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viernes, 10 de febrero de 2017
jueves, 9 de febrero de 2017
*Por Charly de Balzac
Una véz mas como “ eterno trashumante” de la noche
esperare el cobijo de las sombras para arribar hasta la cineteca nacional en Churubusco
y estar este jueves en la inauguracion de cine de Quebec con la comedia dramática Broma (Prank),
con la presencia de su productor y coguionista Éric K. Boulianne, sin dejar
de lado que este año la programación
explora las identidades igratorias que
se entrecruzan en la nación francófona de América del Norte, entre los cineastas invitados, estan : Bachir Bensaddek, Sophie Goyette y Chloé
Leriche Asi las cosas y en colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman de
la UNAM, el 9 y 10 de febrero se organizarán conferencias y mesas
redondas con los cineastas invitados para profundizar la exploración de la
cinematografía de Quebec . del 9 de febrero al 19 d efebrero, con 10 largos inéditos
de la producción reciente, ¡Quebecine está de vuelta! En su edición
anterior, la muestra puso en evidencia cómo los cineastas quebequenses
rebasaban sus propias fronteras, tanto geográficas como culturales e
imaginarias. También este año su pasión y curiosidad los lleva a salir en busca
de los otros para compartir una historia universal, porque su país no tiene
bandera: su país es el cine, una tierra de acogida, un cine de reflexión en el
que las partidas y los encuentros contribuyen a crear un lugar de reinvención.
Así las cosas, presente en la Sala 8 de la Cineteca Nacional del 9 al
19 de febrero, la programación 2017 de Quebecine ofrecerá al público mexicano
una oportunidad de asomarse a una gran pluralidad de imaginarios y realidades a
través de voces originales. Por ejemplo, el documental Llamadas desde
Estambul, de Hind Benchekroun y Sami Mermer, muestra con fuerza y dignidad
la situación de los migrantes del siglo XXI. País de Chloé
Robichaud (de quien presentamos el primer largometraje, Sarah prefiere
correr, en la edición del 2015), constituye un fresco político y humano que
plantea una reflexión sobre la imagen de las mujeres y el poder. Una vez más,
Quebecine privilegia a las óperas primas que ofrecen miradas singulares. En su
película Montreal la blanca, Bachir Bensaddek pinta un retrato sensible
de la comunidad argelina de Montreal, enfocándose en los fantasmas de un pasado
que se dejó atrás. En Mis noches harán eco, Sophie Goyette explora
universos oníricos en los que se conectan Quebec, China y México. Por su parte,
Chloé Leriche dirige la primera película en lengua atikamekw, Antes que la
calles, y nos lleva al corazón de una de las once naciones indígenas de
Quebec. En Los demonios, Philippe Lesage aborda el miedo desde el punto
de vista de la infancia; mientras que Broma narra un cuento cruel e
impertinente sobre los primeros amores, la amistad, y la inocencia que se
pierde en la transición a la edad adulta. Dado su éxito en la Ciudad de México,
la muestra será también presentada en la Cineteca Alameda de San Luis Potosí
del 1 al 10 de marzo de 2017. Todas las películas se
presentarán en su versión original con subtítulos en español, gracias a las
traducciones realizadas por la Cineteca Nacional. Quebecine cuenta con el apoyo
de la Sociedad de desarrollo de las empresas culturales (SODEC), la Asociación
Internacional de Estudios Quebequenses (AIEQ), el Ministerio de la Cultura y
las Comunicaciones de Quebec, las Oficinas para la Juventud Internacional de
Quebec (LOJIQ) y la Delegación General de Quebec en México. Sus socios
principales son Air Canada, BAMF, Pug Seal y la Cineteca Nacional.*poeta trashumante de la noche, del mezcal y del rapmiércoles, 1 de febrero de 2017
- Este mes, el ciclo estará dedicado a realizadoras mexicanas destacadas, arrancando con una charla con la directora Lucía Gajá
- Las pláticas se llevarán a cabo todos los jueves a las 18:00 horas en la Sala 4
En la primera sesión conversaremos con la directora y editora Lucía
Gajá, nominada en tres ocasiones al premio Ariel de la Academia Mexicana
de Artes y Ciencias Cinematográficas. Nacida en la Ciudad de México,
Gajá estudió la carrera de Cinematografía en el CUEC, con especialidad
en dirección, y actualmente es miembro activo de la AMACC. En esta
primera fecha se proyectará Mi vida dentro (2007), un reflejo de la realidad de los migrantes mexicanos en Estados Unidos.Por su parte, Kenya Márquez platicará con el público tras la proyección de Fecha de caducidad (2011), comedia negra acreedora del Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Morelia edición 2011. El jueves 16 de febrero será turno de Claudia Sainte-Luce con Los insólitos peces gato (2013), nominada en cinco categorías a los Premios Ariel.
Para terminar febrero, se proyectará Cinco días sin Nora (2007) y posteriormente el público podrá charlar con su realizadora, Mariana Chenillo. El ciclo tendrá lugar todos los jueves de febrero en la Sala 4 Arcady Boytler, de 18:00 a 21:00 hrs.
viernes, 27 de enero de 2017
Será impartido por David R. Maciel, Doctor en Historia por la Universidad de California y especialista en cine
- Se establecerá un recorrido histórico de los años 40 a los 50 introduciendo a los participantes a la tradición cinematográfica del cine negro de Hollywood
- Las inscripciones están abiertas al público en general hasta el 10 de febrero o hasta completar aforo
Surgido en los años treinta, el cine negro o film noir es uno de los géneros cinematográficos más importantes y creativos del cine hollywoodense. Sin duda alguna, todo cinéfilo tendrá en su memoria alguna escena de las intrigas criminales de Howard Hawks y los antihéroes encarnados por Humphrey Bogart. Sin embargo, los orígenes del cine negro en Hollywood pueden trazarse en Europa; su temática y estética están claramente vinculadas al expresionismo alemán de principios del siglo XX.
Para conocer los orígenes, elementos, estética, técnicas, lenguaje y estructura de este género, el Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional presenta el curso Film Noir Norteamericano: La representación oscura de la pantalla, que se llevará a cabo del 13 de febrero al 27 de marzo, los lunes y miércoles de 18:00 a 21:00 horas.
El curso será impartido por David R. Maciel, Doctor en Historia por la Universidad de California y Profesor Emérito de la UCLA. El objetivo es introducir a los alumnos a la extraordinaria tradición cinematográfica del cine negro de Hollywood, revisando el contexto histórico, social y cultural de Estados Unidos en los años de su auge, una de las etapas más dramáticas y trascendentales del país con las secuelas de la Segunda Guerra Mundial y la angustia generada por el futuro incierto de la Guerra Fría.
