El séptimo filme de Asghar Farhadi explora las relaciones humanas a partir del colapso de un joven matrimonio
Desalojar su departamento por estar en riesgo de colapsar fue el detonador que sirvió a Asghar Farhadi para la creación de su más reciente entrega. Especialista de la naturaleza humana, el cineasta regresa a su nativa Irán con actores ya recurrentes en su cine para filmar su séptimo largometraje, que explora nuevamente la relación entre un hombre y una mujer, una pareja de actores que ensaya Muerte de un viajante, de Arthur Miller, interpretando a Willy y Linda Loman, respectivamente.
Ganadora a Mejor Guión en el pasado Festival de Cannes, la cinta El cliente(2016), escrita por el propio realizador originario de Khomeyni Shahr, se suma a la programación de la 61 Muestra Internacional de Cine y se podrá disfrutar del 15 al 20 de noviembre en la Sala 3, Fernando de Fuentes.
Todo parece transcurrir tranquilamente, dentro de lo que implica una mudanza inesperada, cuando el nuevo hogar de la pareja se ve ultrajado por un incidente —plasmado con una sutilidad que no revela nada concreto para el espectador— que poco a poco comienza a habitar cada rincón de sus vidas.
“Cuando una película cuenta la historia de una familia, la casa, obviamente, tiene un papel importante. De nuevo, como en mis películas pasadas, la casa y la ciudad juegan un rol central”. Así lo expresó Farhadi en la conferencia de prensa celebrada en Cannes el pasado mes de mayo.
El incidente, la irrupción de un desconocido al departamento al que se acaban de mudar, hace suponer a Emad (Shahab Hosseini, ganador a Mejor Actor en Cannes) que su mujer fue violada, suposición que se volverá el principal punto de tensión de la cinta. Paulatinamente, la ira, la impotencia, el deseo de venganza y el reconocimiento de una humillación que debilita su condición de hombre, se irán apoderando de Emad hasta llevarlo a tomar decisiones que sorprenderán al espectador.
Elegida para representar a Irán en los Premios de la Academia del próximo año, El cliente logra construir suspenso en un espacio íntimo, como lo es el hogar, que resulta violentado. La consecuencia es una revelación del verdadero vínculo entre sus habitantes, una relación colapsada mucho antes que su primer hogar, el edificio que tienen que abandonar. Farhadi elabora una minuciosa y delicada metáfora de un matrimonio que se estaba cayendo a pedazos sin que los protagonistas se dieran cuenta.
En su crítica para El País, Carlos Boyero expresó que Farhadi “describe todo esto de forma sutil, consciente de la complejidad del ser humano y la mezcla de sentimientos cuando se enfrenta a situaciones límite. Esa comprensión no le impide la dureza ni la lucidez. Siempre sales tocado en su cine. Te perturba lo que te ha contado, su lenguaje es de primera clase.”
El regreso de Vin Diesel como Xander Cage, alias “XXX”, está cargado de acción, velocidad, adrenalina y mucho riesgo, ya que el aficionado a deportes verdaderamente extremos y espía del gobierno, tendrá que reunir a un equipo de adictos a la adrenalina como él para detener una amenaza mundial. Con las actuaciones de Samuel L. Jackson, Ruby Rose, Nina Dobrev, Rory McCann, Toni Collette y Donnie Yen, esta cinta cuenta con la participación especial del futbolista brasileño Neymar, y está dirigida por DJ. Caruso.
El director argentino reconoció que no traicionarse y ser honesto consigo mismo ha sido la clave para la alcanzar el éxito
En honor a una extensa trayectoria no sólo como director, sino también como asistente y guionista en más de una veintena de producciones internacionales, el cineasta argentino Adolfo Aristarain recibió la Medalla Cineteca Nacional la noche de este martes 25 de octubre.
“No traicionarme y ser honesto conmigo mismo”, reconoció el realizador como la clave de su éxito. En una solemne ceremonia que tuvo lugar en la Sala 9, Juan Bustillo Oro, invitados especiales, medios de comunicación y público general le brindaron una afectuosa ovación. El director confesó ser de pocas palabras al ofrecer un breve discurso, aunque en todo momento se mostró agradecido por el recibimiento.
“Quería expresar el orgullo que siento y el agradecimiento por la retrospectiva, que en sí ya era un gran premio, y por la medalla, que es un gran plus: algo más que realmente no esperaba”, declaró Aristarain con modestia.
Manifestó particular gratitud hacia la Cineteca Nacional, en primer lugar por la labor de recuperación de sus cintas para la retrospectiva; en segundo, por el texto que fue leído por el director de Programación y Difusión, Nelson Carro, momentos antes de la premiación y sobre el cual Adolfo bromeó asegurando que “dice de mí cosas maravillosas... y falsas”.
La Medalla fue entregada por el embajador de Argentina en nuestro país, Daniel Chuburu, y por Alejandro Pelayo, director general de la Cineteca, quien señaló que, lejos de cualquier discurso, lo más importante se encuentra en la pantalla, invitando al público a disfrutar de las películas del realizador.
El argentino dedicó el galardón a su esposa y co-guionista Kathy Saavedra, a quien mencionó cariñosa y humorísticamente (“No sé cómo ha hecho para aguantarme y no echarme de la casa”), así como a su colega, el español Mario Camus, a quien reconoció como mentor en los inicios de su carrera.
El evento concluyó con la proyección de Un lugar en el mundo (1992), uno de sus filmes más exitosos, ganador del Goya a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana y del máximo premio del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El filme presenta los recuerdos de Ernesto, un joven que narra con nostalgia la lucha de sus padres para mejorar la calidad de vida de su pueblo natal.
Adolfo Aristarain se convirtió en el tercer galardonado con la Medalla Cineteca Nacional, que fue instituida en 2015 para rendir homenaje a directores extranjeros cuya carrera haya tenido un impacto internacional. Las primeras dos medallas fueron dedicadas a los cineastas Costa-Gavras y Atom Egoyan.
El bonaerense de 72 años ha trabajado en la industria desde mediados de los sesenta, cuando decidió llevar su cinefilia a la práctica y desempeñarse como asistente en diversas producciones en su país y en Europa, para después iniciar su propia trayectoria como director, destacando en un principio dentro del género policiaco.
La Retrospectiva Adolfo Aristarain continuará hasta el 6 de noviembre. La Cineteca proyectará en 35mm diez de sus largometrajes, así como los ocho episodios de la serie que dirigió para Televisión Española en 1986: Pepe Carvalho. Las funciones hasta el 28 de octubre contarán con la presencia del cineasta, quien compartirá opiniones para aprovechar el acercamiento que pocas veces ha tenido con la audiencia de nuestro país.
Según Carlos Martínez Assad, la película de Roberto Gavaldón es una pieza moderna y pionera en su género, en la que deslumbra la figura de María Félix
Al hablar de la novela negra, y en particular de su adaptación al cine en nuestro país, es imprescindible referirnos al gran trabajo realizado por Roberto Gavaldón en La diosa arrodillada (1947). En palabras de Carlos Martínez Assad, se trata de una película que marcó la pauta para el desarrollo del film noir mexicano; es una obra que se distingue por la modernidad que refleja y por su gran calidad dramática, gracias a la impactante presencia de María Félix.
