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jueves, 22 de diciembre de 2016



  • Basada en la obra homónima de Jean-Luc Lagarce, la cinta exhibe el caos familiar que desata un escritor moribundo luego de volver a casa


Jean-Luc Lagarce, dramaturgo de Héricourt, Francia, tenía 38 años cuando sucumbió ante el SIDA. Cinco años antes, en 1990, había escrito Juste la fin du monde, una obra de teatro en donde el protagonista, que padece una enfermedad sin nombre, sabe que va a morir y decide anunciárselo a la familia que abandonó años atrás.
El argumento de esta pieza fue adaptado al cine por el polémico cineasta Xavier Dolan en su primera producción fuera de Canadá: No es más que el fin del mundo (Juste la fin du monde, 2016), un largometraje que recientemente formó parte de la 61 Muestra Internacional de Cine y que ahora se exhibirá dentro de la programación regular de la Cineteca Nacional a partir de este viernes 23 de diciembre en la Sala 1, Jorge Stahl.
El alter ego de Lagarce está encarnado por Gaspard Ulliel, quien recientemente ganó posición con su trabajo protagónico en Saint Laurent (Bertrand Bonello, 2014). El actor francés se pone en la piel de Louis-Jean Knipper, un escritor enfermo que regresa a casa de su madre después de 12 años de ausencia para anunciar su muerte inminente. Sin embargo, a su llegada no encuentra sino un ambiente hostil y de poca armonía entre sus familiares.


“Quien haya vivido abuso y violencia y haya regresado a casa después de un tiempo, y a quien le sea difícil lidiar con familiares complicados, puede entender, incluso en mínimas proporciones, la falta de comunicación y los malentendidos que tienen lugar bajo ese techo”, comentó Dolan en la alfombra roja del Festival de Cine de Londres para The Upcoming.
La familia del protagonista está integrada por algunos de los actores franceses más reconocidos de la industria contemporánea; es, de hecho, el primer filme del cineasta en el que aparecen histriones de esa nacionalidad exclusivamente. Vincent Cassel interpreta a un neurótico hermano mayor que constantemente agrede a Louis; Marion Cotillard es su cuñada, una mujer sumisa y retraída que es la primera en darse cuenta que el escritor está en mal estado, y Léa Seydoux está en el papel de hermana menor, y es su única cómplice a pesar del fuerte resentimiento que siente hacia él.
La presencia de Xavier Dolan en el Festival de Cannes es cada vez más impactante entre la crítica. Cuando el realizador de tan sólo 27 años de edad recibía el Grand Prix en la ceremonia del 2016, la sala de prensa reaccionó con abucheos. Por otra parte, periodistas como Peter Bradshaw y Peter Debruge han salido en defensa de No es más que el fin del mundo, argumentando que el cineasta ha incluido los elementos necesarios para transmitir el estado anímico de un hombre que es oprimido por un ambiente venenoso.
En México, otras películas del canadiense como Tom en el granero (Tom at the Farm, 2013) y Mommy (2014) fueron cálidamente recibidas en su paso por la Muestra Internacional de Cine.

Vuelve el cine explosivo de Xavier Dolan con No es más que el fin del mundo

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viernes, 14 de octubre de 2016


DISPOSITIO "Lugar donde se depositan los fragmentos de memoria y olvido"


Primer Largometraje Documental realizado con fragmentos de películas mexicanas, más de 20 instituciones públicas y miembros de la sociedad civil participan, entre ellos CONACULTA apostando por hacer un homenaje al cambio de formato análogo a digital del cine y del resguardo y preservación de los rollos de película que sucumben al tiempo pues algunos datan de hace más de 100 años.

Podemos apreciar casi vivos en una sola película a Pancho Villa, Zapata, Frida Kahlo, Agustin Lara, entre muchos otros personajes, en estos fragmentos de archivo fílmico que resguardan instituciones como Filmoteca de la UNAM y Cineteca Nacional. Muchas de estas películas saldrán a la luz por primera vez para el público como fragmentos fílmicos totalmente inéditos.


Acompáñanos en este rescate de la historia viva de México que consagra a los restauradores fílmicos en un trabajo que ha llevado más de 5 años consolidar a la directora Nila Guiss, presidente de la Asociación Mexicana de Artistas y Profesionales del Cine y el Audiovisual A.C.


Es una llamada de atención para evitar la pérdida total de la historia de México que ha quedado plasmada en la memoria fílmica mexicana.

Película de Nila Guiss

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sábado, 1 de octubre de 2016




  • El filme de José Luis Rugeles retrata la realidad de miles de mujeres colombianas y su trágica experiencia dentro de la guerrilla


María lleva dos años en las filas de la guerrilla de las FARC y, con apenas 13 años de edad, le encomiendan una misión que le cambiará la vida. Debe llevar al hijo recién nacido del comandante de su escuadra a través de la selva a un pueblo seguro. Comienza esta travesía junto a tres guerrilleros, pero lo que nadie sabe es que está embarazada, secreto que guarda para evitar que la hagan abortar.
A través de los ojos de María, descubrimos el desolador paisaje del conflicto armado en Colombia: pueblos devastados por masacres, campesinos atrapados en el fuego cruzado, padres que han perdido a sus hijos y niños que intentan tener una infancia normal.
Ganadora del premio al mejor largometraje del Festival Regional e Internacional de Guadalupe, Francia y galardonada como mejor película en el Festival Internacional de Haifa, el más grande y antiguo de Israel, Alias María (2015) es el segundo largometraje del colombiano José Luis Rugeles y forma parte de la segunda edición de Talento Emergente de la Cineteca Nacional. Esta cinta podrá disfrutarse del 29 de septiembre al 4 de octubre.

