo; la protagonista tiene las cenizas de su muerto y logra llevar a cabo el ritual.
Por su parte, Raúl Miranda, Subdirector de Documentación y Catalogación de la Cineteca Nacional, dio paso a que el público entablara un diálogo con el cineasta y lo felicitara. Hari Sama pudo profundizar aún más ciertos detalles de su película y de lo que vivió con la muerte de su hija.
La siguiente sesión de Conversando con nuestros cineastas contará con la presencia de Iván Ávila, quien presentará La sangre iluminada (2007) el próximo jueves 9 de marzo en punto de las 18:00 horas. La entrada será libre solicitando las cortesías de acceso en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
sábado, 25 de febrero de 2017
- La guionista y directora desarrolló su ópera prima inspirada por el duro pasado de su abuela
- Sus dos grandes retos: encontrar el tono de la película y respetar el contexto religioso de sus antepasados
“El motivo por el cual la historia está contextualizada en la comunidad judía es porque es bastante autobiográfica, pues es la historia de mis abuelos, más o menos”, comentó Mariana Chenillo, directora y escritora de su ópera prima Cinco días sin Nora (2008), durante su charla en Conversando con nuestros cineastas, que se llevó a cabo este jueves 23 de febrero en la Sala 4 Arcady Boytler.
Frente al público de la Cineteca Nacional, la cineasta compartió los detalles que recuerda de su abuela, la mujer que inspiró al personaje que le da título a la película: "Ella había tenido un desequilibrio. Llegó en la guerra, tenía toda una historia: su hermana había muerto cuando ella era joven. Su mamá, que las había sacado de la guerra vivas y que las había llevado a Palestina y después consiguió entrar a México, fue listísima. Toda la familia se murió menos ella y sus hijas".
Cinco días sin Nora narra la historia de Nora y José, quienes vivieron juntos por más de treinta años para luego divorciarse. Al quitarse la vida Nora, José tendrá que lidiar con los trámites funerarios previamente planeados por su exesposa. No obstante, Nora olvida un pequeño detalle que cambiará por completo el curso de la historia.
Para llevar a cabo el relato que le inspiraba su contexto familiar, Chenillo aseguró que se enfrentó inicialmente con dos dificultades: encontrar el tono adecuado para la cinta y desarrollar el guión "en el contexto de la comunidad judía, que era de donde venía”. Mencionó que se dedicó a ir a la sinagoga, a investigar y leer sobre el tema, así como a platicar con distintos rabinos para construir la película que tenía en mente.
“Tenía un conflicto interno muy grande porque era mi primera película. Era joven y pensaba: ¿Por qué voy hacer una película de viejitos y de judíos?”, bromeó con respecto a los obstáculos que encontraba y las barreras que se ponía a sí misma, pues ella se considera una guionista lenta que tarda mucho en escribir.
Luego de la proyección de la película y para concluir su ponencia, Mariana Chenillo estableció un diálogo con el público, en donde profundizó más acerca del proceso de producción de su película y sobre la historia de sus abuelos.
La siguiente sesión de Conversando con nuestros cineastas contará con la presencia de Hari Sama, quien presentará El sueño de Lú (2011) el próximo jueves 2 de marzo en punto de las 18:00 horas. La entrada será libre solicitando las cortesías de acceso en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
martes, 7 de febrero de 2017
- La Muestra de Cine de Quebec regresa del 9 al 19 de febrero a la Cineteca Nacional con10 largometrajes inéditos de producción reciente
- Se inaugurará con la comedia dramática Broma (Prank), con la presencia de su productor y coguionistaÉric K. Boulianne
- Este año la programación explora las identidades migratorias que se entrecruzan en la nación francófona de América del Norte
- Asistirán a las proyecciones cineastas invitados, tales como Bachir Bensaddek, Sophie Goyette y Chloé Leriche
- En colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman de la UNAM, el 9 y 10 de febrero se organizaránconferencias y mesas redondas con los cineastas invitados para profundizar la exploración de la cinematografía de Quebec
¡Quebecine está de vuelta! En su edición anterior, la muestra puso en evidencia cómo los cineastas quebequenses rebasaban sus propias fronteras, tanto geográficas como culturales e imaginarias. También este año su pasión y curiosidad los lleva a salir en busca de los otros para compartir una historia universal, porque su país no tiene bandera: su país es el cine, una tierra de acogida, un cine de reflexión en el que las partidas y los encuentros contribuyen a crear un lugar de reinvención.