Esta fue la reflexión inicial del sociólogo y escritor durante su participación en Charlas sobre cine y literatura, en medio de un diálogo con el público que tuvo lugar este lunes 17 de septiembre en la sala 4, Arcady Boytler.
Organizado por la Coordinación Nacional de Literatura del INBA, la Dirección de Literatura de la UNAM y la Cineteca Nacional, el ciclo se lleva a cabo cada lunes y retoma obras de la literatura que han sido adaptadas a la pantalla, dentro del género de cine negro. En esta sesión, La diosa arrodillada ha sido comentada por el escritor, sociólogo, historiador, e investigador, en compañía de Raúl Miranda, subdirector de Documentación de la Cineteca.
“Estamos ante un gran clásico del cine nacional, por la dirección, por la forma de abordaje y porque fue el antecedente de la novela negra en México; vemos también el gran escritor que fue José Revueltas (guionista)”, comentó el académico sobre la cinta que narra la historia del millonario Antonio, quien obsequia a su esposa la escultura de una mujer desnuda, para después enterarse de que la modelo que posó para la pieza fue su amante, Raquel.
Otro aspecto que el ponente invitado destacó fue la modernidad del país en aquél entonces que se retrata en el filme: “es importante esta idea de lo moderno y lo que México ha alcanzado en la época del alemanismo”, refiriéndose por ejemplo a las escenas rodadas en los aeropuertos de la Ciudad de México y Guadalajara, o el Edificio Basurto de la Colonia Condesa.
Sobre el mismo tema, Raúl Miranda mencionó la modernidad de los elementos técnicos en la realización de la película, comparándola con El ciudadano Kane (Orson Welles, 1941). Además, recordó la eterna rivalidad que la actriz protagonista sostenía en la industria fílmica con Dolores Del Río, a lo que Carlos Martínez añadió: “ambas resultaron mujeres que no eran las de su época, fueron anacrónicas para su tiempo, fueron demasiado mundanas, demasiado modernas y libres”.
Sobre la figura de María Félix, añadió que “es absolutamente impresionante en la pantalla, era difícil no estar siempre seducido por su imagen; su presencia en esta película es muy fuerte y creo que va a ayudar sin duda al mito de la actriz”.
El escritor finalizó compartiendo con el público algunas anécdotas sobre la época en que se estrenó el filme, como el recibimiento negativo que tuvo por parte de la crítica debido a su contenido erótico. Inclusive, narró, la escultura que forma parte central de la historia fue robada y destruida por grupos que se oponían a la exhibición de la cinta, calificándola como “una exposición de vicios y crímenes, prohibidas por la moral cristiana”. Por otra parte, mencionó el gran éxito que ésta tuvo a nivel comercial y con el público en general.
El ciclo Charlas sobre cine y literatura continuará el próximo lunes 24 de octubre en punto de las 18:00 horas con la proyección de Que Dios me perdone (Tito Davidson, 1947), que será comentada por Bernardo Esquinca en la sala 4. La entrada es libre y las cortesías pueden solicitarse en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.
En ocasiones, el cine es más creíble que la realidad, comentó el director chileno al presentar su filme inspirado en hechos verídicos
Crédito: Carlos Pineda/Cineteca Nacional
Crédito: Carlos Pineda/Cineteca Nacional
A veces la vida cotidiana y la naturaleza misma del ser humano lo orillan a situaciones complejas que serían poco creíbles para la mayoría del público; por lo tanto en el cine esa realidad debe ser suavizada. Así explicó su obra el director chileno Alejandro Fernández Almendras en la proyección de Matar a un hombre (2014), llevada a cabo este 11 de octubre en la Sala 10, Luis Buñuel.
Emocionado por el interés del público mexicano, el realizador bromeó con los asistentes previo al inicio de la función, comentando que “se trata de una película bastante dura, que aprieta el estómago, así que siempre les digo que ojalá pasen un mal momento viéndola, esa es la idea; pasarla mal para disfrutarlo”.
Matar a un hombre, inspirada en hechos reales, narra la historia de un hombre de clase trabajadora y la forma en que toma venganza de un criminal que en repetidas ocasiones atacó a su familia. El filme lleva al espectador a plantearse el complejo dilema moral sobre hacer justicia por cuenta propia.
Fernández comentó que la cinta “es más creíble que la realidad”, pues el caso en que se basó tiene puntos aún más crudos que los mostrados en pantalla, como la negligencia que sufrió el protagonista por parte de las autoridades de Chile, por lo que dichas situaciones se encuentran moderadas en la historia. “Yo lo pongo en la película y la gente no lo creería, pensarían que estoy exagerando, fue brutal”, agregó.
Respecto a la temática del largometraje, señaló que “yo quería hablar de algo intrínsecamente moral, quería que la persona cargara sola con el peso de haber matado a alguien; muchas veces el problema de un crimen no es el crimen en sí, sino la socialización de la culpa y la justificación”.
Continuó explicando la importancia que tiene el criterio del espectador en su trabajo: “Tengo la ilusión de que intrínsecamente los seres humanos no tenemos ese instinto asesino, creo que cuando socializamos es que nos volvemos más salvajes; entonces eso es lo que hace la película, tiene esa decisión moral muy personal y pone al espectador en ese lugar, preguntándose qué haría si estuviera en esa situación”.
Al ser cuestionado por algunos asistentes sobre sus referencias cinematográficas, el realizador chileno comentó que “probablemente he tomado algunos fragmentos o escenas de otras cosas que he visto y me han gustado, pero no conscientemente, me gustan por ejemplo Tarkovski, De Palma y Hitchcock; aunque después empecé a seguir directores de muchos otros lados, pero siempre vuelvo a lo policíaco, que es lo que más me gusta”.
Estas referencias, sumadas a la crudeza del caso real y el cuestionamiento moral que Fernández busca transmitir, se conjugan en Matar a un hombre para crear una gran pieza cinematográfica. “Somos seres complejos, no nos movemos con líneas claras, y eso me gusta para el cine, es una fórmula que resulta divertida”, finalizó diciendo.
Con guiños a la obra de Wong Kar-wai, el cineasta chino Zhou Hao ilustra un triángulo erótico entre un travesti, una prostituta y un cliente enamorado
No pocos han sido los casos en que la visión de un cineasta rebase sus límites económicos. Las restricciones financieras no detuvieron a Rainer Werner Fassbinder para consolidar sus primeros cortometrajes, que sacó adelante gracias a sus colegas del teatro y al uso de fondos propios. Este modelo de producir películas sigue muy vivo y uno de los nuevos talentos en la escena cinematográfica de China sigue los pasos del alemán en algo más que la precariedad de sus inicios.