A través de 12 sesiones de 3 horas cada una, el curso revisará 12 películas esenciales para el film noir norteamericano. Para esto, el ponente dividió el contenido del curso en 9 ejes temáticos fundamentales que van desde los orígenes hasta el legado del género. Así, en la primera sesión se proyectará El halcón maltés (The Maltese Falcon, 1941) del director John Huston, con la que David R. Maciel introducirá a los alumnos al curso.
Otros de los ejes se titula “Las influencias literarias y culturales”, donde se analizarán dos cintas: Los asesinos (The Killers, 1946) de Robert Siodmak y El sueño eterno (The Big Sleep, 1946) de Howard Hawks. Otra de las temáticas, fundamental en este género, se estudiará en “El papel de la femme fatale” con películas como Pacto de sangre (Double Indemnity, 1944) de Billy Wilder y Traidora y moral (Out of the Past, 1947) de Jacques Tourneur. Para concluir, el especialista tiene preparada una sesión especial con la proyección de Chinatown (1974) de Roman Polanski.
Terminado el curso, los estudiantes podrán discutir el origen y la importancia del cine negro en Hollywood, examinar este género a partir de su contexto histórico para así comprender la crítica social y moral de sus autores, y apreciar las cualidades cinematográficas de sus realizadores y actores principales.
David R. Maciel ha dedicado gran parte de su vida a la investigación cinematográfica y cultural. En 1999 fue galardonado con el Premio Ohtli, otorgado por la Secretaría de Relaciones Exteriores por su distinguida labor de fomento y promoción de la cultura mexicana en Estados Unidos. Además ha publicado numerosos artículos y ensayos en diversas publicaciones de México, Estados Unidos y América Latina.
miércoles, 25 de enero de 2017
- Por el trabajo que ha realizado la Cineteca Nacional para el rescate y difusión, principalmente, del cine mexicano.
- Como parte de la ceremonia, se proyectarán fragmentos restaurados por la Cineteca Nacional
- La entrega de la medalla se realizará el jueves 26 de enero, a las 19 horas, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, del Centro Cultural Universitario.
En el interior de los laboratorios de la Filmoteca de la unam, donde se manipula la luz a través de procesos químicos de temperatura y de mediciones de tiempo para obtener las imágenes que posteriormente vemos proyectadas en la pantalla, también se recoge plata.
Este metal que se recauda durante años, ha servido a este archivo fílmico para elaborar un preciado reconocimiento que se entrega a grandes personajes e instituciones que contribuyen a la conservación, rescate y difusión del cine: La Medalla Filmoteca UNAM.
Este año la Cineteca Nacional será galardonada con esta distinción, tras la decisión unánime tomada por el Consejo Asesor de la Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM, por la labor que ha desarrollado para el rescate y difusión del cine realizado en este país.
Desde cintas silentes, hasta copias de la época de oro del cine mexicano, son procesadas en el laboratorio fotoquímico donde el químico Ignacio Rodríguez, jefe del área, labora en la Filmoteca desde 1987 y es el responsable de este proceso.
La película fotográfica elaborada, a base de plata, explica Rodríguez, durante el proceso de revelado utiliza una cantidad de este material para generar la imagen, y otra (la plata no expuesta a la luz) se disuelve y se concentra en el baño fijador. Cuando la cantidad de plata es alta, se envía a la recuperadora para extraer el metal precioso.
La plata se puede obtener de cualquiera de los soportes con los que está hecha la película cinematográfica que, dado su origen químico, asegura el técnico, con el pasar de los años entra en una etapa de descomposición.
A lo largo de la historia han existido tres tipos de soportes: el nitrato de celulosa que, al ser inflamable, fue sustituido por el acetato de celulosa, que rápidamente mostró descomposición hasta que, en los últimos años, se comenzaron a utilizar nuevos soportes como el poliéster, con el que trabaja la Filmoteca para preservar el material audiovisual que puede llegar a durar más de 200 años, lo que garantiza un alto porcentaje de conservación.
Cuando el laboratorio de esta institución ha reunido una cantidad considerable de plata, solicita a la Dirección General de Patrimonio Universitario que recoja el metal para la elaboración de una nueva emisión de monedas de plata, cuyo diseño original fue creado por el escultor Lorenzo Rafael, reconocido a nivel internacional por sus creaciones numismáticas.
Reconocimiento a la Cineteca Nacional
El próximo jueves 26 de enero, a las 19 horas, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario, la Cineteca Nacional será reconocida con la Medalla Filmoteca UNAM, por su incansable y fructífero trabajo para preservar y difundir la cinematografía nacional e internacional y así extender a la sociedad mexicana la riqueza de nuestra memoria fílmica.
La Filmoteca ha reconocido a 86 personalidades e instituciones con este galardón desde 1987, entre los que se encuentran el productor Manuel Barbachano Ponce; el fundador de la Filmoteca, Manuel González Casanova; los directores Alejandro Galindo, Chano Urueta, Julio Bracho, Rubén Gámez, Felipe Cazals, Jorge Fons, Manuel de Oliveira, Abbas Kiarostami, Arthur Peen, Mike Leigh y Oliver Stone; las actrices María Félix, Stela Inda, Pilar Pellicer, Isabelle Huppert y Juliette Binoche; y los actores Ignacio López Tarso, Ernesto Gómez Cruz, Daniel Giménez Cacho, Demián Bichir y Williem Dafoe.
Entre las instituciones la han recibido el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, el Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica, el Centro de Capacitación Cinematográfica y el Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfico.
jueves, 15 de diciembre de 2016
- Con una perspectiva estética, narrativa y musical, Juan Arturo Brennan guiará un amplio análisis que abarca toda la obra del mítico cineasta
- Las inscripciones están abiertas para todo público hasta el 20 de diciembre y del 9 al 27 de enero
Es mucho lo que se puede estudiar acerca de Stanley Kubrick, aun cuando decenas y decenas de personas se consideren expertos en la materia. Sin embargo, ¿hemos visto ya su filmografía completa, conocemos sus primeros trabajos como fotoperiodista? Probablemente muchos lo ubiquen solamente por su imagen mítica, aquella que se inició por cintas hoy modélicas en la realización fílmica. Más allá de eso existe un hombre que dedicó toda su vida a la creación de 13 filmes con los que dio forma a un legado que merece la pena estudiar a profundidad.
Para realizar un análisis sobre la obra completa y el estilo de uno de los maestros del cine contemporáneo, el Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional invita al curso El cine de Stanley Kubrick, que se llevará a cabo los sábados de 10:00 a 14:00 horas, del 4 de febrero al 29 de abril de 2017. La serie de sesiones contempla desde sus primeros cortometrajes hasta sus filmes más consagrados.
