• De acuerdo con Bernardo Esquinca, Que Dios me perdone es una muestra de cómo en nuestro país elfilm noir se mezcló con otros géneros

Al ser adaptado por los realizadores mexicanos, el film noir recibió una interpretación distinta a la de sus orígenes e incorporó características de otros géneros. En palabras de Bernardo Esquinca, un gran ejemplo de dicha adaptación esQue Dios me perdone (1948), obra que el director Tito Davison construyó principalmente con la estructura de un melodrama, apoyándose en elementos de la novela negra.

Cine negro “a la mexicana”; fue así como el escritor calificó el largometraje de Davison con guión de Xavier Villaurrutia durante su participación en Charlas sobre cine y literatura, llevada a cabo este lunes 24 de septiembre en la sala 4, Arcady Boytler.

Organizado por la Coordinación Nacional de Literatura del INBA, la Dirección de Literatura de la UNAM y la Cineteca Nacional, el ciclo de pláticas se lleva a cabo cada lunes y retoma obras de la literatura que han sido adaptadas a la pantalla dentro del género de cine negro. En esta sesión, Que Dios me perdone fue comentada por Esquinca en compañía de Raúl Miranda, subdirector de Documentación de la Cineteca.

El filme de Davison narra la historia de Lena, una siniestra espía que logra interesar a muchos hombres ricos a los cuales seduce sólo para conseguir algún tipo de información. “No me parece que sea tal cual una película de cine negro, aunque tiene algunas cosas que la acercan, como la trama, el thriller, el crimen o la corrupción, pero en realidad la noto más cercana a un melodrama”, comentó el ponente.

Señaló que, al igual que en otras películas del ciclo, en ésta fue fundamental la presencia de María Félix como protagonista: “es impresionante el magnetismo que irradia en la pantalla”, comentó Esquinca. Asimismo, Raúl Miranda afirmó que la historia estuvo hecha “a modo” para la actriz, al enrolarla en el personaje de femme fatale.

También hizo énfasis en las repercusiones que tuvo la Segunda Guerra Mundial –contexto en el que se desarrolla la trama– para el cine mexicano, refiriéndose al gran número de artistas europeos que, huyendo del conflicto, arribaron al continente americano y continuaron aquí su carrera.

Bernardo concluyó analizando la cinta en términos de técnica y producción. Declaró que “fue realizada en pleno apogeo del cine mexicano, con actuaciones muy teatrales, aunque de gran calidad; se filmó principalmente en escenarios prefabricados en estudio, respondiendo notablemente a los estándares de factura de la época.”

El ciclo Charlas sobre cine y literatura continuará el próximo lunes 31 de octubre en punto de las 18:00 horas con la proyección de Cuatro contra el mundo (Alejandro Galindo, 1949), que será comentada en la sala 4 por Daniel Téllez. La entrada es libre al presentar las cortesías de acceso que serán repartidas en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.

El cine negro “a la mexicana” de Tito Davison fue analizado en la Cineteca Nacional

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• At 10/25/2016 08:20:00 p.m.
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• La doctora Siboney Obscura habló de las facetas como comediantes de Delia Magaña, Dolores Camarillo Fraustita, Consuelo Guerrero de Luna, Sara García y Famie Kauffman Vitola

En el escenario del indiscutible predominio de los cómicos varones en el cine de la Época de oro mexicano, también existió un importante papel femenino que, desafortunadamente, no tuvo el mismo reconocimiento ni gozó de la misma apertura de oportunidades que los hombres. Sin embargo, son inolvidables las presencias humorísticas de ciertas actrices que nutrieron el imaginario colectivo del mexicano.

Esto fue lo que Siboney Obscura, Doctora en Sociología de la UNAM y estudiosa del cine mexicano y de sus funciones sociales, expresó en la conferencia “Cinco actrices cómicas de la Época de oro del cine mexicano”, que se llevó a cabo el martes 23 de agosto en la Sala 4, Arcady Boytler, como parte del ciclo Charlas sobre el humor en el cine mexicano. 

Seguido a la visita de Sergio Corona hace un par de semanas, Siboney Obscura realizó un recorrido a través de pequeñas cápsulas en las que se mostraban las distintas facetas de las que ella considera las cinco grandes cómicas del periodo: Delia Magaña; Dolores Camarillo, Fraustita; Consuelo Guerrero de Luna; Sara García y Famie Kauffman, Vitola.

“¿Por qué en el cine mexicano las mujeres no tuvieron el mismo protagonismo?, ¿esto obedece a cuestiones de capacidades histriónicas o tiene que ver con un contexto de dominación masculina?”, preguntó la ponente e indicó que esas fueron las preguntas centrales para desarrollar su investigación. Pese a que la época dorada del cine mexicano correspondió al periodo de la liberación de la mujer, en México no pudieron darse las mismas condiciones que en Europa, por ejemplo. La mujer podía actuar, sí, pero siempre funcionando como un apoyo para el protagonismo del hombre.