Presente en la Sala 8 de la Cineteca Nacional del 9 al 19 de febrero, la programación 2017 de Quebecine ofrecerá al público mexicano una oportunidad de asomarse a una gran pluralidad de imaginarios y realidades a través de voces originales. Por ejemplo, el documental Llamadas desde Estambul, de Hind Benchekroun y Sami Mermer, muestra con fuerza y dignidad la situación de los migrantes del siglo XXI. País de Chloé Robichaud (de quien presentamos el primer largometraje, Sarah prefiere correr, en la edición del 2015), constituye un fresco político y humano que plantea una reflexión sobre la imagen de las mujeres y el poder.
Una vez más, Quebecine privilegia a las óperas primas que ofrecen miradas singulares. En su película Montreal la blanca, Bachir Bensaddek pinta un retrato sensible de la comunidad argelina de Montreal, enfocándose en los fantasmas de un pasado que se dejó atrás. En Mis noches harán eco, Sophie Goyette explora universos oníricos en los que se conectan Quebec, China y México. Por su parte, Chloé Leriche dirige la primera película en lengua atikamekw, Antes que la calles, y nos lleva al corazón de una de las once naciones indígenas de Quebec. En Los demonios, Philippe Lesage aborda el miedo desde el punto de vista de la infancia; mientras que Broma narra un cuento cruel e impertinente sobre los primeros amores, la amistad, y la inocencia que se pierde en la transición a la edad adulta.
Dado su éxito en la Ciudad de México, la muestra será también presentada en la Cineteca Alameda de San Luis Potosí del 1 al 10 de marzo de 2017. Todas las películas se presentarán en su versión original con subtítulos en español, gracias a las traducciones realizadas por la Cineteca Nacional.
Quebecine cuenta con el apoyo de la Sociedad de desarrollo de las empresas culturales (SODEC), la Asociación Internacional de Estudios Quebequenses (AIEQ), el Ministerio de la Cultura y las Comunicaciones de Quebec, las Oficinas para la Juventud Internacional de Quebec (LOJIQ) y la Delegación General de Quebec en México. Sus socios principales son Air Canada, BAMF, Pug Seal y la Cineteca Nacional.
PROGRAMACION 2017
Montreal la blanca – Bachir Bensaddek
Broma – Vincent Biron
Antes que las calles – Chloé Leriche
Mis noches harán eco – Sophie Goyette
País – Chloé Robichaud
Invierno Prematuro – Michael Rowe
Llamadas desde Estambul – Hind Benchekroum y Sami Mermer
Los demonios – Philippe Lesage
SINOPSIS
Llamadas desde Estambul
Callshop Istanbul, Canadá, 2015, 96 min.
D y G: Hind Benchekroun y Sami Mermer. F en C y E: Sami Mermer. M: Canciones de Hitoko Ono y Almudena Rubio. CP: Les Films de la Tortue. Prod:Hind Benchekroun, Sami Mermer, Johanne Bergeron.
Estambul siempre ha sido una estación de paso para los viajeros del mundo. Hoy en día, para los migrantes de África y Oriente Medio, es una puerta de entrada a Europa. Refugiados sirios e inmigrantes africanos se congregan en los callshops de la ciudad. Estos negocios de telefonía proporcionan un vínculo vital a sus países de origen. Este documental captura las conversaciones y los momentos más íntimos que ocurren en estos lugares, creando un testamento de la condición del migrante en el siglo XXI.
Antes que las calles
Avant les rues, Canadá, 2016, 97 min.
D, G, E y Prod: Chloé Leriche. F en C: Glauco Bermudez. M: Robert Marcel Lepage y canciones de Northern Voice, Shauit, The Posterz y A Tribe Called Red. Con: Rykko Bellemare (Shawnouk), Kwena Bellemare Boivin (Kwena), Jacques Newashish (Paul-Yves), Martin Dubreuil (Thomas Dugré). CP: Les Films de L’Autre.