El curso será impartido por Juan Arturo Brennan, cineasta egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) como realizador y cinefotógrafo, y co-curador de Stanley Kubrick: La exposición, muestra que se presenta actualmente en La Galería de la Cineteca Nacional. Durante 12 sesiones de cuatro horas cada una, se revisará la filmografía completa del guionista, productor y fotógrafo, iniciando el 4 de febrero con una introducción que abarca un breve perfil biográfico de Kubrick como autor y la proyección de sus tres primeros cortos.
El ponente propone dedicar especial atención a la estética, la narrativa y el empleo de la música en el cine del cineasta neoyorquino. En la segunda sesión se proyectará su primer filme de ficción, Miedo y deseo (1953), el cual fue suprimido de su filmografía para ser rescatado hace apenas algunos años. Las siguientes sesiones estarán consagradas a El beso del asesino (1955), Casta de malditos (1956) y Patrulla infernal (1957).
Para 2001: Odisea del espacio (1968) se tienen contempladas dos sesiones. En la primera se proyectará la cinta considerada un parteaguas indiscutible en el género de la ciencia ficción. En el filme se analizará la evolución del hombre bajo la particular premisa kubrickiana de la naturaleza humana y sus límites. Debido a la formación y el interés del ponente en la música, la segunda sesión estará dedicada al análisis de la dramaturgia musical de la icónica obra.
Por supuesto dentro del curso no puede faltar un merecido espacio para Ojos bien cerrados (1999), su último filme y – sin duda – la creación más controvertida de Kubrick; y para Naranja mecánica (1971), una cinta de ultraviolencia, sexo casual y la posibilidad de un libre albedrío visto desde la sardónica mirada de Kubrick.
Para concluir, el especialista en el cineasta estadounidense proyectará Cara de guerra (1987), con la que podrá analizarse minuciosamente el infierno de la guerra de Vietnam. En palabras de Brennan, este filme sobre el conocido conflicto bélico es “otra soberbia película de Kubrick en la que se explora la profunda inmoralidad de la guerra, de ésta o de cualquier otra”.
Juan Arturo Brennan estudió realización y fotografía de cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica. Su trabajo como coautor del guión El año de la peste, en colaboración con el escritor Gabriel García Márquez, lo lleva a obtener un Ariel y una Diosa de Plata. También funge como guionista, realizador y productor de programas culturales de radio y televisión. Asimismo, es creador del acervo de música cinematográfica del CCC y autor de un par de libros dedicados a la música y la literatura.
sábado, 10 de diciembre de 2016
Todo exilio tiene una razón
Una película de José Luis Solís Olivares
Sábado 10 de diciembre | 19:00 hrs. | Sala 8*
ENTRADA GRATUITA / SOLICITAR CORTESÍA EN TAQUILLA 5
*Con presencia del director y elenco de la película
SINOPSIS
Omar y Esperanza regresan a Monterrey tras una estancia doctoral en Quebec, haciendo esfuerzos económicos y emocionales por permanecer en México, surge una oferta de trabajo en San Antonio, Texas. Ante el clima de inseguridad y terror que reina sobre las carreteras del norte de México, Omar tendrá que manejar por los caminos fronterizos y enfrentar su inconcluso pasado, su violento presente y el inerme futuro de su familia y país.
NOTAS DEL DIRECTOR
GRINGO es un proyecto cinematográfico que desde la precaria situación de una joven pareja expone cómo la civilidad, el estado de derecho y el modus viviendi en México se transformaron súbita y crecientemente en un absurdo cotidiano regido por la violencia, el miedo y la fragilidad humana. GRINGO se aleja de plasmar lo violento gráficamente y concentrándose en cómo sortean sus vidas los ciudadanos comunes en el México de “la guerra contra el narco”.
La película despliega una historia de exilios forzados en el plano emocional, laboral, familiar y territorial; relato fílmico que partiendo desde lo más íntimo de una pareja presenta el desempleo, la violencia y el desapego forzado hacia lo anhelado y querido. Tres días en la vida de un par de jóvenes que regresaron a México hace algunos meses después de terminar su doctorado en Quebec y no encuentran trabajo - mas lo que si encuentran -, será en una sociedad atemorizada con una fractura social tan absurda como inmediata.
La necesidad de preparar este proyecto fílmico surge ante el deseo de contar -desde el norte de México - lo que experimentamos día a día, más que una producción acerca de lo que está pasando, en la película se interpreta cómo estamos viviendo. GRINGO es la historia de la intimidad y el anhelo personal de una pareja de nueva generación que deseaba trabajo y que sólo recibió la violenta y mal planeada “guerra contra el narco”.
La película fue filmada en locaciones de Monterrey, Sombreretillo y García en Nuevo León; Nuevo Laredo y Matamoros en Tamaulipas y Brownsville, Texas.
DATOS DEL DIRECTOR
José Luis Solís Olivares (Monterrey, Nuevo León, 1968.)
Académico y artista interdisciplinario de literatura, ciencias sociales, comunicación y arte que se ha desarrollado como escritor, guionista, fotógrafo, director teatral y cinematográfico. Tiene estudios de posgrado en dirección y dramaturgia en Tulane University y postdoctorales en cine digital en University of California at Berkeley. Acreedor de numerosas becas de desarrollo artístico a nivel nacional e internacional, su experiencia como escritor, maestro, director de cine y teatro lo han llevado a desarrollarse y presentar su trabajo en Argentina, Los Ángeles, Bogotá, Cartagena, Huesca, Huelva, Corea, San Antonio, San Diego, San Francisco, Madrid, Miami, Montreal, Nueva Orleans, Panamá y Salvador, así como en las principales ciudades México. Su primer cortometraje profesional “MAÑANA, Sí” fue selección oficial de los festivales internacionales de Montreal, Los Ángeles, Huelva, Cartagena, San Antonio, Monterrey y Puebla. Posteriormente su primera producción en 35mm “LOS AMOROSOS” fue producida por el Instituto Mexicano de Cinematografía y se presentó en más de 30 festivales internacionales. En el 2003 el guion de largometraje de su autoría “Las Bicicletas” recibió el premio para el desarrollo de proyectos de filmación del PROMOCINE-CONARTE en Nuevo León. Cuatro de sus guiones de cortometraje han obtenido apoyos para la producción. Fue integrante en dos ocasiones del Sistema Nacional de Creadores de Arte en la categoría de Jóvenes Creadores del CONACULTA en las áreas de Teatro y Guion Cinematográfico. Como guionista ha ganado el Concurso Nacional de Guion convocado por SOGEM e IMCINE (2011), además del 4to Concurso Estatal de Guion de CONARTE Nuevo León en la categoría de cortometraje (2006). Durante el 2008 recibió la beca del Centro de Escritores para desarrollar el guion de largometraje “Alcatraz Reservation”; en el 2012 su guion de largometraje “Gringo” obtiene el primer lugar en el 9no Concurso Estatal de Guion de CONARTE Nuevo León. Ha publicado tres libros del quehacer guionístico: “Las Bicicletas: un guion de largometraje” (CONACULTA-CONARTE. 2005),”Vislumbrar la nada: guionistas de cortometraje en Nuevo León y su testimonio de lo Intangible” (CONACULTA-CONARTE. 2007) y junto a Eduardo Antonio Parra y Mario Núñez “La Vida Real: transformación de tres cuentos en guiones cinematográficos” (UANL. 2008). Como docente ha impartido cátedra de Postgrado y Licenciatura en la UANL, ITESM, Universidad Don Bosco de San Salvador y Tulane University. Actualmente se desarrolla como director de las carreras de Letras, Sociología, Filosofía y Estudios Humanísticos y Sociales en la Universidad de Monterrey.