El proyecto nació de una serie de entrevistas a mujeres desmovilizadas que tenían una historia en común: la mayoría de ellas habían sido reclutadas siendo niñas, muchas quedado embarazadas en las filas y obligadas a abortar. Alias María es una obra sobre la historia de miles de mujeres y niños en Colombia. El cineasta bogotano lanzó la campaña 'Más niños menos alias', basada en un ciclo de talleres artísticos para mostrar la posibilidad de reinvención y transformación de los niños ex guerrilleros.
“Nos dimos cuenta que el tema de los niños en el conflicto armado era mucho más profundo. Hicimos ochocientas mil entrevistas y después empezamos a emprender la tarea de no sólo hacer las entrevistas y hacer la película, sino con un compromiso de volver y regresar a diferentes sitios para que contaran sus historias, sus emociones, sus ficciones”, expresó en una entrevista para Bogo Shorts TV.
El director también señaló que su película es una reflexión sobre la violencia y que no pone el dedo contra la guerrilla, sino contra todas las partes activas del conflicto que acaban con la inocencia del campo y de los niños que no deberían empuñar un arma por defender una guerra que no entienden.
El elenco fue conformado en su mayoría por jóvenes menores de 20 años, entre los que destacan la protagonista Karen Torres, de 14; Éric Ruiz, de 13, y Anderson Gómez, de 18. Este último, reveló su director, fue detenido por el ejército para ser reclutado de manera ilegal tan sólo días después de finalizar la grabación del filme, por lo que permaneció dos días encerrado y lavando baños.
La publicación Escribiendo Cine, de Argentina, consideró que esta coproducción colombiana se ubica dentro de la herencia de conflictos armados y habla de otra guerra mucho menos abordada en la ficción. Con esta decisión, se plantea el eje clave del relato: el individuo y su autodeterminación contra la causa grupal, el dogmatismo sin cara. Además de que hay algo de bíblico en la epopeya de María, quien sin dudas no porta este nombre por casualidad. La vida depende de ella.
José Luis Rugeles es fundador de Rhayuela Films, director de cine y de fotografía, y tiene más de 15 años de experiencia en la realización de comerciales y videoclips. Su ópera prima, García (2010), fue protagonizada por el actor mexicano Damián Alcázar.

Talento Emergente 2016 presenta Alias María, una reflexión sobre la violencia en Colombia

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miércoles, 14 de septiembre de 2016



  • Fernando Llanos presenta una mirada a la historia de México a través de Antolín Jiménez, su abuelo

Dicen que tu historia es tu mejor herencia y Antolín Jiménez le dejó a su nieto un gran archivo que debe ser reconocido como una mirada a la historia de nuestro país. Matria es la historia de un nieto buscando la verdadera identidad de su abuelo, Antolín Jiménez, un tabasqueño que peleó con Pancho Villa, llegó a ser maestro masón, diputado tres veces por Oaxaca y presidente de la Asociación Nacional de Charros.
Es así como Matria (2014), primer largometraje de Fernando Llanos, se estrena en la Cineteca Nacional el 16 de septiembre en Sala 8, Ismael Rodríguez. La historia de Antolín alberga secretos, disputas familiares y un vistazo a la biografía de México. En 1942 formó “La Legión de Guerrilleros Mexicanos”, una agrupación de 100 mil charros que se entrenaban para repeler una posible invasión nazi a México.
“Es nuestra primera cinta como productora y distribuidora, estamos muy emocionados, ha sido un proceso largo de seis años, hay 130 personas involucradas en este proyecto y sólo a tres se les pudo pagar, es un esfuerzo de mucho tiempo” así lo declaró el director Fernando Llanos durante una conferencia de prensa en la Sala 7, Alejandro Galindo, Cineteca Nacional.
El cineasta explicó que el nombre de Matria es una invitación a repensar y conocer la historia de nuestro país y un guiño al legado de su madre y de su abuela, porque a pesar de que la cinta gira en torno a su abuelo, el vínculo se dio a través de ellas. Además “matria” es una palabra muy recurrente en el mundo de los charros.
El origen de este documental se remonta a cuando el director percibió que más allá de las fotos en la sala, nadie hablaba de su abuelo, era un tema muy distante. Parecía como si nunca hubiera tenido un abuelo. Entonces encontró todo su archivo y descubrió en él una mina de oro; un “personajazo”, un señor de carne y hueso; su abuelo ya no sólo estaba en un par de fotografías vestido de charro.
Fernando Llanos confesó que tuvo problemas con su familia durante el proceso de grabación debido a que tanto su madre como algunos tíos se negaban a hablar de la vida de su padre. A pesar de esto, él decidió realizar la película como una “pieza sanadora”; el hecho de que la historia exista y se ventilen secretos familiares hace que ellos puedan hablar del tema, aunque no quieran.
La cinta ganadora a mejor largometraje documental del Festival Internacional de Cine de Morelia 2014 tardó cuatro años y medio en hacerse, estuvo apoyada por el Sistema Nacional de Creadores de Arte (SNCA) y, según su director, tardaron otros dos años para conseguir dinero y así poderla proyectar en las salas.
Los grabados y dibujos que se proyectan en la película son obra del mismo director, además se publicó un libro con tan solo mil copias que incluye todas estas imágenes y fotografías de Antolín Jiménez Gamas, que sirve como promoción y exhibición de los registros que no pudieron incluirse en el documental.
La cinta será proyectada en once sedes, entre ellos siete complejos de Cinepólis, la Cineteca Nacional, la Casa del Cine y Le Cinéma IFAL. El director no considera riesgoso estrenar su cinta en fechas célebres, al contrario, comentó que el país está muy lastimado en temas patrióticos y no hay mucho que festejar, por lo que es un buen pretexto para ir al cine.
Antes de finalizar, Fernando Llanos habló de su próximo proyecto; una cinta de ciencia ficción sobre México en 2083 titulada Los inobedientes, una novela gráfica bastante ambiciosa. Matria ha participado en más de siete Festivales Internacionales de Cine, entre ellos Margaret Mead Film Festival 2015 y Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de la Habana.
Para conocer la programación completa de Matria consulta el sitio: www.matria.mx