Shawnouk, un joven de la comunidad atikamekw, mata a un hombre durante un robo y huye al bosque. Decidido a regresar a su aldea, intenta redimirse usando rituales de limpieza tradicionales. La opera prima de Chloé Leriche celebra el renacimiento de los pueblos autóctonos de Canadá y sus tradiciones, personificadas en los mismos actores que participaron en la película, quienes pertenecen a los pueblos donde fue filmada. Se trata de la primera película dramática en el idioma nativo de atikamekw.
Iqaluit
Canadá, 2016, 102 min.
D y G: Benoît Pilon. F en C: Michel La Veaux. M: Robert Marcel Lepage. E: Richard Comeau. Con: Marie-Josée Croze (Carmen), François Papineau (Gilles), Natar Ungalaaq (Noah), Sébastien Huberdeau (Victor), Christine Tootoo (Ani). CP: Association Coopérative des Productions Audio-Visuelles. Prod:Robert Lacerte y Bernadette Payeur.
Viajando por primera vez al Ártico, Carmen llega a la localidad de Iqaluit para atender a su esposo, Gilles, un trabajador de la construcción que ha resultado gravemente herido. Tratando de llegar al fondo de lo que sucedió, ella establece una amistad con Noah, el amigo inuit de Gilles, y se da cuenta de que comparten una historia similar. Juntos se dirigen a la bahía Frobisher: ella, buscando respuestas; él, tratando de detener a su hijo de cometer algo que no se puede deshacer.
Montreal la blanca
Montréal la blanche, Canadá, 2015, 90 min.
D y G: Bachir Bensaddek. F en C: Alex Margineanu. M: Nedjm Bouizzoul. E: Patrick Demers. Con: Rabah Aït Ouyahia (Amokrane), Karina Aktouf (Kahina), Reda Guerinik (Djamel), Elkahna Talbi (Aicha), Mohamed Aït Ouyahia (Amokrane joven). CP: Productions Kinesis. Prod: Stéphane Tanguay y Cédric Bourdeau.
En Montreal, cuando la Navidad ha caído durante el Ramadán, los caminos de dos argelinos se cruzan momentáneamente, resurgiendo un pasado que ellos creían enterrado. Amokrane, un taxista que ha huido de las festividades, recoge a Kahina, una desorientada profesionista que intenta contactar a su exesposo para recuperar a su hija. Amokrane reconoce en la pasajera a una estrella del pop de Argelia que él creía muerta. Este encuentro marcará la colisión de sus dramas personales y sus soledades.
Broma
Prank, Canadá, 2016, 78 min.
D y F en C: Vincent Biron. G: Alexandre Auger, Vincent Biron, Éric K. Boulianne y Marc-Antoine Rioux. M: Peter Venne. E: Alexander Leblanc. Con:Étienne Galloy (Stefie), Alexandre Lavigne (Martin), Constance Massicotte (Léa), Simon Pigeon (Jean-Sé). CP: Art & Essai, Le Giragon. Prod: Jean-Sébastien B. Gagnon, Vincent Biron, Éric K. Boulianne y Hany Ouichou.
Stefie, un adolescente dócil y solitario, es reclutado por Jean-Sé, Martin y Léa para filmar sus malvadas travesuras con la ayuda de un teléfono celular. Los cuatro deciden dar un golpe mayor al idear una broma que rebase todas sus fechorías precedentes. Esta vez, ¿quién será la víctima? El cuarto trabajo fílmico de Vincent Biron es un cruel relato sobre la adolescencia, que aborda con humor y de forma transgresora temas como la amistad y la pérdida de la inocencia juvenil.
País
Pays, Canadá, 2016, 98 min.
D y G: Chloé Robichaud. F en C: Jessica Lee Gagné. M: Simon Bertrand. E: Michel Arcand. Con: Emily VanCamp (Emily Price), Macha Grenon (Danielle Richard), Nathalie Doummar (Félixe Nasser-Villeray), Serge Houde (Dustin Torpe), Alexandre Landry (Vincent Pilon). CP: Item 7, La Boîte à Fanny. Prod:Fanny-Laure Malo, Pierre Even.