PREMIOS Y FESTIVALES
Premios:
1. Moscow Film Festival 2016: winner best feature film
2. Lyon International Film Festival 2016: winner best photography
3. CreActive International Open Film Festival Bangladesh 2016: winner award of
recognition, Debut Feature Film Section
4. Sydney Independent Film Festival 2016: Special Jury Award
5. Frame by Sound Festival 2016: Best Feature Film
Selecciones oficiales:
1. Switzerland Indie Film Festival 2015
2. Hermosillo International Film Festival 2015
3. Canada Independent Film Festival 2016
4. Los Angeles CineFest 2016
5. Lisbon International Film Festival 2016
6. North Wales International Film Festival 2016
7. Lumiere CinemAvvenire Film Festival, Rome 2016
8. World Festival of Emerging Cinema Trinidad y Tobago 2016
9. Machetanz Film Festival Alaska 2016
10. Rodando Film Festival San Luis Potosí 2016
11. Colossus Film Festival, Rhodos, Greece 2016
12. European International Film Festival, St. Petersburg 2016
13. Barcelona Planet Film Festival 2016
14. Silveron International Film Festival, Tornoto 2016
15. Guanajuato International Film Festival 2016
16. San Antonio International Film Festival 2016
17. Rivne International Film Festival, Ukraine 2016
18. Chicago Avant Edge Film Festival 2016
19. Corpus Christi Mundo de Sueños Film Festival 2016
20. Royal Starr Film Festival, Michigan, USA 2016
21. Latin American Independent Film Festival “Mira”, Bonn, Germany 2016
22. Estado de México International Film Festival , Toluca 2016.
Galas y presentaciones especiales:
1. Gala Inaugural de la Semana del Cine Mexicano en tu ciudad, Monterrey 2016.
2. Gala Inaugural de la Semana del Cine Mexicano en tu ciudad, Aguascalientes
2016.
3. Gala de los 100 días del Monterrey International Film Festival 2016
4. San Pedro Artfest 2016 dentro del Primer Ciclo de Cine Contemporáneo
Independiente de Cineteca San Pedro
5. Festival Cultural Tijuana Interzona dentro de la 4ta Muestra de Cine Fronterizo de Cineteca Tijuana
lunes, 5 de diciembre de 2016
- Mezcla de realidad con fantasía, El enigma de los seis lunares cuenta la historia de un niño inmerso en el ambiente cinematográfico de principios de los setenta
- El evento contará con la presencia del autor, Elisa Lozano y Agustín Gendron en la Sala 4 a las 19:00 horas
Hijo del reconocido productor que llevó a cabo una serie de películas de luchadores y ciencia ficción bajo el sello de Producciones Fílmicas Agrasánchez a finales de los años setenta, Rogelio Agrasánchez Jr. ha vivido rodeado del quehacer cinematográfico desde su niñez. Ahora, sumándose a su labor como investigador y curador, su primera novela de ficción le da la bienvenida al mundo de las letras.
El enigma de los seis lunares, relato imaginativo fundamentalmente autobiográfico, será presentado en la Cineteca Nacional el martes 6 de diciembre por su autor, acompañado por la historiadora de arte Elisa Lozano y del autor de Durango: Filmes de la tierra del cine, Agustín Gendrón. El evento tendrá lugar en la Sala 4, Arcady Boytler, a las 19:00 horas.
El alter ego de Agrasánchez Jr. en el texto se llama Quintín: un niño vivaz y creativo que viaja con su familia al pueblo de La Magdalena, cerca de la Ciudad de México, en donde se nutre de las historias de alienígenas y de fantasmas que relatan sus habitantes. Además, es ahí donde conoce el amor: su fascinación con Angelita será un factor importante para que el chico pierda poco a poco la inocencia.
La producción de películas de su padre es un ambiente prominente, que se empapa de la magia del cine y sus escenarios fantásticos. Asimismo, notables personalidades de la industria de la época —como el Santo, los directores de cine Chano Urueta y Federico Uriel Pichirilo y la vedette Emily Cranz— son personajes que interactúan con el joven Quintín y que aportan a su crecimiento emocional.
Diseñado por Avelino Sordo y editado por Tres Piedras Publishers, el libro está pensado para un público nostálgico. “Está dirigida al lector que gusta ver mezclada la realidad con la fantasía y también a quien se interesa por las décadas de los sesenta y setenta. Mi deseo es que la novela sea como un platillo bien sazonado, que en cada página haya algo especial que saborear”, declaró el autor en entrevista para el blog oficial del Archivo Fílmico Agrasánchez.
miércoles, 30 de noviembre de 2016
- Más de 900 piezas entre proyecciones, objetos originales, fotografías, vestuario y más, se podrán apreciar en Stanley Kubrick: La exposición a presentarse en
La Galería
- La muestra llega a la Ciudad de México en colaboración con el Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main y con el apoyo de The Stanley Kubrick Archive, University of the Arts London y Warner Bros. Entertainment
- Se incluye la más completa retrospectiva en formato digital del realizador estadounidense, a exhibirse desde el 2 de diciembre
- Un simposio, una charla magistral, un curso y charlas, son parte del programa de actividades paralelas a la magna exhibición internacional
- También se realizó una re-edición en español del catálogo original de la muestra con material fotográfico e información de las diferentes etapas y proyectos del cineasta
Pocas filmografías como la de Stanley Kubrick en la que se cuelan tan extraordinarias visiones. En sus películas, lo mismo desfilan hordas que evocan el umbral de nuestra especie, que las brutales fechorías de una pandilla de sociópatas, los delirios asesinos de un escritor desquiciado o la cadena de pasajes sexuales que arroja una desenfrenada orgía ritualizada. Su cine, hecho sin trabas ni pudor, es hoy objeto de admiración y constituye un legado difícil de igualar.