Matria, ganadora del FICM 2014, se estrena en la Cineteca Nacional

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domingo, 31 de julio de 2016



  • La desafiante cinta naturalista del filipino Lav Diaz, de cuatro horas de duración, retrata las delicadas condiciones sociales de su país


Al cineasta independiente Lav Diaz le ha interesado ilustrar la política y las repercusiones socioeconómicas de los eventos históricos que han moldeado a su país natal, Filipinas, de manera completamente distinta al cine épico que provee la única mirada emotiva a la historia para millones de espectadores alrededor del mundo. Diaz busca el naturalismo libre de entonaciones melodramáticas.
Con esta visión, el filipino realizó Norte, el fin de la historia (Norte, Hangganan ng Kasaysayan, 2013). Este relato que muestra a Joaquín, un hombre encarcelado por un crimen que no cometió; Eliza, su esposa desprotegida y en lucha de sostener a su familia, y Fabián, el verdadero criminal, llega a la Cineteca Nacional, como parte del 36 Foro Internacional, a partir del miércoles 27 de julio en la Sala 3, Fernando de Fuentes.
La premisa y su forma dramática se asemejan a Crimen y castigo (Prestupleniye i nakazaniye, 1866) de Fiódor Dostoievsky y a la observación psicológica y espiritual de los novelistas rusos. Aunque aquí quedan reflejadas discretamente las condiciones sociales de Filipinas en plena modernidad, en donde el ritmo económico capitalista repercute en los valores de la gente y la someten a distintas clases de presión.


El aspecto más reconocible del cine de Diaz es su ritmo. Los 250 minutos de duración del largometraje, quizás de apariencia imponente para las audiencias acostumbradas a películas más concisas, no se comparan con los 485 (ocho horas) de su más reciente producción: Hele Sa Hiwagang Hapis (2016). De acuerdo con el autor, la renuencia del público por las cintas de larga duración ha disminuido lentamente con la llegada de la era digital.
Según declaró para Philstar Global: “La cultura es un organismo y crece. Cuando empecé a hacer estas películas, hubiéramos visto a cinco personas en la sala. En una función de Ebolusyon [Evolución de una familia filipina, 2004] en Tailandia, sólo había una persona viendo. Pero con la era digital y las redes sociales, las reseñas están en internet y eso ha sido una gran ayuda. Más gente joven está viendo”.
A. O. Scott, de The New York Times, defendió el formato de Norte, el fin de la historia argumentando que, efectivamente, el consumo de productos audiovisuales por internet ha generado mayor apertura en la gente. “Uno puede pasar más tiempo viendo una serie de televisión de corrido, pero eso significaría navegar a través de escenas de ágil edición, diálogos extremadamente obvios y resoluciones emocionales pre-hechas. Al Sr. Díaz le interesa otra clase de inmersión”, comentó.
En su Top 10 anual correspondiente a 2013, la revista británica Sight & Sound incluyó al filme de Lav Diaz como la novena mejor película del año, empatada con el largometraje francés El extraño del lago (L’inconnu du lac, Alain Guiraudie).
Precursor del llamado Nuevo Cine Filipino, Lav Diaz comenzó su trayectoria como documentalista. Ha realizado ficciones de extensa duración como Melancholia (2008), de siete horas de metraje, y Hele Sa Hiwagang Hapis, de ocho horas, que obtuvo el Premio Alfred Bauer en la Berlinale de 2016.



Norte, el fin de la historia
Norte, hangganan ng kasaysayan, Filipinas, 2013, 250 min.
D y E: Lav Diaz. G: Rody Vera y Lav Diaz, basados en un argumento del primero, Michiko Yamakoto y Raymond Lee. F en C: Larry Manda. M: Pawel Mykietyn. Con: Sid Lucero (Fabián), Angeli Bayani (Eliza), Archie Alemania (Joaquín), Mailes Kanapi (Hoda), Soliman Cruz (Wakwak), Mae Paner (Magda). CP: Wacky O Productions, Kayan Productions, Origin8 Media. Prod: Raymond Lee (acreditado como Moira Lang) y Jessica Zafra. Dist: Interior XIII.

Premios y festivales
2013 Selección oficial de la sección Una cierta mirada. Festival de Cine de Cannes. Francia. │Selección oficial de la sección Masters. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. │Selección oficial de la Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine de Locarno. Suiza. 
2014 Selección oficial de la sección Spectrum. Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos. │Nominación a la Mejor Película Extranjera. Círculo de Críticos de Cine de Londres. Reino Unido.