El camino de tres mujeres se cruza en Bresco, una pequeña y remota isla que enfrenta una crisis económica. Félixe es una canadiense idealista, elegida como diputada federal con sólo 25 años; Danielle, la presidenta de Bresco, es fuerte y confidente; y Emily, estadounidense, busca mediar en los conflictos de la región. A partir de un modulado tratamiento dramático, Límites pone en perspectiva el esfuerzo de sus personajes por establecer un balance entre su trabajo político y sus vidas privadas.
Los demonios
Les démons, Canadá, 2015, 118 min.
D y G: Philippe Lesage. F en C: Nicolas Canniccioni. M: Pye Corner Audio. E: Mathieu Bouchard-Malo. Con: Édouard Tremblay-Grenier (Félix), Pier-Luc Funk (Ben), Vassili Schneider (François), Sarah Mottet (Emanuelle), Laurent Lucas (Marc). CP: Les Films de L’Autre, Unité Centrale. Prod: Philippe Lesage y Galilé Marion-Gauvin.
Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix, un chico de diez años, está terminando el año escolar en un barrio aparentemente tranquilo. Poco a poco, sus demonios imaginarios comienzan a reflejar la inquietante realidad que le rodea. En esta cinta, el director Philippe Lesage plasma un perturbador relato donde diseña una metáfora sobre el miedo en la infancia, depositada en la percepción de su protagonista frente al inestable entorno en el que vive.
Las malas hierbas
Les mauvaises herbes, Canadá, 2015, 105 min.
D: Louis Bélanger. G: Louis Bélanger y Alexis Martin. F en C: Pierre Mignot. M: Guy Bélanger. E: Claude Palardy. Con: Alexis Martin (Jacques), Gilles Renaud (Simon), Luc Picard (Patenaude), Myriam Côté (Nancy), Gary (Dos Tiempos). CP: Les Films Chrstal, Coop Vidéo de Montreal. Prod: Lorraine Dufour y Luc Vandal.
El sexto largometraje de ficción de Louis Bélanger reúne a los destacados actores de teatro Alexis Martin y Gilles Renaud para dar vida a dos personajes en una sarcástica historia en la cual Jacques, un actor con importantes deudas de juego, huye al campo para evadir un acreedor. Ahí conocerá a Simon, con quien entablará una relación de amistad basada en el cultivo de mariguana. Sin embargo, su vínculo podría verse interrumpido por la aparición de dos peculiares individuos.
Invierno prematuro
Early Winter, Canadá-Australia, 2015, 96 min.
D y G: Michael Rowe. F en C: Nicolas Canniccioni. M: Amy Bastow. E: Geoff Lamb. Con: Paul Doucet (David), Suzanne Clément (Maya), Max Laferrière (André), Micheline Lanctôt (Lucille), Michael Riendeau (Sergei). CP: Possibles Média, Freshwater Pictures. Prod: Serge Nöel y Trish Lake.
David, un hombre de cuarenta años, trabaja por turnos como conserje en una casa de retiro para complacer a su esposa Maya y sus dos hijos. Cuando sospecha que ella tiene un amorío, los recuerdos del pasado y la posible infidelidad amenazan la estabilidad emocional de David. Como lo hiciera enManto acuífero (2013) y Año bisiesto (2010), el director Michael Rowe vuelve a explorar las vicisitudes psicológicas de la búsqueda de la felicidad, y como ésta genera caóticos ciclos emocionales.
Mis noches harán eco
Mes nuits feront écho, Canadá-México, 2016, 98 min.
D, G, E y Prod: Sophie Goyette. F en C: Léna Mill-Reuillard. M: Éliane Préfontaine. Con: Éliane Préfontaine (Éliane), Gerardo Trejoluna (Romes), Felipe Casanova (Pablo). CP: La Distributrice de films.