Con el propósito de rendir homenaje al genio y obra del cineasta estadounidense, la Cineteca Nacional en colaboración con el Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan, The Stanley Kubrick Archive, University of the Arts London, con el apoyo de Warner Bros. Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Industries Inc., Metro Goldwyn Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc. y SK Film Archives LLC y el Museo del Palacio de Bellas Artes, abre las puertas de La Galería a Stanley Kubrick: La Exposición, un periplo por el mundo tan genuino como deslumbrante de este influyente realizador.
Tras presentarse en ciudades como San Francisco, Monterrey, Seúl, Toronto, Cracovia, São Paulo, Los Ángeles, Ámsterdam, París, la muestra llega a los cuatro niveles que comprenden La Galería de la Cineteca Nacional. Del 1 de diciembre al 29 de mayo de 2017, se podrá apreciar la obra completa del director incluyendo aspectos de su proceso creativo, sus aportaciones al arte cinematográfico, así como los proyectos que nunca pudo concretar.
La curaduría es por cuenta de Hans Peter Reichmann, curador en jefe de la exposición y Tim Heptner co-curador y gerente internacional de la misma. Ambos son representantes del Deutsches Filmmuseum. Además, el crítico e investigador Juan Arturo Brennan y José Antonio Valdés, Subdirector de Información de la Cineteca, figuran como co-curadores para la versión que albergará La Galería.
A diferencia de las ediciones pasadas en las que el diseño ha seguido una línea más clásica, la versión para la Ciudad de México pretende llevar al público por los diferentes mundos de Kubrick a través de ambientaciones escenográficas fieles a la esencia de cada una de sus películas, apoyándose para ello de elementos de iluminación, instalación y video.
La exhibición está conformada por 16 secciones, entre las que destacan “Lolita”, “Naranja mecánica”, “Cara de guerra”, “El resplandor” y “Ojos bien cerrados”; y contempla proyecciones de gran formato, objetos originales, guiones, maquetas, documentos personales, fotografías, vestuario y más, que forman parte de la colección particular de la familia Kubrick y de coleccionistas privados.
El recorrido se remonta a los orígenes del artista en la fotografía, quien con apenas 17 años se desempeñó como reportero gráfico para la revista Look. Repasa su incursión en los cortometrajes y luego en el largometraje con Fear and desire (1953), para después mostrarnos sus mejores filmes con películas como Casta de malditos (1956), Patrulla infernal (1957), Espartaco (1960) y Lolita (1962), producciones con las que alcanzó su consolidación como un gran autor cinematográfico.
Este trayecto asombroso depara momentos inolvidables para los visitantes, sobre todo al llegar a los módulos dedicados a los filmes más famosos del director neoyorquino. Así, el encuentro con el Star child o el Moonwalkerutilizados en la filmación de 2001: Odisea del espacio, supone un cruce apasionante por el mundo de este filme crucial para el género de la ciencia ficción. Lo mismo a la hora de apreciar los atuendos originales de películas como Barry Lyndon y Naranja mecánica.
Se trata pues de una ocasión insustituible para apreciar elementos icónicos del universo kubrickiano. Otros ejemplos son el famoso casco de Cara de guerra y su inolvidable leyenda “Born to kill”, el hacha con la que el enloquecido escritor Jack Torrance quiso asesinar a su esposa, junto a objetos personales del cineasta como su silla de director, una cámara Graflex que data de sus orígenes como fotógrafo para la revista Look, además del guión y tarjetero de la investigación realizada para la película nunca filmada sobre Napoleón.
En el marco de esta magna muestra en La Galería, se ha preparado una retrospectiva programada en colaboración con la distribuidora internacional Park Circus, que presentará en formato digital todas las películas realizadas por Kubrick. Los 16 filmes, tanto cortos como largometrajes, se exhibirán del 2 al 18 de diciembre,con dos funciones por título. Además, se reestrenarán las películas más reconocidas de este director. Así, en enero de 2017 la cartelera de Cineteca incorporará 2001: Odisea del espacio y Lolita, en febrero Barry Lyndon y Cara de guerra, en marzo El resplandor y Ojos bien cerrados, y finalmente en abril Naranja mecánica y Dr. Insólito.
La celebración al legado de este realizador también incluye una serie de actividades alternas, abriendo con una charla especial entre Jan Harlan, cuñado y productor de sus más representativas películas, Katharina Kubrick, hijastra del fallecido cineasta y Juan Arturo Brennan, cineasta, académico y especialista en Kubrick, quienes compartirán aspectos relacionados con la vida y labor creativa del artista el 1 de diciembre a las 19 horas en la sala 1, Jorge Stahl (entrada libre con boleto en taquilla).
Por otra parte, en colaboración con la University of the Arts London el 7 de febrero se impartirá el simposio “En el archivo: revisando a Kubrick”. El evento explorará las maneras en que la muestra arroja luz en torno a las prácticas que sustentan la producción de películas e inspiran nuevo trabajo creativo. En febrero, Juan Arturo Brennan impartirá el curso “El cine de Stanley Kubrick”, cuyo objetivo será analizar la obra y el estilo de este maestro de la cinematografía contemporánea.
También se tiene planeada una serie de charlas de especialistas y cineastas nacionales quienes comentarán la obra del también productor y guionista. Entre los participantes se puede mencionar a Paula Pellicer, quien hablará sobre las Lolitas de Nabokov y de Kubrick, y a Francisco Peredo quien conversará acerca del filme Espartaco, entre otros.
miércoles, 23 de noviembre de 2016
- De manera personal e inmersiva, Bertrand Tavernier rinde homenaje a los realizadores que lo han inspirado a lo largo de su carrera
La tradición cinematográfica en Francia es vasta. Hablamos de todo un siglo de historia que debe ser narrada con detenimiento, y, en Un viaje a través del cine francés (Voyage à travers le cinéma Français, 2016), el cineasta Bertrand Tavernier tomó el tiempo necesario —poco más de tres horas— para llevar a cabo esta retrospectiva del cine de su país, en un documental que será exhibido como parte de su 61 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, del 23 al 28 de noviembre en la sala 1, Jorge Stahl.
Tal como lo declaró el también guionista y productor en una entrevista para el diario El País, el filme es "un trabajo de ciudadano y de espía, de explorador y de pintor, de cronista y de aventurero" en el que repasa, de manera sinuosa y con criterios personales, la obra de un grupo selecto de realizadores que han influido en él. No estamos ante un documental convencional, no es un estudio ni un ensayo académico, sino la mirada de un artista que desde siempre ha vivido con el cine.