Norte, el fin de la historia cierra el 36 Foro Internacional

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martes, 26 de julio de 2016




  • El quinto largometraje del estadounidense Nathan Silver permite al espectador palpar vívidamente el desastre en el que se encuentran sus personajes   

La libertad creativa radical, la juventud como paradigma y el empeño por retratar los valores alternativos catalogados bajo la famosa etiqueta de “Generación X” son algunos de los temas que inundan el cine independiente del director estadounidense Nathan Silver. Así se puede ver en su más reciente entrega, Maldito cielo (Stinking heaven, 2015), una película que se incluye en el 36 Foro Internacional de la Cineteca Nacional y que será exhibida a partir del miércoles 27 de julio en la Sala 3, Fernando de Fuentes.

Su historia gira en torno a Jim y Lucy, un matrimonio a cargo de una comuna para ex adictos en el Nueva Jersey suburbano de la década de los noventa. La armonía del lugar es pervertida cuando Ann, una adicta y ex amante de uno de los integrantes, irrumpe en el hogar desatando tras de sí un imparable torbellino de paranoia, drogas y muerte.

Se trata del quinto largometraje de Nathan Silver, en el cual continúa su exploración sobre grupos de gente buscando un lugar con el que se sientan identificados. Al igual que en Uncertain terms (2014), la cual se situaba en un santuario para adolescentes embarazadas, Maldito cielo toma como escenario una especie de cooperativa terapéutica para continuar explorando las fascinación de Silver por las dinámicas disfuncionales que atraen y (apenas) mantienen juntos a personajes bajo un mismo techo.

Silver y el director de fotografía Adam Ginsberg crearon una estética que subraya su rechazo al trazo limpio. Fue filmada en formato Betacam, con una cámara de la época de los noventa. El resultado es una imagen algo tosca que remite a esas viejas cámaras de vídeo-casete barato, una especie de reivindicación de lo sucio que mira de un modo extrañamente amoroso al desastre vital en el que se encuentran sumidos sus personajes.

Tanto esta opción estética como la cercanía (visual y emocional) que va con la intimidad de los protagonistas proponen al espectador una experiencia de inmersión sin reparos. La imagen se acerca en extremo a los rostros de sus personajes mediante un recurso continuo al primer plano o el plano detalle, y el uso de una cámara en mano siempre en movimiento, tan inquieta y nerviosa como los habitantes de la casa.

Con la firma de Roger Koza, en el sitio web del FICUNAM se lee que en el rodaje de Maldito cielo la convivencia real entre los actores explica la eficacia de las improvisaciones y la magnífica capacidad de Silver para capturar gestos fugaces de sus intérpretes, “de lo que se predica una de las virtudes de toda la obra del director que estriba en la capacidad de señalar a través del montaje los efectos del discurso sobre la conducta de sus personajes”.

Por su parte, Guy Lodge escribiendo para Variety habla sobre las interpretaciones, pues ya sea que las escenas se inclinen hacia una farsa mordaz o un trauma punzante, hay una sensación convincente –intencionada o no– de que los actores están manejando el tono de escena a escena, con Silver y su incisivo editor Stephen Gurewitz determinando las transiciones emocionales entre ellas. Y subraya que “si hay algo admirable en la economía formal de Silver, es cómo el caos íntimo de la película se desenvuelve en poco más de 70 minutos”.
Nathan Silver se graduó de la Escuela Tisch de Artes de la Universidad de Nueva York en 2005. Desde entonces ha escrito y dirigido varios cortos y seis largometrajes con los que estableció su nombre en la escena independiente. Sus películas son realizadas con bajos presupuestos y a través de una intensa colaboración con sus actores, quienes improvisan libremente.

Maldito cielo
Stinking heaven, Estados Unidos, 2015, 70 min.
D: Nathan Silver. G: Nathan Silver y Jack Dunphy. F en C: Adam Ginsberg. M: Paul Grimstad. E:Stephen Gurewitz. Con: Deragh Campbell (Lucy), Keith Poulson (Jim), Hannah Gross (Ann), Eléonore Hendricks (Betty), Tallie Medel (Courtney), Henri Douvry (Kevin), Jason Giampietro (Alex). Prod:Rachel Wolther. Dist: La Ola.

Festivales
2015 Selección oficial. Festival de Cine de Champs Elysées. Francia. │Sección Spectrum. Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos.

Maldito cielo se exhibe en el 36 Foro Internacional

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sábado, 21 de mayo de 2016

Comienza la primera Muestra de Cine de Azerbaiyán en la Cineteca Nacional

  • El ciclo estará formado por siete largometrajes que abarcan desde 1945 hasta la actualidad