Durante la noche, tres personajes de diferentes culturas y edades deciden poner en marcha acciones contundentes en sus respectivas vidas (marcadas por la ausencia y la desesperanza) antes de que sea demasiado tarde. Conocida por sus cortometrajes Le futur proche (2012) y La ronde (2011), la directora Sophie Goyette forja su primer largometraje como un ejercicio introspectivo en el cual centra la atención de los protagonistas en la búsqueda por alcanzar un punto de inflexión en sus vidas.
viernes, 3 de febrero de 2017
- A través de su largometraje Mi vida dentro, exhibió al público la difícil realidad de las mujeres migrantes en Estados Unidos
- Explicó que el éxito de su cinta ha sido poder mostrar una historia de interés universal
 |
Crédito: Rodrigo Olvera/Cineteca Nacional
|
“A veces las historias no tienen el final que desearíamos, pero aun así hay que contarlas”. Ésta fue una de las declaraciones más reveladoras de Lucía Gajá, directora especialista en documentales, quien presentó Mi vida dentro(2007) durante su participación en el ciclo Conversando con nuestros cineastas, que tuvo lugar este jueves 2 de febrero en la Sala 4 Arcady Boytler.
“Para mí, lo más importante es el compromiso que se hace con las personas a las que uno les pide prestadas sus historias”, comentó Gajá sobre su labor como documentalista. La charla con la autora fue la primera sesión de este nuevo ciclo, que será dedicado a descubrir el trabajo de diferentes realizadoras mexicanas.
Mi vida dentro narra la historia de Rosa, una estudiante mexicana que en 1999 emigró ilegalmente a los Estados Unidos y que en agosto de 2005 fue apresada por sospecha de homicidio. Se sigue de cerca el proceso judicial —llevado a cabo de forma muy cuestionable—, el veredicto, la separación de Rosa y sus familiares, así como la impotencia de éstos al verla perder su libertad.
Lucía confesó que el proyecto rebasó sus expectativas, pues no esperaba encontrarse con una realidad tan difícil como la que el largometraje muestra y que es experimentada por miles de mujeres migrantes con casos similares al de la protagonista. “Fue un proceso de investigación largo; mi objetivo era encontrar a estas mujeres, descubrir por qué estaban presas y si tenían un trato distinto por ser mexicanas”, explicó.
Señaló que el filme cumple con uno de sus propósitos esenciales como documentalista, que es poder universalizar la historia y así conectar emocionalmente con el público. Asimismo, comentó que eligió mostrar este caso en particular por la gran apertura que mostraron sus entrevistadas, lo que permitió establecer un vínculo de confianza casi inmediato con Rosa y con su madre, cuyo testimonio se vuelve de gran importancia para la película.
La cineasta estuvo acompañada por el curador y Jefe de Proyectos Especiales de la Cineteca, José Antonio Valdés, quien calificó el trabajo de Gajá como “muy directo y emotivo”. Abrumadora fue también la respuesta del público, quien compartió con la realizadora comentarios positivos, elogios y reflexiones personales. A su vez, ella compartió detalles sobre su más reciente proyecto, Batallas íntimas (2016), en el que nuevamente aborda un tema sensible como es la violencia intrafamiliar. Anunció que esta obra ya se encuentra participando en el circuito de festivales mexicanos.
Lucía Gajá egresó del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos para después cursar el taller de documental Santiago Álvarez en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Ha sido nominada al Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas en tres ocasiones, recibiendo el premio en una de ellas por el cortometraje documental Soy (2003).
La siguiente sesión de Conversando con nuestros cineastas contará con la presencia de Kenya Márquez, quien presentará Fecha de caducidad (2011) el próximo jueves 9 de febrero en punto de las 18:00 horas. La entrada será libre solicitando las cortesías de acceso en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
miércoles, 1 de febrero de 2017
- Este mes, el ciclo estará dedicado a realizadoras mexicanas destacadas, arrancando con una charla con la directora Lucía Gajá
- Las pláticas se llevarán a cabo todos los jueves a las 18:00 horas en la Sala 4
En la primera sesión conversaremos con la directora y editora Lucía
Gajá, nominada en tres ocasiones al premio Ariel de la Academia Mexicana
de Artes y Ciencias Cinematográficas. Nacida en la Ciudad de México,
Gajá estudió la carrera de Cinematografía en el CUEC, con especialidad
en dirección, y actualmente es miembro activo de la AMACC. En esta
primera fecha se proyectará Mi vida dentro (2007), un reflejo de la realidad de los migrantes mexicanos en Estados Unidos.Por su parte, Kenya Márquez platicará con el público tras la proyección de Fecha de caducidad (2011), comedia negra acreedora del Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Morelia edición 2011. El jueves 16 de febrero será turno de Claudia Sainte-Luce con Los insólitos peces gato (2013), nominada en cinco categorías a los Premios Ariel.