Jean Renoir, Robert Bresson y Jean-Pierre Melville —con quien Tavernier trabajó como asistente— son solo algunos de los autores que tienen un espacio en este homenaje, que el realizador calificó prácticamente como una autobiografía: "Lo que quise hacer es una película que hable de lo que yo siento frente a ciertas películas y además confrontar eso con ciertos recuerdos de adolescencia y juventud".
Es tanta la experiencia de Tavernier en la materia que aquí es capaz de narrar, desde su invención, los capítulos más importantes de un cine que abarca todos los estilos, pasando por el melodrama, la comedia y la época cumbre del film noir; además de los momentos más críticos de la industria francesa.
La recapitulación que logra es tan personal como extensa: con 582 extractos de 94 películas y más de 750 notas de prensa y documentos consultados, fueron necesarios seis años de investigación y 80 semanas de montaje para finalizar el largometraje. La mayor parte del material fue reunido gracias a la coproducción de las dos compañías más antiguas en Francia: Gaumont y Pathé.
Por si fuera poco, una serie de televisión complementaria está en proceso de producción; con 10 episodios de una hora cada uno, el cineasta buscará reivindicar aquellos momentos y autores que no fueron incluidos en el documental. Con este homenaje, el francés pretende ir más allá de los cineastas y darle un lugar a todos aquellos que han contribuido al desarrollo fílmico en su país. Personalidades como el actor Jean Gabin, los músicos Maurice Jaubert y Joseph Kosma o el decorador Alexandre Trauner son también dignos de su admiración.
Críticos como Jordan Mintzer de The Hollywood Reporter alaban el filme recopilatorio, señalando que desmiente la idea que popularmente se tiene del cine francés, visto como un arte individualista y autoritario por parte de sus directores.
Bertrand Tavernier es tanto cineasta como cinéfilo y no es ajeno a realizar documentales, pues a través de éstos ha tocado temas tan variados como la guerra entre Francia y Argelia en los años cincuenta o el movimiento migratorio en la ciudad de Lyon. Con seis décadas de trayectoria como crítico, guionista y director, un Premio BAFTA y cuatro Palmas de Oro, pocos están calificados como él para realizar Un viaje a través del cine francés.
viernes, 18 de noviembre de 2016
- A través de la subversiva cinta Quizá siempre sí me muera, el cineasta fue recordado por amigos y familiares
- Fritz rompió con los valores establecidos por la sociedad mexicana: Luis Kelly
Como un cineasta audaz y con una gran pasión fue recordado Federico Weingartshofer, también conocido como Fritz. En un ambiente de cierta nostalgia, la vida y obra del director recientemente fallecido fue comentada con entusiasmo por familiares, amigos y alumnos. La charla tuvo lugar tras la proyección de su primer largometraje, Quizá siempre sí me muera (1970), este jueves 17 de noviembre en la Sala 9, Juan Bustillo Oro.
Luis Kelly, director y productor alumno de Weingartshofer, presentó la primera de cuatro funciones que serán dedicadas a su maestro. “Es arriesgada, rompió con los valores establecidos por la sociedad”, comentó sobre la película. Aseguró que el realizador hizo frente a la censura que se vivía en su época, cuando emergieron diversos movimientos sociales en todo el país.
Durante la plática, Kelly estuvo acompañado por Patricia Coronado, productora y expareja de Fritz, además de C’Cañak Weingartshofer, hijo de ambos, quien de igual forma alabó el carácter innovador de su padre: “Siempre tuvo ideas progresistas y buscaba experimentar con cada uno de sus trabajos”.
Quizá siempre sí me muera narra la historia de un anarquista que aspira a ser escritor, sumergiéndonos en los delirios del joven. Se trata del trabajo final que el director presentó al egresar del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM. Significa el inicio de una prominente trayectoria en la que fue también productor, fotógrafo y guionista en más de 180 proyectos entre ficciones, documentales, programas culturales e infantiles.
Por su parte, Coronado compartió con el público datos sobre su participación como productora. Detalló con orgullo las labores en las que intervino e incluso confesó que el rodaje tuvo que ser repetido en su totalidad, pues el material se dañó en el laboratorio de revelado.
Sin embargo, explicó, esto no fue de gran importancia para el grupo de jóvenes realizadores encabezados por Fritz, que con más pasión que recursos, sacaron adelante el proyecto. Aprovechó la presencia de algunos de sus alumnos para comentar, con cierta ironía, que en aquella época los estudiantes de cine debían trabajar con más rigor y disciplina, pues la tecnología y los recursos eran limitados, y que ahora las tareas de producción se hacen de forma mucho más relajada.
De entre los asistentes, surgió la duda de cuál era la opinión de Weingartshofer sobre su primer filme. De manera afectuosa, los tres presentadores coincidieron en que, a cuarenta años de su realización, el cineasta no hubiera cambiado nada del proyecto, pues desde un principio se entregó a su labor y la realizó siempre con vehemencia. “El cine lo haces con amor, a pesar incluso de ti mismo”, sentenció Patricia Coronado.
El homenaje a Federico Weingartshofer continuará el próximo jueves 24 de noviembre en punto de las 18:00 horas, con la proyección de Caminando pasos, caminando (1977), que nuevamente será presentada por Patricia Coronado en compañía de Mitl Valdés. La entrada es libre al presentar en sala el boleto de cortesía disponible en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
jueves, 17 de noviembre de 2016
miércoles, 16 de noviembre de 2016
- El séptimo filme de Asghar Farhadi explora las relaciones humanas a partir del colapso de un joven matrimonio
Desalojar su departamento por estar en riesgo de colapsar fue el detonador que sirvió a Asghar Farhadi para la creación de su más reciente entrega. Especialista de la naturaleza humana, el cineasta regresa a su nativa Irán con actores ya recurrentes en su cine para filmar su séptimo largometraje, que explora nuevamente la relación entre un hombre y una mujer, una pareja de actores que ensaya Muerte de un viajante, de Arthur Miller, interpretando a Willy y Linda Loman, respectivamente.
Ganadora a Mejor Guión en el pasado Festival de Cannes, la cinta El cliente (2016), escrita por el propio realizador originario de Khomeyni Shahr, se suma a la programación de la 61 Muestra Internacional de Cine y se podrá disfrutar del 15 al 20 de noviembre en la Sala 3, Fernando de Fuentes.
Todo parece transcurrir tranquilamente, dentro de lo que implica una mudanza inesperada, cuando el nuevo hogar de la pareja se ve ultrajado por un incidente —plasmado con una sutilidad que no revela nada concreto para el espectador— que poco a poco comienza a habitar cada rincón de sus vidas.