En el anhelo humano de preservar su historia y sus ideas, el cine es una herramienta que también es arte y que permite controlar los sueños, sentimientos y sensaciones representativos tanto de individuos como de colectivos en una nación, expresó Mehriban Samadova durante la inauguración de la Muestra de Cine de Azerbaiyán, que se llevó a cabo este 19 de mayo en la Sala 8, Ismael Rodríguez.
Organizada por la Embajada de Azerbaiyán en México y la Cineteca Nacional, la muestra se llevará a cabo del 19 al 26 de mayo con una proyección diaria en la misma Sala 8. Durante la ceremonia de inicio, la Encargada de Negocios y Asuntos Consulares calificó a este foro cinematográfico como una oportunidad de conocer la cultura milenaria de su país.
“Hoy, en compañía de ustedes, damos inicio al festival de cine de Azerbaiyán en México presentándoles un pequeño ejemplo de la multitud de matices que componen la cultura del Pueblo del Fuego Eterno”, comentó la diplomática antes de agradecer al Director General de la Cineteca Nacional, Alejandro Pelayo, al Director de Difusión y Programación, Nelson Carro, y al cineasta ruso-mexicano Sergio Olhovich.
La muestra se compondrá de siete largometrajes producidos desde 1945 hasta 2014, entre las que destacan la comedia clásica Si no es con aquél, con éste (O olmasin, bu olsun, Hüseyn Seyidzade, 1956); Tiempo extraño (Özga vaxt, Hüseyn Mehdiyev, 1996), producida en un tiempo de crisis económica luego de la caída de la Unión Soviética, y El hombre de la estepa (Çölçu, Shamil Aliyev, 2012), la candidata al Oscar por Azerbaiyán en 2013.
Por su parte, Nelson Carro, Director de Difusión y Programación de la Cineteca Nacional, agradeció la colaboración de la Embajada de Azerbaiyán en México y expresó su entusiasmo al respecto de este intercambio cultural y artístico. “Es la primera vez que presentamos una muestra de cine de la República de Azerbaiyán, lo que nos tiene realmente muy contentos”, afirmó.
El ciclo fue inaugurado con la proyección de Arşın mal alan (Nikolay Leshchenko y Rza Takhmasib, 1945), la segunda adaptación cinematográfica de la opereta homónima compuesta por Uzeyir Hajibeyov en 1913. En ella, un hombre se disfraza de vendedor de telas para conocer mujeres y poder elegir una esposa, en contra de la práctica tradicional de su época en donde los padres arreglaban el matrimonio y los novios no podían conocer a su futura esposa de antemano.






  

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viernes, 6 de mayo de 2016





  • El largometraje señala los actos deplorables cometidos por sacerdotes y se inspira en la propia crianza católica de su realizador Pablo Larraín

  • La cinta del cineasta chileno figura en la terna del Ariel a mejor película iberoamericana

Un grupo de sacerdotes católicos vive aislado en una pequeña casa de un pueblo costero. Cada uno cometió un pecado que los ha convertido en fugitivos; ahora deben vivir de acuerdo a un estricto régimen, bajo la atenta mirada de una mujer que los cuida. La frágil estabilidad de su rutina se verá interrumpida por la llegada de un nuevo compañero de desgracias, quien traerá consigo el pasado del cual todos creen haber escapado. Poco a poco saldrán a la luz los oscuros secretos de estos siervos de Dios, revelando sin piedad las contradicciones de la Iglesia Católica.
El club (2015), es un largometraje del chileno Pablo Larraín que señala audazmente vergonzosos delitos perpetrados de la Iglesia Católica, y se estrena este viernes 6 de mayo en la Sala 3, Fernando de Fuentes.
Durante la Berlinale, el director de No (2012) y Post Mortem (2010) mencionó que la película está inspirada en su propia crianza católica. “En los colegios conocí a varios colectivos de sacerdotes: unos santos, otros delincuentes en mitad de procesos judiciales y unos terceros que nadie sabe dónde están porque la Iglesia Católica los esconde”, afirmó.
También aclaró que la intención de El club no es denunciar ni funcionar como un ataque anti-religioso, pero que le resulta “curioso” el hecho de que el clero se preocupe tanto por el tratamiento que recibe en los medios de comunicación. “A los miembros de la curia les importa más lo que se dice de ellos que lo que ellos mismos hacen”.
Lo que sí le interesa lograr con su trabajo, comentó para Europa Press, es provocar un desafío en el público y “lidiar con las susceptibilidades e instalar un relato que afecte los sentimientos de los espectadores”.
En su crítica para The Guardian, Ryan Gilbey apuntó que en esta cinta podemos apreciar “al cineasta en su momento de mayor maestría, guiando la película a través de complejos cambios de tono sin dejarla chapuzar en la histeria, incluso cuando sus personajes sí lo hacen”.
La producción de la cinta requirió de muy poco tiempo. El cineasta tomó parte del argumento de una de sus obras de teatro, Exceso, y lo adaptó para el guión cinematográfico en tres semanas. El rodaje duró un poco más de 15 días solamente y los actores recibieron muy poca información para agilizar el proceso: nunca leyeron el guión completo y se les indicaban sus escenas al inicio de cada día.
El elenco del filme parece ser un club privado por sí mismo, involucrando a gente muy cercana al director. Su esposa, Antonia Zegers, interpreta a la monja Mónica. Como los cuatro curas que inicialmente viven en la casa están los actores chilenos Alejandro Goic, Jaime Vadell, Alejandro Sieveking y Alfredo Castro, actor fetiche de Larraín quien ha participado en todos sus largometrajes, tres veces como protagonista.
El ambiente familiar caracteriza de igual manera a la forma de producción y distribución de sus obras, ya que Pablo junto con su hermano, Juan de Dios Larraín, encabeza Fábula, la compañía productora de todas sus películas.
La Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas confirmó que la cinta de Pablo Larraín representará a Chile en la contienda por los premios Ariel 2016 en la categoría de Mejor película iberoamericana.

La Cineteca Nacional estrena el polémico filme El club

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domingo, 14 de febrero de 2016


                                                               By Adonay SOMOZA H.