Con un presupuesto prácticamente nulo y con la ayuda de sus compañeros de escuela, el joven Zhou Hao realizó La noche (Ye, 2014), un relato erótico e introspectivo que se presentará en la Cineteca Nacional del 5 al 10 de octubre en el marco de la segunda entrega de Talento Emergente.
Al momento de concluir la producción del filme, el director chino tenía sólo 21 años y, dado al reducido número de recursos con los que contaba y a la naturaleza íntima de su relato, se encargó asimismo de interpretar el papel protagónico. Nardo es el pseudónimo con el que su personaje se enmascara ante la calle, siguiendo el acuerdo al que llega con la nueva prostituta de su barrio, Narciso, de llamarse con nombres de flores.
Como el apodo de la chica lo señala, el tema del narcisismo es uno de los ejes alrededor del cual gira la narración de La noche. Entre las secuencias callejeras y encuentros amorosos está intercalado el interminable duelo entre Nardo y su espejo: el joven se mira, se prueba distintas camisas, se baila, se coquetea y se evalúa en un ritual necesario para salir a dominar su mundo nocturno.
El símil entre Zhou Hao y Fassbinder ha sido referido por los pocos críticos que tuvieron la oportunidad de ver el filme en la sección Panorama del 64 Festival Internacional de Cine de Berlín o en el Festival de Cine Independiente de China del mismo año. Todos encontraron la cualidad disidente que distinguía al autor germano, así como el predominio de la temática sexual en sus argumentos y personajes.
De igual manera, la influencia del estilo de Wong Kar-wai es evidente por el lenguaje sensual, la narración en primera persona y el uso del espacio metropolitano como extensión de las reuniones carnales entre extraños. "Con una selección muy limitada de locaciones, un fuerte impacto visual y una serie de referencias (cinematográficamente, del Fassbinder de Querelle al hongkonés Wong Kar-wai; literariamente, una serie de autores de la mitología griega), demuestra perfectamente el metabolismo de manera personal", escribió Roberto Rippa para Rapporto Confidenziale.
La película fue grabada con tan sólo dos cámaras DSLR y, como resultado de ello, la fotografía de Yang Zhan Wen —quien también fungió como editor y sonidista— en el oscuro lugar de trabajo de Nardo y Narciso quedó teñida de un tono ámbar que, lejos de intentar un estilo sofisticado, refuerza la imagen ordinaria y cruda que caracteriza al trío de personajes y al lugar en donde viven.
Luego de su estreno en la Berlinale, en donde también estuvo nominada al Premio a la Mejor Ópera Prima, La nocheganó el Premio de la Crítica en el Black Movie Film Festival y fue nominada al Premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Cine de Hong Kong.
● Premiado en Cannes como mejor director, el realizador taiwanés ofrece una historia entre el amor y la disciplina de las artes marciales
El cine chino de artes marciales, también conocido como wuxia, es fácilmente identificado por sus complejas coreografías de acción que desafían la gravedad, agitan a la audiencia y resaltan un código de honor siempre necesario en un guerrero de la antigua China. La nueva propuesta de Hou Hsiao-Hsien es de un tono muy distinto.
La más reciente producción de este chino, premiado como mejor director en Cannes por La asesina, regresa a la Cineteca Nacional tras su paso por la 60 Muestra Internacional de Cine. La cinta podrá disfrutarse a partir del 30 de septiembre en salas de la Cineteca.
El filme se desarrolla en la China del siglo IX. A la edad de 10 años, Nie yin niang, hija de un general, es secuestrada por una monja para ser entrenada en artes marciales. Después de varios años se convierte en una extraordinaria asesina encargada de eliminar a los gobernadores corruptos de la región. Después de fallar una importante misión, su maestra le encomienda regresar a su lugar de origen para asesinar a un prominente blanco que la obligará a decidir entre el amor y la ancestral disciplina que ha regido su vida.
A pesar de contar con una trama sencilla, La asesina deja muchos elementos a la imaginación del público y no se detiene para aclarar cada paso del relato. Extraída de una novela de la lejana época de la dinastía Tang, se trata de una cinta más cercana al minimalismo que al espectáculo característico de las películas wuxia. El director optó por favorecer la escenografía con largos planos generales, capturados por la distinguida fotografía de Ping Bin Lee, e incluyendo muy pocos diálogos y escenas de acción, dejando la historia en segundo plano.
Al respecto, el cineasta taiwanés aclaró, en una entrevista con Xan Brooks, de The Guardian, que no consideraba a la trama como algo imprescindible y que su intención no era agradarle al público: “Yo no creo que la trama sea la única manera de apelar a la audiencia. La audiencia puede captar el mensaje de una película a través del paisaje, los personajes y los detalles”.
Ese estilo naturalista ya había estado presente en su obra de 1998 Flores de Shanghai (Hǎi Shàng Huā), de un ritmo pausado y meditativo. Sin embargo, sus trabajos anteriores habían dado más peso a la estructura dramática, como enThe Puppetmaster (Xi meng ren sheng, 1993), Ciudad del dolor (Bei qing cheng shi, 1989) y Los chicos de Fengkuei(Fēngguì lái de rén, 1983), el filme que lo puso en la vanguardia de la Nueva Ola de Cine Taiwanés.
“A ratos desconcertante, por una ambigüedad maliciosamente dosificada, La asesina es una cinta realmente novedosa incluso dentro del trabajo del propio Hsiao-Hsien. Una suma de sus constantes estéticas y exploración de una tradición narrativa y filosófica sólo en apariencia hermética, ciertamente fascinante”, expresó Carlos Bonfil en su crítica para La Jornada.
Robbie Collin, de The Telegraph, aplaudió la serenidad en el ritmo de la película. “Aunque La asesina tiene sus raíces en el cine de acción, Hou quiere bajar tu frecuencia cardiaca, no incrementarla. La banda sonora raramente es más compleja que un ritmo de tambor grave, que casi podría ser el latido controlado del corazón de la asesina”.
En una abarrotada Sala 1, el músico británico presentó el documental The occupation of the american mind, en compañía del productor ejecutivo Sut Jhally
“Quizá en un futuro este mensaje pueda llegar al otro lado de la frontera, abrir las mentes en los Estados Unidos”, expresó el ex Pink Floyd
Un documental a favor de reivindicar el derecho de Palestina por habitar sus tierras, una sala de cine atiborrada en la que se respiraba ansiedad por el arribo de un ídolo y una estrella de rock que llegaba para defender una causa, fueron los protagonistas de este viernes en la Cineteca Nacional. Una noche de llovizna y aplausos, de gentío y expectación, fueron el marco en el que el ex Pink Floyd, Roger Waters, presentó el documental The occupation of the american mind(Loretta Alper y Jeremy Earp, 2016).
La Sala 1, Jorge Stahl, lució repleta de seguidores del músico británico. Pasadas las ocho de la noche, Rogers llegó acompañado del productor ejecutivo de la cinta, Sut Jhally, para ofrecer unas breves palabras acerca de este filme, prácticamente vetado en Estados Unidos y proyectado como parte del Foro de distribución audiovisual FOCUS CAMP del Festival MIC Género.