Para terminar febrero, se proyectará Cinco días sin Nora (2007) y posteriormente el público podrá charlar con su realizadora, Mariana Chenillo. El ciclo tendrá lugar todos los jueves de febrero en la Sala 4 Arcady Boytler, de 18:00 a 21:00 hrs.
domingo, 29 de enero de 2017
- La cineasta Ela Chrzanowska presentó su documental Los ríos: El viaje a México con el maestro Kapuściński
- A diez años de su fallecimiento, el periodista es merecedor de éste y más homenajes: Chrzanowska
En conmemoración del décimo aniversario luctuoso de Ryszard Kapuściński, y con el fin de estrechar la relación entre México y Polonia que enriqueció en vida el célebre escritor, la Cineteca Nacional presentó este jueves 26 de enero, a las 19:30 horas, el cortometraje documental Los ríos: El viaje a México con el maestro Kapuściński (2016), una coproducción entre ambos países.
Invitados especiales y público en general ocuparon totalmente la Sala 4 Arcady Boytler para recordar la vida y obra de uno de los periodistas y escritores más importantes de la época contemporánea, autor de clásicos como Ébano (Heban, 1998) y El Emperador (Cesarz, 1978). La función estuvo encabezada por la directora del filme, la polaca Ela Chrzanowska.
“Es un documental muy subjetivo, me dediqué a mirar a México con los ojos de Kapuściński”, confesó la cineasta. Los ríos: El viaje a México con el maestro Kapuściński es un recorrido por las memorias del autor y sus vivencias en el México de los años sesenta y setenta. Incluye una serie de entrevistas con diversas personalidades de la literatura y el periodismo, quienes comparten sus memorias sobre él. La producción contó con el apoyo del Centro de Capacitación Cinematográfica.
Tras la proyección, tuvo lugar una sesión de preguntas y respuestas en la que participó la escritora y editora Krystyna Libura, así como el periodista Arturo Cano, quienes también aparecen en el cortometraje. Libura compartió su experiencia al conocer a Ryszard personalmente, señalando el trato amable y la sencillez que lo caracterizaban, un rasgo que también es muy señalado en el filme. “En mi trabajo utilizo con frecuencia sus obras, porque de él los estudiantes pueden aprender mucho”, confesó.
Por su parte, Arturo Cano narró que el autor era consciente de su influencia, así como del éxito que sus textos alcanzaron a nivel internacional: “Tenía muy clara su fama y lo que ésta le permitía hacer, al grado de que decidió impartir talleres de periodismo en México y Argentina por simple placer”.
Durante la sesión, Ela Chrzanowska compartió con el público detalles sobre su investigación y el proceso de realización del documental. Aseguró que buscará más plataformas para su distribución y que planea también la publicación de un libro con el material recopilado que no aparece en el filme.
El evento inició con una breve introducción de Andrzej Lisowski, cónsul de la Embajada de la República de Polonia en México, quien para dimensionar la importancia del escritor homenajeado, citó textualmente las palabras de su contemporáneo Gabriel García Márquez: “El periodismo de hoy en día sería muy distinto si siguiéramos las enseñanzas del maestro Kapuściński”. Además, el cónsul agradeció a la Cineteca Nacional por permitir la cooperación entre ambas naciones.
Al finalizar, la cineasta fue cuestionada sobre la importancia que el periodista tiene en la actualidad, a lo que confesó que el gobierno de su país natal, de carácter conservador, ha restado importancia a su trabajo por considerarlo comunista. “Eso es algo que me entristece, pero definitivamente éste es un año para hacer homenajes a Kapuściński y me ha sorprendido la recepción del documental en México; soy privilegiada de poder presentarlo aquí”, declaró Chrzanowska.
viernes, 2 de diciembre de 2016
- Ante casi 400 personas, Jan Harlan y Katharina Kubrick compartieron curiosidades y vivencias sobre el mítico director
Jan Harlan y Katharina Kubrick tienen clara la forma en que recuerdan al director; como un artista exigente y autocrítico, pero también como un padre afectuoso, amante de la música, los deportes y sus mascotas. Así lo describieron durante la charla titulada “About Stanley Kubrick” (Acerca de Stanley Kubrick), que ambos impartieron este jueves 1 de diciembre, y que es la primera actividad complementaria de la exposición sobre el cineasta que actualmente se exhibe en La Galería de la Cineteca Nacional.