                                                                Ciudad de México 12/02/2016.- 
SE CANCELA EL LARGO METRAJE “PINK” PARA PRENSA E INVITADOS ESPECIALES.  La Productora ARMAGEDON S.A. DE C.V.  del cineasta Paco Del Toro,  canceló hasta nuevo aviso, el largo metrajePINK que se estrenaría el próximo lunes 15 de febrero, las 19:00 hrs. en el  Cinemex World Trade Center “PINK, con argumento y dirección de Paco Del Toro, describe a Rubén e Iván como pareja de homosexuales, quienes aprovechando las leyes de convivencia se casan y deciden adoptar a un niño para alegrar el nuevo hogar; bajo estas circunstancias, “Andrés llega a esta peculiar familia, en el cual presenciará usos y costumbres diferentes; sufriendo mofas y desaires entre otras cosas, así como bullying por parte de sus compañeros de escuela al verlo acompañado de susdos papis. A través de este filme, Paco Del Toro cuestiona si el matrimonio y la adopción gay, es un fallo equivocado  o un acierto. Consultas y sugerencias: ARMAGEDON S.A DE C.V. Tel. (5255) 5539 84 36   E-mail: deltoro@armagedon.com.mx   www.armagedom.com.mx 
ALGUNAS PREDICCIONES DE PERSONALIDADES QUE FALLARON. Por consideralo de interés, me permito reenviar algunas predicciones  enviadas a mi correo: Hasta el momento, que se tenga noticia, nadie ha vuelto ni de la muerte ni del ridículo. El pez por la boca, muere, es un viejo adagio que significa que deberíamos cuidarnos al menos un poco más cuando somos conocidos y expresamos con mucha ligereza algo como si fuera una profesión de fe. La tecnología y la ciencia no son la excepción y sobre todo cuando aventuramos algunas predicciones. Existe un libro encantador al respecto, Facts and Fallacies, escrito por Chris Morgan y David Langford, que recoge famosos gafees de toda la historia en que han incurrido algunos famosos. Veamos algunos de ellos: La radio no tiene futuro. (Lord Kelvin, presidente de la Royal Society, 1890-1895). “¿Televisión?   Nada bueno puede venir de este dispositivo. La palabra es una mitad griega y la otra mitad, latina (C. P. Scott, periodista y parlamentario inglés, 1846-1932).  “Los cometas no son cuerpos celestiales, sino que se originan en la atmósfera terrestre, por debajo de la Luna; todo lo celestial es eterno e incorruptible, pero los cometas tienen un comienzo y un final, ergo, los cometas no pueden ser cuerpos celestiales”. (Padre Augustion de Angelis, del Colegio Clementino, Roma, 1673).   “Yo podría llegar a creer que dos profesores yanquis mientan, pero no que caigan piedras del cielo. (Thomas Jefferson, 1807).   Las máquinas voladoras más pesadas que el aire son imposibles. (Lord Kelvin). “Creo que hay un mercado mundial únicamente para cinco computadoras. (Thomas J. Watson, CEO de IBM, 1874-1956).  El director de la US Patent Office solicitó en 1899 al presidente norteamericano Mc Kinley el cierre de esa dependencia oficial, ya que todo lo que podía ser inventado ya fue hecho.  “El sonido de la flauta cura la epilepsia y la gota. (Teofrasto, 370-285 antes de Cristo).  Los viajes en tren a Alta velocidad no son posibles, porque los pasajeros, incapaces de respirar, morirían de asfixia. (Dr. Dionysius Lardner, científico irlandés, 1793-1859).  La idea de que la caballería será reemplazada por estos carros de acero es absurdo. Casi es una traición. Dicho por uno de sus asistentes al mariscal de campo inglés Douglas Haig, mirando la demostración de un tanque durante la Primera Guerra Mundial, de 1916.  Según algunas interpretaciones de unos versos de Nostradamus, la Tierra sería invadida por marcianos en 1999, cosa que evidentemente no ocurrió. Y si se refería a la película “Marte ataca”, esta fue estrenada en 1996.  Por todos estos ejemplos tengamos siempre en cuenta quelas predicciones son muy difíciles, sobre todo acerca del futuro. (Neils Bohr, físico danés y premio Nobel, 1885-1962).
EFEMÈRIDES DEL MES DE FEBRERO PARA EL ACERVO CULTURAL. FECHA 15 DE FEBRERO: año de 1775: Nace en Valle de las Labores, hoy Ramos Arizpe, Coahuila. Miguel Ramos Arizpe, defensor del federalismo y precursor del municipio libre, a quien el Congreso declaró Benemérito de la Patria. Año 1858: El presidente interino de México, Benito Juárez, establece su gobierno provisional en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. Año 1923: Un equipo de arqueólogos abre la tumba del faraón Tutankamón. Año 1977: Fallece Carlos Pellicer, poeta, museólogo, miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, fue inhumado en la Rotonda de los Hombres Ilustres. FECHA 17 DE FEBRERO: año 1673, Fenece Moliere, escritor francés. 1836: Nace en Sevilla el poeta Gustavo Adolfo Bécquer.  1915: Se firma el pacto entre Venustiano Carranza y la Casa del Obrero Mundial. 1917: Nace en Guadalajara, Jalisco, Guillermo González Camarena, creador del sistema de televisión a color. 1929: Nace Yasser Arafat, dirigente de la Organización para la Liberación Palestina.
¿Y EL DÌA 15El 15 de febrero día de San Valentín, se traduce en la fecha dedicada a los enamorados, a los novios, al amor; precisamente el día de San Valentín, se considera el mejor para expresar el amor que sientes hacia otra persona. A continuación  algunas frases románticas para festejar el día de San Valentín.  Anotar que también existe la posibilidad de  enviar flores por Internet o recitar algunos versos románticos a nuestro amor. Amar es arriesgarse a que no le quieran. Esperar es arriesgarse a sentir dolor. Intentar es arriesgarse a fracasar. Pero hay que arriesgarse. Porque lo más peligroso en esta vida es no arriesgar nada. (Leo Buscaglia).  El amor es como la guerra. Fácil empezar, pero muy difícil  detener. (H.L. Mencken).  No te amo porque eres preciosa. Eres preciosa porque te amo. Hace falta tener un ojo abierto para conocer a tu amor verdadero. Pero hace falta tener los dos cerrados para mantenerlo. El amor es el triunfo de la imaginación sobre la inteligencia. (Henry Louis Mencken).  No olvide nunca que la fuerza más poderosa en la tierra es el amor (Nelson). He decidido apostar por el amor. Durante mi juventud el amor será mi maestro; en madurez, mi ayuda; y en la vejez será mi encanto. (Kahlil Gibran). El odio es una carga demasiado pesada. (Martin Luther King, Jr.)
                                                                                     managua601@hoo.com.mx