Narrado por Waters, The occupation of the american mind expone la manera en que los medios de comunicación estadounidenses y grupos israelíes llevan a cabo una labor propagandística sobre el conflicto entre judíos y palestinos, mostrando a estos últimos como una amenaza terrorista y manipulando la opinión pública. El material ofrece una versión del conclicto basada en los testimonios de un gran número de periodistas, comunicólogos y analistas.
El artista aseguró que los mexicanos podemos crear conciencia y lograr que el mensaje de la película gane mayor difusión, hasta alcanzar al público estadounidense. Mientras que Jahlly sostuvo que el documental “arroja luz sobre la situación entre Israel y Palestina, sobre la ocupación israelí, sobre la guerra del ‘67 y fundamentalmente, arroja luz sobre el hecho de que no se permite la exposición de esta historia en Estados Unidos”.
El músico y militante, quien recién ofreció dos conciertos en el Foro Sol de la Ciudad de México, comentó que el objetivo principal era difundir el material en Norteamérica: “Pensamos que en Estados Unidos cambiaría la forma de pensar de algunos, pero descubrimos que no se puede exhibir ni en el cine, ni en ningún canal de televisión; la sociedad estadounidense no tiene libertad”.
Agregó que “el objetivo de las relaciones públicas de Israel y EEUU es eliminar cualquier narrativa que se aleje de lo que ellos quieren mostrar, que es a Israel como un David que se defiende de Goliath.” Por su parte, Jhally compartió datos sobre encuestas realizadas para el filme que revelan que tanto en México como en Estados Unidos la gente aún ve a Israel como la única víctima de la guerra. “Esto es la propaganda”, sentenció el académico.
El filme pudo también apreciarse en el Foro al Aire Libre Gabriel Figueroa. En la Sala 1, ambos presentadores destacaron la importancia de que sea exhibido en México, donde puede concientizar y comenzar a impactar en el país vecino: “Quizá en el futuro sus corazones y sus mentes abiertas hagan que este mensaje cruce la frontera, y sea capaz de liberar las mentes allá”, finalizó Roger Waters.
·En sus primeros tres días de exhibición en México ha sido vista por más de 1.2 millones de personas
La película No Manches Frida, protagonizada por la revue platoniqué Martha Higareda, Omar Chaparro y Fernanda Castillo, se colocó a la cabeza del top ten de taquilla en México en su fin de semana de estreno, recaudando más de 63.2 millones de pesos.
Hasta el momento, No Manches Frida ha sido vista por 1,295,266 asistentes en México, colocándose en primer lugar de taquilla, superando a cintas como Mi amigo el dragón, No respires, El Bebé de Brigdet Jones y Star Trek Sin Límites, entre otras grandes producciones.
En Estados Unidos, a tres semanas de su estreno, la cinta dirigida por Nacho G. Velilla, se ubica ya como una de las películas mexicanas más exitosas, recaudando hasta el momento más de 9 millones de dólares.
El cineasta argentino presentó su documental Adiós Sui Generis, que retrata los últimos conciertos de la banda argentina
“La vida a veces acaricia”, expresó agradecido el director bonaerense Bebe Kamin durante la exhibición de Adiós Sui Generis (1976), documental de su autoría que inmortalizó los conciertos de despedida de la icónica banda de rock que lanzó al estrellato a Charly García, una de las leyendas del rock argentino.
El realizador manifestó una gran emoción y gratitud por el hecho de que el filme que representa su inicio como director profesional fuera retomado, cuatro décadas después de su realización, en la proyección especial llevada a cabo este 14 de septiembre en la Sala 7, Alejandro Galindo, de la Cineteca Nacional.
“Siempre renace, es como el Ave Fénix; por un tiempo la película no se proyecta y de repente empieza a aparecer en canales de televisión, en proyecciones especiales y en festivales de rock. Así me ha acompañado los últimos 40 años”, relató Kamin.
Grabado el 5 de septiembre de 1975, Adiós Sui Generis documenta las dos funciones con las que la agrupación encabezada por Charly García y Nito Mestre se despidió ante 25,000 fanáticos en el Luna Park de Buenos Aires.
Nelson Carro Rodríguez, director de Difusión y Programación de la Cineteca Nacional, señaló que se trata de “una película fundamental sobre un grupo clave en la historia de la música argentina”, además de comentar que, coincidentemente, este martes 15 de septiembre la producción cumple exactamente 40 años de haberse estrenado en Buenos Aires.
La pieza recopila imágenes del concierto, breves entrevistas con el público del Luna Park, escenas de la banda improvisando en el estudio de grabación y fragmentos lúdicos grabados a manera de videoclip, de los cuales el realizador confesó que debieron ser rodados para completar el largometraje.
Finalizada la proyección, Kamin se animó a entablar diálogo con los asistentes en la sala, donde comentó que la película tuvo dificultades para su muestra en un principio, pues fue censurada tras el golpe de estado en Argentina de 1976. Por lo tanto, era exhibida solamente de forma clandestina en los espacios donde fuese posible, hasta volverse una pieza de culto con el paso de los años.
El director recalcó la trascendencia del conjunto musical afirmando que “Sui Generis y sus canciones se instalaron muy fuertemente en el imaginario colectivo, y permanecieron y se cantaron y se repetían; era como parte de una cultura naciente que iba a permanecer más allá del momento”.
A propósito de su propia obra y otras similares que retratan la música argentina, comentó que “han quedado como la matriz originaria de nuestro rock; son el registro que, más allá de los discos, muestra a los artistas y a la gente como el primer atisbo de una música nacional, que expresaba mucho el sentir de los jóvenes”.
Sobre la experiencia de realizar el filme y trabajar con el grupo, el cineasta señaló a Charly García como el arquetipo de un artista, calificándolo como “imprevisible y excepcional”, y que ha creado expresiones musicales que son parte del patrimonio cultural de Argentina.
Así, cuatro décadas después, los admiradores de Sui Generis pudieron apreciar a la banda en su momento cumbre y escuchar algunos de sus temas mientras disfrutaban la entrega de Bebe Kamin, quien expresó al público que “por eso inicié diciendo que en este momento, la vida me acaricia, y les quiero agradecer que hayan venido a compartir esta película”.
El argentino visitará nuevamente la Cineteca Nacional el miércoles 21 de septiembre para exhibir su documental 20 años breves (2015), que conmemora el vigésimo aniversario del concurso anual de cortometrajes "Historias breves", en donde han participado trabajos de Pablo Trapero, Lucrecia Martel, Santiago Loza y Bruno Stagnaro. La proyección tendrá lugar en la Sala 8, Ismael Rodríguez, y la entrada será libre solicitando cortesías en la taquilla 5.