“Cuando una película cuenta la historia de una familia, la casa, obviamente, tiene un papel importante. De nuevo, como en mis películas pasadas, la casa y la ciudad juegan un rol central”. Así lo expresó Farhadi en la conferencia de prensa celebrada en Cannes el pasado mes de mayo.
El incidente, la irrupción de un desconocido al departamento al que se acaban de mudar, hace suponer a Emad (Shahab Hosseini, ganador a Mejor Actor en Cannes) que su mujer fue violada, suposición que se volverá el principal punto de tensión de la cinta. Paulatinamente, la ira, la impotencia, el deseo de venganza y el reconocimiento de una humillación que debilita su condición de hombre, se irán apoderando de Emad hasta llevarlo a tomar decisiones que sorprenderán al espectador.
Elegida para representar a Irán en los Premios de la Academia del próximo año, El cliente logra construir suspenso en un espacio íntimo, como lo es el hogar, que resulta violentado. La consecuencia es una revelación del verdadero vínculo entre sus habitantes, una relación colapsada mucho antes que su primer hogar, el edificio que tienen que abandonar. Farhadi elabora una minuciosa y delicada metáfora de un matrimonio que se estaba cayendo a pedazos sin que los protagonistas se dieran cuenta.
En su crítica para El País, Carlos Boyero expresó que Farhadi “describe todo esto de forma sutil, consciente de la complejidad del ser humano y la mezcla de sentimientos cuando se enfrenta a situaciones límite. Esa comprensión no le impide la dureza ni la lucidez. Siempre sales tocado en su cine. Te perturba lo que te ha contado, su lenguaje es de primera clase.”
lunes, 14 de noviembre de 2016
- El italiano Gianfranco Rosi presenta la cotidianidad en la isla de Lampedusa donde sus habitantes se convierten en testigos del incesante flujo de migrantes
La isla de Lampedusa es el punto más meridional de Italia y desde 1990 se ha convertido en un lugar de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. En poco más de 20 años, cerca de 20,000 personas han perecido durante la travesía para alcanzar lo que supone una vía de entrada a Europa.
Es en ese contexto que transcurre Fuocoammare: Fuego en el mar (2016), el impactante documental del realizador Gianfranco Rosi que formará parte de la 61 Muestra Internacional de la Cineteca Nacional, exhibiéndose del 13 al 18 de noviembre en la Sala 2, Salvador Toscano. El quinto trabajo de Rosi es un retrato de la vida cotidiana en Lampedusa, donde sus habitantes son testigos del flujo diario e incesante de embarcaciones atestadas de migrantes que aspiran a llegar al viejo continente buscando escapar de la guerra y el hambre.
Durante su recorrido, el director contó con un particular guía que adquirió cierto protagonismo en el relato; Samuele, un intrépido adolescente de 12 años que lleva una vida común: va a la escuela, le gusta divertirse e ir de caza. Sin embargo, el joven y su familia, bien asentados en la isla, representan la contraparte de la historia. El cineasta nos muestra lo que ellos no ven en su cotidianidad: hombres, mujeres y niños que continuamente luchan para sobrevivir en lo que para Samuele es un hogar.
El chico no fue el único colaborador en el proyecto. También participó el doctor Pietro Bartolo, quien forma parte del personal sanitario que examina a los refugiados a su llegada. “Cuando le pregunté por qué Lampedusa es un lugar tan generoso, me respondió que es una isla de pescadores y que los pescadores siempre aceptan todo lo que llega por el mar. Ésa es una gran lección que aprender”, declaró el cineasta ante los medios al recibir el Oso de Oro a Mejor Película en la Berlinale.
Narrativamente Fuocoammare: Fuego en el mar es una película pausada y de un estilo contemplativo, y el rodaje se llevó a cabo con ese mismo esmero y detenimiento. Al igual que en sus trabajos anteriores, la fotografía corre a cargo de Rosi en persona, quien se instaló en la isla durante más de un año para obtener suficiente material y así poder capturar la llegada masiva de refugiados al lugar.
"La poesía aquí es un arma política. Fuocoammare: Fuego en el mar nos trastorna y nos conmueve. Sin ruido, cosecha con benevolencia una historia extraña y dolorosa que nos concierne a todos, de manera terriblemente íntima", describió la cinta Vincent Thabourey, de la revista Positif, en su edición del mes de octubre.
Luego de pasar su juventud en Italia, Gianfranco Rosi se mudó en 1985 a Nueva York, donde realizó sus estudios en cine. Su primer largometraje, Boatman (1993), fue proyectado en diversos festivales. En 2013 obtuvo el León de Oro a Mejor Película en la Muestra de Venecia por su documental Sacro GRA. Con Fuocoammare ha sido seleccionado para representar a Italia en la categoría de Mejor Película de Lengua Extranjera en la próxima edición de los Premios de la Academia.
jueves, 20 de octubre de 2016
- Se proyectará el documental The art of sharing movies, dedicado a la carrera del editor de la publicación
- El lobby de la Sala 4 albergará una muestra con textos y portadas de la revista alusivas a su Top 10 de películas de la década de los 2000
El florecimiento cinematográfico que se dio en la Francia de los sesenta, además de la irrupción avasallante de la Nueva Ola de Godard, Truffaut y compañía, se vio fuertemente expuesta por el trabajo periodístico de dos grandes revistas: Cahiers du cinéma y Positif. Mientras que la primera se distinguió por su polémica y sus plumas apasionadas, Positif siempre ha guardado un perfil estable y fielmente adherido a sus ideales de izquierda, en donde el análisis del cine está abierto tanto a los escritores reconocidos como a los críticos emergentes en el medio.
Para celebrar su importante aportación a la cultura cinematográfica, así como su aniversario 64, la Cineteca Nacional entregará un reconocimiento a quien ha sido el editor de esta publicación desde 1966, Michel Ciment. El homenaje incluye la proyección del documental Michel Ciment: The art of sharing movies (Simone Lainé, 2009), que será presentado por el propio crítico francés el jueves 20 de octubre a las 19:00 horas en la Sala 4, Arcady Boytler.
Con el objeto de exponer la trayectoria de Ciment —que, entre sus tantos logros, incluye la Orden Nacional del Mérito francesa, la Legión de Honor y la dirección de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (FIPRESCI)-, la película explora la rivalidad ideológica entre Cahiers du cinéma y Positif e incluye entrevistas con Quentin Tarantino, Atom Egoyan, Wim Wenders y Arnaud Desplechin.
Asimismo, se montará una exposición en la Sala 4 que refleje los momentos destacados de Positif a lo largo de su historia. La muestra incluirá fragmentos de textos escritos por importantes realizadores, así como una sección de ocho portadas dedicada a la lista “10 mejores películas del decenio del 2000”, con las ediciones en las que aparecieron las críticas que corresponden a dichas películas, elegidas por el comité de redacción de la revista.