CHISPAS…

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miércoles, 16 de septiembre de 2015

Del 15 al 20 de septiembre en la Cineteca

  • Se trata de un drama del israelí Nadav Lapid estrenado en Cannes 2014 y con una reflexión acerca de la poesía y la obsesión

 

Entre la convulsión y el conflicto del mundo moderno no hay lugar para la poesía, no hay sitio para los poetas, y quien se empeña en ir contra el pragmatismo de un sistema puede encaminarse a la autodestrucción tal como se muestra en La maestra de kínder (Haganenet, 2014), la cinta israelí que forma parte de la primera edición del ciclo Talento Emergente y que se presentarádel 15 al 20 de septiembre en la Sala 3 Fernando de Fuentes.


En su segundo largometraje tras la política The policeman (2011), el cineasta israelí Nadav Lapid ofrece una reflexión sobre el papel del arte en una sociedad que parece ya no estar interesada en él, a través de una mirada a la realidad de su país natal.

La historia parte del descubrimiento de Nira, una maestra de kínder que un día presencia cómo Yoav, uno de sus pequeños alumnos, compone y dicta en el momento un soberbio poema a su niñera. Fascinada por la capacidad del niño y movida por su propio interés literario, Nira se obsesiona por preservar a toda costa semejante sensibilidad y talento. Este nuevo ejercicio de Navad Lapid pronto vuelca en la relación cada vez más insana y autodestructiva de Nira hacia Yoav.

Ambientada en la ciudad de Tel Aviv, La maestra de kínder muestra una educación rígida, pragmática, tradicionalista, contexto en el que la tensión y los conflictos que vive Israel son un trasfondo sutil pero latente. En esta situación, aunque el director cuestiona a una sociedad incompatible con el arte, también critica la pedantería que rodea las expresiones culturales sin dejar de reivindicar su importancia.

La maestra de kínder fue descrita por A. O. Scott, crítico de cine del diario The New York Times, como “una acusación furiosa del materialismo y la complacencia de la vida del siglo XXI, en Israel e implícitamente más allá. Yoav, inocente y apenas consciente del significado de sus poemas, es la voz misteriosa de una tradición de desheredados”; y asegura que su lección es que hoy en día “el buscar la belleza y su significado, significa probablemente terminar en la locura, la confusión y la violencia”.

Seleccionada para una proyección especial durante la Semana de la Crítica de la edición 2014 del Festival de Cannes, esta producción franco-israelí presenta instantes estilísticos muy particulares que acompañan la acción, comenzando por la primera escena en la que el marido de Nira deliberadamente choca con la cámara. Continuando con secuencias en las que el Director de Fotografía, Shai Goldman, captura a Yoav y otros niños a nivel del suelo, moviéndose con ellos mientras bailan, juegan o toman una siesta.

En conjunto con la sobresaliente fotografía, la edición a cargo de Era Lapid —madre del director— destaca por sus saltos entre ambientes de exterior e interior, del jardín de niños o el hogar de la maestra, y aun así permite desarrollar muchas escenas en largas tomas. El diseño de sonido realizado por Aviv Aldema, ofrece una serie de efectos que va desde bocinas de coches hasta martillos, los cuales recrean en conjunto el ambiente opresivo que desprecia el mundo que Nira intenta desesperadamente salvar.

Finalmente, un dato que cabe destacar es que los poemas de Yoav fueron escritos por el propio Nadav Lapid entre los cuatro y siete años de edad.

 

Programación Talento Emergente

 

La maestra de kinder (2014)

Sala 3 Fernando de Fuentes

 

Martes 15 de septiembre

13:30 y 19:00

 

Miércoles 16 de septiembre

16:30 y 21:30

 

Jueves 17 de septiembre

13:30 y 19:00

 

Viernes 18 de septiembre

16:30 y 21:30

 

Sábado 19 de septiembre

13:30 y 19:00

 

Domingo 20 de septiembre

16:30 y 21:30

 

Tráiler


Dentro de Talento Emergente se proyecta La maestra de kinder

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viernes, 4 de septiembre de 2015


  • Segundo largometraje del cineasta y guionista, Michael Rowe, ganador de la Cámara de Oro en Cannes por su ópera prima, Año BisiestoManto Acuífero es un manifiesto acerca de la soledad y el proceso emocional que vive una niña al ver que su universo familiar se desmorona ante el divorcio de sus padres.