La cinta de Ole Giæver y Marte Vold refleja la angustia provocada por la monotonía y la búsqueda del sentido de la humanidad
Martin, joven oficinista, tiene tiempo de sobra para mirar por la ventana e imaginar cientos de vidas de extraños transeúntes. Esta vez observa a un viejo de la oficina de al lado, le mira las canas y nota la apatía que demuestra al trabajar; le calcula 60 años de edad. “Casi 30 años para que yo esté como él”, piensa. “Podría hacer mucho en ese tiempo. Hasta podría empezar de nuevo”. Para escapar de esta monotonía, decide emprender un viaje en las montañas noruegas donde dará rienda suelta a observaciones profundamente honestas acerca de sí mismo y de los que le rodean.
Codirigida por Ole Giæver y Marte Vold,Ante la naturaleza presenta una comedia íntima y reflexiva en la que el mismo Giæver interpreta al aburrido protagonista de vida mediocre. Tras su paso por Talento Emergente 2015, la cinta se exhibirá en la Cineteca Nacional a partir del 16 de septiembre en la Sala 8, Ismael Rodríguez.
En su mayor parte, Ante la naturaleza es un filme sin diálogos. Una vez que Martin deja la civilización, lo único que se escucha constantemente es la voz de su monólogo interior. Para que la voz en off de Giæver se escuchara como si fuera el pensamiento auténtico de su personaje, el director y actor principal improvisó sus líneas. “Al final tiré el guión y empecé a improvisar mientras veía lo que habíamos grabado”, afirmó en entrevista para Berlin Film Journal.
Los planos generales y panorámicos del filme retratan los paisajes noruegos que parecen aplastar al explorador en el encuadre mientras camina, corre, escala o duerme. Por otra parte, las escenas que ilustran sus fantasías escapistas (casi siempre sexuales) son más bien personales, de planos cerrados y cerca de la piel. El andar de Martin por las colinas es una búsqueda angustiosa de algo que no le queda claro, no sabe exactamente qué quiere pero sabe que lo que tiene no es suficiente.
“La naturaleza puede ayudarnos a convertirnos en mejores seres sociales. Esto exige coraje, ya que para estar presente en el mundo, hace falta primero estar presente en uno mismo”, puntualizó Giæver. De esta manera, la cinta se convierte en un autorretrato, en un reflejo no sólo del protagonista, sino de nosotros, de la humanidad en general.
Ante la naturaleza tuvo su estreno mundial en la sección de Cine Internacional Contemporáneo del Festival Internacional de Cine de Toronto 2014. Fue selección oficial del Berlinale 2015, en donde ganó el Europa Cinemas Label como la mejor película europea de la sección Panorama.
El filme documenta el concierto de despedida de la banda que impulsó la carrera de Charly García, legendario rockero argentino
El director también estará presente en la función conmemorativa de "Historias breves" el próximo 21 de septiembre
El estadio Luna Park en Buenos Aires es, junto con el Wembley Stadium de Londres y el Madison Square Garden de Nueva York, una de las sedes más importantes para el rock internacional de todos los tiempos. En 1975, fue el escenario que vio despedirse al dúo de rock progresivo Sui Generis y, al mismo tiempo, presenció un indicio de la carrera en solista del músico argentino Charly García.
Como acto conmemorativo de ese encuentro inolvidable, el cineasta bonaerense Bebe Kamin visitará la Cineteca Nacional este 14 de septiembre para presentar una función especial de su documental Adiós Sui Generis —que inmortalizó el afamado concierto y que este año cumple 40 años— en la Sala 7, Alejandro Galindo.
El argentino llegó a la industria del cine por el lado técnico. Graduado como ingeniero en electromecánica y habiendo trabajado en la Comisión Nacional de Energía Atómica de su país, Bebe Kamin inició su carrera fílmica como sonidista en proyectos como Alianza para el progreso (Julio César Ludueña, 1971), El habilitado (Jorge Cedron, 1971) y Por los senderos del libertador (Jorge Cedron, 1971).
Adiós Sui Generis fue tan sólo su segunda película como director, luego de su cinta experimental El búho (1975). En una labor que reúne material de archivo, canciones directas del concierto en Luna Park, entrevistas y secuencias de los ensayos del grupo, Kamin englobó un evento sumamente memorable y que, con una asistencia de más de 25,000 personas, marcó un hito en la historia del rock argentino.
Por su parte, Charly García es una de las personalidades más consagradas en el medio, con 25 álbumes en su producción como solista y 18 lanzados con las agrupaciones a las que perteneció después de Sui Generis, que fueron Porsuigieco, La Máquina de Hacer Pájaros y Serú Girán; todas ellas se distinguieron por incorporar sonidos folk, sinfónicos y jazzísticos a la estructura de rock progresivo que las fundamentaba.
Bebe Kamin también estará presente el miércoles 21 de septiembre para celebrar los 20 años del proyecto "Historias breves" con la exhibición de cinco cortometrajes argentinos en la Sala 8, Ismael Rodríguez.
La función especial de Adiós Sui Generis se llevará a cabo a las 19:30 horas en la Sala 7 de la Cineteca Nacional. La entrada es libre solicitando cortesías en la taquilla 5.
La desafiante cinta naturalista del filipino Lav Diaz, de cuatro horas de duración, retrata las delicadas condiciones sociales de su país
Al cineasta independiente Lav Diaz le ha interesado ilustrar la política y las repercusiones socioeconómicas de los eventos históricos que han moldeado a su país natal, Filipinas, de manera completamente distinta al cine épico que provee la única mirada emotiva a la historia para millones de espectadores alrededor del mundo. Diaz busca el naturalismo libre de entonaciones melodramáticas.
Con esta visión, el filipino realizó Norte, el fin de la historia (Norte, Hangganan ng Kasaysayan, 2013). Este relato que muestra a Joaquín, un hombre encarcelado por un crimen que no cometió; Eliza, su esposa desprotegida y en lucha de sostener a su familia, y Fabián, el verdadero criminal, llega a la Cineteca Nacional, como parte del 36 Foro Internacional, a partir del miércoles 27 de julio en la Sala 3, Fernando de Fuentes.
La premisa y su forma dramática se asemejan a Crimen y castigo (Prestupleniye i nakazaniye, 1866) de Fiódor Dostoievsky y a la observación psicológica y espiritual de los novelistas rusos. Aunque aquí quedan reflejadas discretamente las condiciones sociales de Filipinas en plena modernidad, en donde el ritmo económico capitalista repercute en los valores de la gente y la someten a distintas clases de presión.
El aspecto más reconocible del cine de Diaz es su ritmo. Los 250 minutos de duración del largometraje, quizás de apariencia imponente para las audiencias acostumbradas a películas más concisas, no se comparan con los 485 (ocho horas) de su más reciente producción: Hele Sa Hiwagang Hapis (2016). De acuerdo con el autor, la renuencia del público por las cintas de larga duración ha disminuido lentamente con la llegada de la era digital.
Según declaró para Philstar Global: “La cultura es un organismo y crece. Cuando empecé a hacer estas películas, hubiéramos visto a cinco personas en la sala. En una función de Ebolusyon [Evolución de una familia filipina, 2004] en Tailandia, sólo había una persona viendo. Pero con la era digital y las redes sociales, las reseñas están en internet y eso ha sido una gran ayuda. Más gente joven está viendo”.