Los boletos agotados horas antes del evento, así como la larga fila a las afueras de la Sala 1, Jorge Stahl, eran prueba de la expectativa generada por el afamado realizador. Una vez dentro, el recinto lució repleto de admiradores. Los ponentes fueron presentados por Juan Arturo Brennan, cineasta y académico especialista en el cineasta neoyorquino.
Jan Harlan, cuñado y productor de las películas más representativas de Stanley, inició la charla hablando sobre el lado más humano del realizador: “Era un hombre normal con una familia y muchas mascotas”. Con detalles poco conocidos sobre la vida de Kubrick, el productor obtuvo la atención del público, que reaccionaba con sorpresa a cada uno de los datos: se habló de su gusto por el tenis y el fútbol, de su obsesión por los misterios del espacio exterior y de su pasión por el flamenco y el vals. “La verdad, no bailaba mal”, añadió Jan con humor.
Como si el relato no fuese suficiente para emocionar al auditorio, el ponente acompañó la charla con una serie de audiovisuales que ilustraban cada uno de los temas, entre ellos fragmentos de películas como Lolita (1962) y 2001: Odisea en el espacio (1968). Sin embargo, el momento más divertido de la noche llegó con un videoclip que mezclaba los personajes del cineasta con el cine de Alfred Hitchcock, creando situaciones delirantes entre ambos universos. El montaje se ganó las risas y los aplausos de los asistentes.
El discurso de Harlan finalizó con un clip que mostró las diferentes versiones de la exposición en las sedes donde se ha montado, así como las cifras que demuestran el éxito de la misma. En ese momento fueron presentados los curadores principales de la muestra: Hans Peter Reichmann y Tim Heptner, quienes también recibieron una gran ovación.
“Quería ver todo, literalmente todo, quería estar al tanto de cada aspecto de las filmaciones”, comentó la hija de realizador, quien colaboró como miembro de su producción y haciendo apariciones fugaces a cuadro. Señaló que todos los actores que trabajaron con él lo amaban, y bromeó con los rumores que lo tachaban de misógino: “Tenía cuatro mujeres en casa, así que no había forma de que se saliera con la suya”.
El proceso creativo del cineasta fue el tema de mayor interés para los seguidores que abordaban a los ponentes, quienes se mostraron abiertos a responder cualquier cuestión. Una de las más interesantes fue sobre los miedos que Stanley tenía al momento de rodar, a lo que Harlan respondió con seguridad: “Su mayor miedo era la mediocridad, nunca filmó nada que el considerara mediocre, sabía de la dificultad de hacer filmes que trascendieran.”
Asimismo, explicó que Kubrick prefería realizar adaptaciones porque se enamoraba más de las ideas que leía en los libros que de las propias. Hubo tiempo para hablar también de los proyectos que el cineasta dejó inconclusos: el filme Inteligencia Artificial (terminado por Steven Spielberg y estrenado en 2001) y el trabajo sobre la vida de Napoleón, una de las grandes obsesiones de Stanley que, según Harlan, finalmente verá la luz en forma de miniserie de televisión.
“Era un padre normal, siempre se interesaba en nuestras vidas”, resumió Katharina para concluir la charla. “No es fácil compartir todas estas historias personales, no es fácil recordar y evitar alguna lágrima, pues todos los extrañamos”, confesó con gran emotividad.
Las actividades dedicadas a la obra de Stanley Kubrick continuarán este fin de semana con el inicio de la retrospectiva con la filmografía completa del realizador en formato digital. “Stanley Kubrick: La exposición” permanecerá abierta al público hasta el 29 de mayo de 2017 en La Galería de la Cineteca Nacional.