 

  • Tras su paso por más de una decena de festivales nacionales e internacionales, entre ellos el Festival Internacional de Cine de Roma, el Festival Internacional de Cine de Morelia y el 34 Foro Internacional de la Cineteca Nacional, Manto Acuíferollega a las salas de la Ciudad de México, bajo el sello de distribución de Canana Presenta.

 

  • El filme se exhibirá a partir del 4 de septiembre en Cineteca Nacional, Cine Tonalá, Le Cinema Ifal, La Casa del Cine, la Filmoteca de la UNAM, el Cinematógrafo del Chopo, Cinemex Reforma y Cinemex Insurgentes y tendrá un estreno simultáneo en las dos plataformas digitales más importantes para el Cine Mexicano: MUBI y FilminLatino

 

  • Canana Presenta continúa implementando estrategias alternativas de distribución con las que busca atraer distintos tipos de público. Con este nuevo esfuerzo de estrenar simultáneamente en salas y en plataformas digitales queda claro que la forma de consumir cine está cambiando y se vuelve cada vez más inclusiva. 

Después del éxito de crítica y público que obtuvo con Año Bisiesto  (México, 2010), con la que fue reconocido con la Cámara de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes en 2010 así como con el Ariel a la Mejor Ópera Prima en 2011, Michael Rowe continúa su llamada Trilogía de la Soledad con Manto Acuífero (México, 2013), donde retrata el desamparo y el proceso emocional que atraviesa una niña al sufrir el divorcio de sus padres y cómo este acontecimiento resquebraja su universo hasta entonces seguro y absoluto.

Basado en el cuento Secrets de Tim Winton acerca de una niña que tras el divorcio de sus padres —uno de los eventos más traumáticos por los que puede atravesar un niño—, hace amistad con una gallina, Rowe escribe y dirige esta historia mínima e intimista que a través de una trama sólida, planos largos y pausados, así como una fotografía vibrante y detallista, adentra al espectador en el mundo de Caro, de 8 años, interpretada por Zaili Sofía Macías Galván. Así, a través de la óptica de la niña, el espectador comparte y empatiza con su profundo sentimiento de abandono y desarraigo tras la separación de sus padres, pues su madre, en guerra abierta con su ex marido, ha resquebrajado de tajo su universo de certezas y seguridad arrancándola de los brazos de su padre, de la amistad de sus compañeros de escuela, de su ciudad, para llevarla a vivir a Puebla, un lugar ajeno y extraño, con su nueva pareja, Felipe, un padrastro autoritario y machista.

Manto Acuífero busca reflejar la complejidad emocional de los niños, a quienes los adultos suelen menospreciar y someter a decisiones y situaciones que transforman sus vidas y definen su forma de ser y actuar en el futuro. Al respecto Michael Rowe comenta: "Quería mostrar la psique de una niña en toda su complejidad, hacerle justicia. Sin cursilerías, sin chistecitos, sin menospreciar el dolor y la alegría de su mundo. Y es que los niños tienen tan pocas herramientas de defensa –tanto física y social como psicológica– que aun con las mejores intenciones es muy difícil no causarles daño en algún momento. En el caso de una violencia emocional del tamaño de un divorcio, es romper el tejido mismo de su universo de una manera que jamás se podrá remendar".

Tras su paso por más de una decena de festivales internacionales y nacionales, entre ellos el Festival Internacional de Cine de Roma, el Festival Internacional de Morelia y el 34 Foro Internacional de la Cineteca Nacional, este filme, producido por Gael García Bernal, se estrena el próximo 4 de septiembre en salas de la Ciudad de México, gracias a la distribución de Canana Presenta.

Manto Acuífero se exhibirá en Cineteca Nacional, Cine Tonalá, Le Cinema Ifal, La Casa del Cine, la Filmoteca de la UNAM, el Cinematógrafo del Chopo, Cinemex Reforma y Cinemex Insurgentes, al tiempo que tendrá un estreno simultáneo en dos de las plataformas digitales más importantes: MUBI y FilminLatino. MUBI es una de las cinetecas en línea más completas que presenta películas de culto, clásicas e independientes y ahora también estrenos como Manto Acuífero. Por su parte, FilminLatino se ha posicionado como un nuevo espacio digital donde el cine mexicano convive al mismo nivel de las cinematografías del mundo, al tiempo que ofrece otras posibilidades de difusión para los realizadores nacionales.

 

Ficha técnica

Manto Acuífero

Dirección y Guión: Michael Rowe, basado en el relato corto Secrets, de Tim Winton. País: México, 2013.

Fotografía: Diego García.

Diseño de Producción: Eugenio Caballero.

Editores: Ares Botanch y Óscar Figueroa Lara.

Diseño de sonido: Sergio Díaz.

Con: Zaili Sofía Macías Galván (Caro), Tania Arredondo (Mamá), Arnoldo Picazzo (Felipe).

Productora: Canana.

Productores: Gael García Bernal, Julián Levin y Arturo Sampson.

Productores ejecutivos: Pablo Cruz y Diego Luna.

 

Michael Rowe estrena Manto Acuífero en salas de la capital

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