A. O. Scott, de The New York Times, defendió el formato de Norte, el fin de la historia argumentando que, efectivamente, el consumo de productos audiovisuales por internet ha generado mayor apertura en la gente. “Uno puede pasar más tiempo viendo una serie de televisión de corrido, pero eso significaría navegar a través de escenas de ágil edición, diálogos extremadamente obvios y resoluciones emocionales pre-hechas. Al Sr. Díaz le interesa otra clase de inmersión”, comentó.
En su Top 10 anual correspondiente a 2013, la revista británica Sight & Sound incluyó al filme de Lav Diaz como la novena mejor película del año, empatada con el largometraje francés El extraño del lago (L’inconnu du lac, Alain Guiraudie).
Precursor del llamado Nuevo Cine Filipino, Lav Diaz comenzó su trayectoria como documentalista. Ha realizado ficciones de extensa duración como Melancholia (2008), de siete horas de metraje, y Hele Sa Hiwagang Hapis, de ocho horas, que obtuvo el Premio Alfred Bauer en la Berlinale de 2016.
Norte, el fin de la historia
Norte, hangganan ng kasaysayan, Filipinas, 2013, 250 min.
D y E: Lav Diaz. G: Rody Vera y Lav Diaz, basados en un argumento del primero, Michiko Yamakoto y Raymond Lee. F en C: Larry Manda. M: Pawel Mykietyn. Con: Sid Lucero (Fabián), Angeli Bayani (Eliza), Archie Alemania (Joaquín), Mailes Kanapi (Hoda), Soliman Cruz (Wakwak), Mae Paner (Magda). CP: Wacky O Productions, Kayan Productions, Origin8 Media. Prod: Raymond Lee (acreditado como Moira Lang) y Jessica Zafra. Dist: Interior XIII.
Premios y festivales
2013 Selección oficial de la sección Una cierta mirada. Festival de Cine de Cannes. Francia. │Selección oficial de la sección Masters. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. │Selección oficial de la Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine de Locarno. Suiza.
2014 Selección oficial de la sección Spectrum. Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos. │Nominación a la Mejor Película Extranjera. Círculo de Críticos de Cine de Londres. Reino Unido.
Nuestro reportero se sentó con Sid el Perezoso, personaje de la nueva aventura animada en 3D La Era de Hielo: Choque de Mundos, que se dice un experto en las relaciones con las chicas y el cortejo romántico. Le pedimos que nos compartiera algunos consejos para nuestros lectores que buscan el amor, y contó con la ayuda de su amiga perezosa Brooke.
P: Sid, ¿cuáles son los errores que cometen la mayoría de las personas al tratarse de citas románticas?
SID: Es una gran, gran pregunta. El error número uno que comete la gente es no exponerse lo suficiente. Nunca es demasiado pronto para decir, “¡Te amo! ¡Cásate conmigo! ¡POOOOOORRRR FAAAAVOOORRRR CÁSATE CONMIGO!”
P: ¿Hasta en una primera cita?
SID: ¡Especialmente en una primera cita! ¡Podría no haber una segunda cita! Lánzalo de inmediato. Eso normalmente garantiza que haya una segunda cita.
P: ¿Eso funciona realmente?
SID: ¡Nunca ha fallado! Digo, un par de veces se supone que iba a tener una segunda cita con alguien y me la cancelaron, pero no tuvo nada que ver conmigo. De repente les dolió la muela o el cuñado del primo político del tío de su hermana cayó enfermo. En realidad varias parecen tener parientes lejanos que enferman de pronto, ahora que lo pienso.
P: Brooke, tú eres una perezosa. ¿Qué opinas de los consejos de Sid?
BROOKE: ¡Me parecen bastante convincentes!
P: ¿En serio?
SID: Espera... ¿en serio?
BROOKE: Sí, digo, nadie me ha invitado a salir nunca, así que no sabría cómo reaccionar si quisieran casarse conmigo, pero me imagino que estaría encantada.
P: ¿Cuál crees que sea elsecreto de una relación saludable, Brooke?
BROOKE: Bueno, me parece que es importante que ambas partes estén dispuestas a admitir sus errores, sin importar cuántos cometan.
SID: Genial, eso me convierte en la citaperfecta. ¡Yo cometo millones de errores!
P: ¿Hay señales de alarma de los que deba estar consciente la gente antes de entrar en una relación?
BROOKE: Bueno, creo que hay personas que no salen con alguien que tenga diferentes orígenes, pero yo creo que los opuestos se atraen. Claro que como la gente me dice que soy lista, bonita y muy buena conversadora, supongo que yo estoy buscando...
SID: ¡Una maravilla peluda sin sesos con una sonrisa dientona, como yo!
P: Eso me hace pensar en algo interesante... Sid, ¿saldrías con una perezosa que te llevara cientos de años?
SID: Yo siempre digo que la edad es sólo un número, e igual no soy bueno con los números.
P:Sid y Brooke, ¿cuál creen que sea la clave para una cita exitosa?
BROOKE: Creo que una caminata nocturna bajo las estrellas suena romántico...
SID: Yo soy más bien el tipo de chico que disfruta sacar la cerilla de los oídos del otro, pero claro, ¡una caminata también suena bien!
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MORITA DISCUTE CÓMO LIDIAR CON LOS PADRES QUE SE AFERRAN A SUS HIJOS
Todos crecemos, y todos tenemos padres que desean que no crezcamos tan rápido. Aun cuando estemos creciendo a una velocidad completamente normal, ¡y que ellos debieran relajarse y aceptarlo! Pero a veces los padres se vuelven un poco posesivos. No estoy hablando de los padres de nadie en particular. Pero llamemos a estos hipotéticos padres “Manny” y “Ellie”. Recuerden, NO estoy hablando de mis papás – así que tómenlo en cuenta si están leyendo esto, mamá y papá.
Primero tienes que determinar si tus padres realmente se están aferrando a ti.
El indicador clave de que a tus papás les preocupa dejarte libre es si no dejan de hablar de cuánto les preocupa dejarte ir. Podrían decir cosas como, “¿Por qué nos dejas? ¿Nosotros qué te hicimos?” Aunque sólo vayas en búsqueda de comida un rato. O Manny podría entristecerse mucho porque le ganaste en hockey, porque significa que estás creciendo. Nuevamente, es sólo un ejemplo.
Es importante lidiar con el hecho de que un día podrías conocer a un chico mamut o una chica mamut que realmente te guste, y que tus papás puedan portarse algo hostil con ellos, porque Manny sentirá como si él estuviera tratando de alejarte de ellos. ¡No dejes que tus padres se salgan con la suya!
Sucede que conocí a un mamut al que quiero mucho que se llama Julian. Estoy bastante segura de que a mis padres no les cae bien, porque mi papá se pone a hacer cosas como hacerlo tropezar en el hielo mientras juegan hockey. Le pregunté a Julian cómo lo hacía sentir esto, y me dijo, “Espera, ¿qué? Yo sólo creí que tu papá era muy torpe en el hielo. ¿Me estaba haciendo tropezar?” Adivino que probablemente estaba siendo educado – estoy segura de que se dio cuenta.