Michel Ciment ha publicado estudios notables sobre cineastas internacionalmente trascendentales como Elia Kazan en su libro Kazan par Kazan (1973), Theo Angelopoulos en su título homónimo (1989) y Fritz Lang en Fritz Lang: le meurtre et la loi (2003). De igual manera, reunió entrevistas acerca de reconocidos directores europeos que viajaron para trabajar en Hollywood en Passeport pour Hollywood: entretiens avec Wilder, Huston, Mankiewicz, Polanski, Forman, Wenders (1992).
Entre estas publicaciones, la más reconocida es la que dedicó al maestro del cine británico Stanley Kubrick en 1980. Simplemente titulado Kubrick, el libro recopila análisis de las películas que había hecho hasta el momento; tres entrevistas con el director mismo, así como con sus actores, miembros de su equipo técnico y otros colegas. La resistencia del autor de 2001: Odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968) a hablar con la prensa era bien conocida, pero el crítico francés logró ganarse su confianza.
“No sé por qué. Creo que él tenía un texto mío traducido de 1968 —un largo ensayo que hice sobre el trabajo de Kubrick. Fue probablemente el primer ensayo en Francia que trató de mostrar las facetas de la obra de Kubrick y las conexiones entre todos sus filmes. La gente siempre fue escéptica acerca de la unidad de su trabajo; él cambiaba todo el tiempo, su estilo y su forma y demás. Yo estaba en la lista de personas que él aprobó para dar entrevistas sobre Naranja mecánica. Le gustaba lo que yo hacía”, comentó Ciment para Filmmaker.
lunes, 10 de octubre de 2016
Brad Pitt y Marion Cotillard por primera vez juntos,
en una película dirigida por Robert Zemeckis, ganador del Óscar.
En medio de la Segunda Guerra Mundial, el oficial franco canadiense Max Vatan (Pitt) y la agente francesa Marianne Beausejour (Cotillard),
deberán trabajar juntos en el Norte de África, como parte de una misión encubierta en la que fingen ser un matrimonio.
Tras verdaderamente enamorarse y casarse, Max es puesto a prueba para descubrir si Marianne, su propia esposa, es un espía nazi.
El misterio, acción y drama de esta excelente cinta cuenta también con las actuaciones de
Jared Harris, Lizzy Caplan y Matthew Goode, bajo un guíon de Steven Knight.
- Bajo una óptica historicista, el doctor Aurelio de los Reyes establecerá una revisión panorámica de esta corriente con cintas muy poco vistas en México
- Inscripciones abiertas hasta el 19 de octubre o hasta completar aforo
El Siglo XX dio a la humanidad una amplia gama de motivos para la creación. La guerras, en definitiva, fueron parte uno de ello. Muchas de las artes, entre ellas el cine, reaccionaron ante estos eventos creando verdaderas obras maestras. En Italia, y como efecto de la posguerra, el cine de propaganda auspiciado por el fascismo se vio renovado por un cine de compromiso ético y real. Es al influyente director italiano Umberto Barbaro a quien le debemos el término “neorrealismo italiano”. El también crítico y ensayista, apegado al realismo poético literario, aseguraba que este cine exploraba nuevas formas de observar la realidad, donde la cotidianidad era descrita con la sensibilidad característica de la poesía.
Para establecer una revisión panorámica e intertextual de esta corriente del cine, el Departamento de Extensión Académica de la Cineteca Nacional en colaboración con la Academia Mexicana de la Historia presenta el curso El neorrealismo italiano: antecedentes, que se llevará a cabo los miércoles de 18:00 a 21:00 horas, del 19 de octubre de 2016 al 17 de mayo de 2017.
El curso será impartido por Aurelio de los Reyes, doctor en Historia por El Colegio de México y miembro de la Academia Mexicana de la Historia y del Seminario de Cultura Mexicana. A lo largo de 26 sesiones, de tres horas cada una, se revisarán más de 30 cintas imprescindibles para comprender esta corriente. Lo más destacable del curso es que de los Reyes abordará cada sesión a partir de sus propias fuentes, es decir, buscando en qué se basa y de dónde partió el neorrealismo. Esto se hará con la exhibición de películas y fragmentos de cintas muy poco vistas y proyectadas en el país.
Para poder entender los antecedentes del neorrealismo italiano desde una visión panorámica, también se revisarán cintas del cine soviético, del cine social estadounidense de los veinte y los treinta y del realismo poético francés, fuentes básicas de la corriente a estudiar, permitiendo así una intertextualidad en la historia del séptimo arte.
El curso iniciará con la proyección de Roma, cittá aperta (1945) de Roberto Rossellini, considerada la primera cinta del neorrealismo italiano debido al éxito que tuvo en el Festival de Cannes, posicionado esta corriente a nivel mundial. Rossellini definió al neorrealismo italiano como una actitud moral, ya que este movimiento fue el resultado de la necesidad – reprimida durante tantos años– de retratar la realidad de manera clara y directa. De esta manera se mostraban condiciones sociales más auténticas y humanas, en oposición al melodrama y al filme histórico grandilocuente.
Las sesiones están divididas en temáticas y ejes de análisis. Así, gran parte de noviembre estará dedicado al sentido coral, es decir, a las obras que tienen un protagonista coral o colectivo. En estas sesiones se analizarán cintas comoSole (1928) de Alessandro Blasetti, El acorazado Potemkin (1926) de Sergei Eisenstein y El chiquillo (1921) de Charles Chaplin.
El realismo poético francés se hará presente en tres sesiones con Marcel Carné y Jean Renoir. Enero estará dedicado al cine norteamericano en dos facetas: el cine social y el cine negro, con obras como El delator (1935) de John Ford yCara cortada (1932) de Howard Hawks.
Las siguientes sesiones estarán dedicadas principalmente a autores italianos, divididos en los siguientes ejes temáticos: “Entre un cine nacional y un cine nacionalista de propagada fascista”, “La era Cinecittà”, en donde se abordarán los filmes principales producidos en este complejo creado en un intento por competir con los estudios de Hollywood; y “Teléfono blanco”, etapa del cine italiano con películas de corte estrictamente comercial y en las cuales la presencia de un teléfono blanco vendía la idea (falsa) de bienestar social.
Aurelio de los Reyes también es doctor en Letras por la UNAM y es autor de más de veinte libros, la mayor parte sobre el período mudo del cine mexicano. Asimismo, es becario Guggenheim y de la Fundación Rockefeller en el Centro de Estudios de Bellagio. Fue ganador del Premio Jean Mitry en Le Giornate del Cinema Muto de Pordenone, el reconocimiento internacional más alto a un investigador del cine mudo.
martes, 4 de octubre de 2016
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