Como sea, todo este tipo de cosas pueden colocarte en una posición difícil. Por una parte, amas a tus padres y no quieres ocasionar su tristeza. Por otra parte, la vida es corta, y podría haber un meteorito dirigiéndose a toda velocidad a la tierra. Si quieres deambular por ahí con tu novio, debes hacerlo. Es como dijo Julian, “Def sería lo máx, como, vagar sin ningún plan y así”.
La clave es la sinceridad con tus padres. Diles que sólo porque te estás yendo de casa no significa que los estás abandonando. ¡Así que deberían de relajarse! Siempre vas a regresar para las fiestas navideñas. Y cuando estés buscando a alguien que puedas vencer fácilmente en un juego de hockey sobre hielo.
LA GUÍA DE SUPERVIVENCIA DE BUCK
¡Hola, amigos! Aquí tienen a Buck para enseñarles lo que deben y no deben hacer para sobrevivir en la naturaleza.
¿Perdidos sin un compás?
Siempre mantengan los ojos abiertos para encontrar musgo. No sólo crece del lado norte de los troncos de los árboles (dándole a los senderistas perdidos una muy útil referencia de dónde está qué), también es subestimado en lo que a su belleza se refiere. Especialmente con su nuevo, divertido y coqueto corte de pelo – musgo, ¡eres todo un diablito!
¿Se dirigen hacia ti predadores como Dino-Aves?
Haz todo lo que puedas para parecer lo más grande posible. Respira profundo, párate de puntas, agita los brazos como loco, haz pasos de baile, ¡mientras más exagerados, mejor! No hay nada más aterrador para un dientes de sable hambriento que la Macarena. Y confía en mí, aunque los predadores puedan oler el miedo, NO trates de disfrazar ese olor con una gruesa capa de grasa de tocino. Ya lo he intentado, y déjame decirte, amigo, podrá sentirse calientito y pegajoso, ¡pero despertarás de esa cálida sensación en el momento en que veas a esa dino-ave volando hacia ti!
¿Atorado en un pozo de brea?
Para la mayor parte de las creaturas de la Era de Hielo, caer en un pozo de brea es un error de principiantes. Nadie quiere ser “el fulano” que cae de cara en una sustancia viscosa despiadada. Pero después de que la vergüenza momentánea se convierte en pánico se convierte en una aceptación pasiva de tu destino, recuerda equilibrar el peso de tu cuerpo hacia la superficie y lentamente rodar al terreno fijo. Mejor alejarte: Ésta es una ocasión en la que el negro no es una buena tendencia de moda.
¿En medio de una tormenta eléctrica?
Aléjate de los árboles, objetos altos, y lo que sea metálico. Si tienes amigos que son árboles, objetos altos o están hechos de metal, aléjate de ellos también. Podría ser una conversación incómoda, pero oye, si realmente son tus amigos lo entenderán. Después de todo, ¡no hay nada más incómodo que ser convertido en fino polvo de carbón!
CONCEPTOS CIENTÍFICOS POR NEIL DE BUCK COMADREJA
La ciencia. Parece complicada, ¿pero lo es? Una parte de ella, sí. Increíblemente complicada. El resto – bastante simple. Afortunadamente, puedes ignorar lo difícil y concentrarte en las partes fáciles. De todas formas son las más importantes. Como el más importante astrofísico comadreja de nuestros tiempos, permíteme enseñarte Cinco Importantes Conceptos que te ayudarán a entender el mundo que te rodea y el cosmos arriba.
Concepto Importante Número 1. La gravedad es importante. Todo lo que sube tiene que bajar. Y lo que está bajando puede lastimarte mucho, mucho. ¡Lo que me lleva al Concepto Importante Número 2!
Concepto Importante Número 2. Si es posible, evita que el planeta en donde vives sea golpeado por un gran meteorito. ¿Qué es un meteorito? Pues es un pedazo de escombro espacial viajando a una velocidad increíblemente rápida. ¿Qué quiero decir por “gran”? Quiero decir grande. Masivo. Enorme. Demasiado vasto para lidiar con él. ¿Qué quiero decir con “golpear”? Quiero decir machacar. Feamente.
Concepto Importante Número 3. Los opuestos se atraen. Algunas cosas simplemente combinan bien. Piensa en las cargas positivas y negativas. En el helado de chocolate y vainilla. Si comprendes esto, puedes dominar la mayor parte de los conceptos más importantes del universo, del magnetismo a cómo hacer el sundae perfecto.
Concepto Importante Número 4. Los hoyos negros. Aléjate de ellos. Podrías sentirte tentado. Podrías preguntarte, “¿Qué hay ahí? ¿Qué hay del otro lado?” Créeme, no quieres saber. Acércate demasiado, y nunca podrás escapar. He perdido muchos pares de calcetines en hoyos negros varios. Es por mucho la parte más inconveniente del universo.
Concepto Importante Número 5. El universo es vasto y no enteramente conocible. Algunas cosas son misterios y siempre serán misterios. Preguntas como, “¿Hay vida en Marte?” Y, “Si los tres tigres estaban tristes, ¿por qué tragaban trigo en un trigal?” Incontables genios han dedicado sus vidas enteras a estas preguntas y no las han podido descifrar. Pero eso no significa que una vida dedicada a la ciencia sea innoble. Por el contrario, al explorar el universo, nos exploramos a nosotros mismos. ¿Cuál es el propósito de estar vivos si no es la búsqueda de conocimiento? Bueno, también está la búsqueda del postre – eso es bastante importante. Lo que me lleva al Concepto Importante Extra Número 6.
Concepto Importante Extra Número 6. Nunca te quedes conforme con sólo cinco conceptos importantes. Hay muchos más de los que podrían enlistarse. ¿Cuántos? No puedo decirlo con seguridad. Yo diría que muchos. Al menos 20.
LISTA DE VERIFICACIÓN DE SEGURIDAD DE LA ERA DE HIELO
¿Considerando una caminata por la naturaleza para salvar al mundo de un inminente apocalipsis? ¡Pues únete a la multitud! Aquí hay algunos consejos de seguridad para cerciorarte de que llegues al final de tu viaje, o al fin de los tiempos. ¡Lo que llegue primero!
Permanezcan Juntos Enfrentar el peligro por ti mismo no es fácil, y por eso el héroe inteligente se queda con la manada. Hay seguridad en la multitud, y aun durante la cima del peligro, es bueno tener alguien con quien hablar (o si estás con un perezoso, alguien de quién reírte), o si eres Buck, ¡todo lo que necesitas es una roca de acompañante!
Lleva Algo de Dinero Todos tenemos al menos un amigo en el que podemos depender aunque no sea fiable en lo absoluto. ¡El nuestro se llama Buck! Y aunque haga que una aventura sea un poco más difícil, también la hace mucho más divertida.
Conoce Tu Heimlich No sólo es la mejor forma de salvar a un amigo o aliado en una situación de ahogo, la comida expulsada también puede ser dirigida a un enemigo o rival. ¡Todos ganan!
La Electricidad No Es Tu Amiga Si ves una chispa azul que viene de un meteorito misterioso y brillante, probablemente no deberías tocarla. Es demente que tengamos que decir esto, pero algunas personas (o técnicamente, ejem, las zarigüeyas) nunca parecen aprender esta muy dolorosa lección, por más obvia que sea.
Recuerda STA Siempre Trae a la Abuela. Es contrario a la lógica, dado lo que sabemos de los viejos, pero una buena abuela tiene algo a su favor. No, no es la experiencia (nunca útil)... ¡son las quejas! “¡Estoy cansada!” “¡Me duele el trasero!” “¿Quién se robó mi crema para los pies?” “¡Hace demasiado frío!” Nadie quiere estar con eso... incluyendo a los predadores.
PREGUNTAS PARA MANNY Y JULIAN
P: Manny, tu hija Morita está saliendo con Julian.
Manny: Sí, gracias por recordármelo. Felizmente me había olvidado de eso por un momento.
P: ¿Julian no le propuso matrimonio a Morita?
Manny: Sí, qué gran noticia. Estamos tan orgullosos de Morita... y tenemos TANTOS sentimientos por Julian también, ¡Ja, ja!
Julian: Aaaahhh, gracias, papá.
P: ¡Parece que tienen una relación bastante estable!
Manny: Realmente espero que sí, pero ya conoces cómo son los jóvenes. Cambian de opinión todo el tiempo. Un minuto quieren un cachorro. Un minuto después ya no quieren al cachorro, porque es demasiado trabajo, especialmente porque ese cachorro es irresponsable y probablemente no la pueda mantener.
Julian: ¿El cachorro?
Manny: Sí... El cachorro.
P: Julian, ¿qué sientes por tu nuevo suegro?
Manny ya me ha enseñado tanto. Siempre está diciendo cosas súper sabias como, “¡Quítate de mi pasto, Julian!” O “¿Estás aquí otra vez? ¿Por?” Y yo pienso, sí, ¿por qué estoy aquí? ¿Por qué estamos aquí cualquiera de nosotros? Profundo, ¿cierto?
P: ¿Y quéplanean hacer ustedes dos después de la boda?
Julian: ¡Morita y yo estamos muy emocionados de salir a ver el mundo! El único problema es que realmente extrañaría todos los locos momentos que he pasado con Manny, como la vez que estábamos jugando hockey y Manny accidentalmente tiró su palo justo enfrente de mí durante una jugada, ¡y salí volando por los aires! Qué buenos momentos.”
P: Manny, te encanta el hockey. ¿Qué tal es Julian en el hielo?
Manny: Pues, debo admitirlo. Por su apariencia, pensé que no tenía nada que hacer levantando un palo de hockey. Pero entonces después de verlo jugar, pensé... Este...
Julian: ¿Pensaste qué?
Manny: Pensé... ¡Ahí está Julian, levantando un palo de hockey!
P: Cuando descubriste que unmeteoro podría eliminar la vida en la tierra, ¿qué fue lo primero que hiciste?
Julian: ¡Le di un gran abrazo a Manny! Sólo quería demostrarle lo mucho que significa para mí.
Manny: En silencio recé para que elmeteoro se apurara.
PREGUNTAS PARA SHANGRI-LLAMA
En esta rara y exclusiva entrevista con Shangri-llama, finalmente podemos hacerle al gurú de Geotopia las preguntas importantes.
P: Shangri-Llama, ¿conoces el secreto de la vida?
SHANGRI-LLAMA: ¡Desde luego que sí! Pero lo primero es lo primero... es importante inhalar profundo.
P: De acuerdo.
SHANGRI-LLAMA: Luego déjalo salir por tus fosas nasales, siéntelo moverse por tu cuerpo y hasta la punta de tu cabeza, a través de tus partes suaves pachonas centrales y luego abajo profundamente hasta la punta de los dedos de tus pies.
P: ¿Siento la respiración profunda en la punta de los dedos de los pies?
SHANGRI-LLAMA: ¡Ay, no! El que está hablando no está respirando... ¡Ahora vuelve a empezar!
P: De acuerdo, listo. Ahora, el significado de la vida--
SHANGRI-LLAMA: Muy bien, ahora vuelve a inhalar...
P: ¿Cuánto de esto se va a tratar de la respiración?
SHANGRI-LLAMA: Mucho. Pero sé paciente, el verdadero significado de la vida es escurridizo. No puede resumirse en una frase útil o en un largo párrafo descriptivo, ni siquiera en un libro comprehensivo o series de libros. No puedo decirlo en voz alta, ni puedo escribirlo. No se puede decir, cantar, tararear, rapear, desglosar, desarrollar, traducir, transcribir o enviar en un telegrama, fax, correo electrónico o tweet. Nunca será comunicado de forma alguna. Ni siquiera adentro de un libro, o galleta de la fortuna o--
P: Bueno, bueno. Parece que en realidad no quieres contestar mi pregunta.
SHANGRI-LLAMA: ¡No! Para nada es así. No hay nada que quisiera más que contarte el secreto del significado de la vida.
P: Creo que nada más estás haciendo tiempo.
SHANGRI-LLAMA: Por supuesto que estoy haciendo tiempo. Pero uno debe hacer tiempo antes de que uno caiga... ¡en un estado de mayor conciencia! Ahora, el secreto del significado de la vida es difícil de asir, así que necesitarás ser flexible de mente y cuerpo. ¡Entonces vamos a estirarnos!
P: ¿Estirarnos?
SHANGRI-LLAMA: Ahora, comenzaré con algo fácil. Toma tu pie izquierdo y dóblalo hacia atrás, atrás, atrás... No, todavía más. Ahí estás.
P: ¿Esto es lo fácil?
SHANGRI-LLAMA: No, ahora estamos llegando a la parte fácil. Envuelve ese pie izquierdo alrededor de tu cuello no una, no dos, sino tres veces, estira ambos brazos hacia tu espalda y mantén esta pose hasta que tu rostro se vuelva azul...
P: ¿Y después de eso?
SHANGRI-LLAMA: ¡Simple! Pliega tu cuerpo entero adentro de tu cuerpo.
P: Este... Acabas de desaparecer.
SHANGRI-LLAMA: Y una vez que hagas esto, ¡finalmente entenderás el secreto del significado de la vida!
El incidente, la irrupción de un desconocido al departamento al que se acaban de mudar, hace suponer a Emad (Shahab Hosseini, ganador a Mejor Actor en Cannes) que su mujer fue violada, suposición que se volverá el principal punto de tensión de la cinta. Paulatinamente, la ira, la impotencia, el deseo de venganza y el reconocimiento de una humillación que debilita su condición de hombre, se irán apoderando de Emad hasta llevarlo a tomar decisiones que sorprenderán al espectador.
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