La especialista expuso, no sin cierta desaprobación, que el papel de la mujer dentro del cine cómico no pudo pasar del otro lado de la pantalla; no tuvo la oportunidad de definir la línea de argumentos y de temas, sino que siempre permaneció como un personaje secundario. Pocas son las actrices que lograron ser protagonistas, y no porque no tuvieran la suficiente capacidad cómica, sino porque los valores de la sociedad estaban fuertemente arraigados.

De esta manera, los roles de las mujeres en el cine estaban ya definidos, consistían en un simple retrato de los arquetipos femeninos establecidos por la sociedad: la noviecita santa, la esposa ideal, la solterona, la adelita, la mujer fatal… Así, las cápsulas seleccionadas por la ponente fueron un claro reflejo de todos estos roles.

Delia Magaña, en su papel en El seminarista (Roberto Rodríguez, 1949), ejemplifica a la pícara; es personaje activo y agresivo, generalmente despierta el lado cómico de su compañero, que en esta ocasión se trata de Mantequilla.Fraustita, al contrario de Magaña, siempre representó un papel pasivo, muchas veces siendo la sirvienta. Su actuación en Ahí está el detalle (Juan Bustillo Oro, 1940), película que consolidó a Cantiflas como el gran actor del humor mexicano, se limitó a una simple actriz de apoyo.

Dos de las actrices que lograron papeles protagónicos fueron Consuelo Guerrero de Luna y Sara García. En ¡Arriba las mujeres! (Carlos Orellana, 1943), Guerrero de Luna protagoniza y representa a una mujer autoritaria, sin embargo la película abunda en comentarios misóginos y se resume a una parodia de las ideas modernas respecto a la liberación de la mujer. Sara García siempre hizo papeles con ciertos tonos dominantes, acercando la figura femenina a actuaciones concebidas por hombres. Esto se ejemplifica en Los tres García (Ismael Rodríguez, 1946).

Por último, Siboney Obscura retomó las actuaciones de Famie Kauffman, Vitola, en El rey del barrio (Gilberto Martínez Solares, 1949). A diferencia de las otras cuatro comediantes, Vitola desarrolla un estilo de comicidad muy visual y musical. Sin embargo, sus papeles siempre fueron muy cortos y funcionaron para enriquecer los papeles masculinos. En conclusión, la académica apuntó que –pese a que el papel de la mujer en la época de oro se redujo a funcionar como cómico de apoyo– no debemos olvidar sus grandes actuaciones que las llevaron a pertenecer al imaginario mexicano y a causarnos grandes carcajadas.                                                

Las Charlas sobre el humor en el cine mexicano continuarán el martes 30 de agosto con la ponencia de la académica Maricruz Castro Ricalde: "La India María, una mazahua de celuloide", en la que se analizará la labor de María Elena Velasco.

En la Cineteca Nacional se recordó a las cinco grandes del cine cómico

• Charlas Cine Comediantes Epoca Mexicanos UNAM
• At 8/24/2016 08:35:00 p.m.
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• Esta es una muestra más de lo contemporáneo que puede ser la obra de Shakespeare para retratar nuestros tiempos, expresó el dramaturgo

El rey Lear fue escrito alrededor de 1604 y es, entre tantas obras tan perfectas de William Shakespeare, quizá el punto culminante de su expresión sobre la teatralidad, el sentido de la vida y los destinos humanos. Así la reflexión del dramaturgo mexicano David Olguín durante su participación en la pasada sesión del Ciclo Charlas sobre cine y literatura: Shakespeare 400 años.

Olguín, reconocido ampliamente también como narrador, ensayista y director de teatro, compartió con el público asistente a la Sala 4 Arcady Boytler sus puntos de vista en torno a la cinta El rey está vivo (The king is alive, Dinamarca-Suecia-EUA, 2000) del cineasta danés Kristian Levring, una inusual adaptación de El rey Lear.

El filme muestra la historia de un grupo de turistas estadounidenses, ingleses y franceses perdido en el desierto africano tras el averío de su autobús. Varados en un pueblo fantasma en el que solo vive un hombre deben luchar por sobrevivir al calor, al hambre, la soledad y a sus propios demonios. Para apaciguar los ánimos, uno de los pasajeros propondrá la interpretación de la obra de teatro El rey Lear de Shakespeare.

Acompañado de José Antonio Valdés Peña, Subdirector de Información de la Cineteca, David Olguín señaló que la particularidad de Lear recae en su predicción del fin de todo. “En medio de todas las tragedias shakespearianas, esta obra plantea algo devastador: el Apocalipsis. No queda nada en Lear. Todo y todos quedan exterminados”, señaló.

La película de Levring logra capturar eso, agregó, pues aunque se trata de una apropiación muy libre, la película capta la esencia de la obra al retratar un apocalipsis contemporáneo: “Al final de la cinta no hay relación humana, ni valor, que quede en pie, tal como ocurre en la tragedia de Shakespeare”.

Podemos observar en El rey está vivo otras referencias a la obra del dramaturgo británico, a decir de Olguín. Mencionó que esta película parece insertar muchas referencias al mundo shakespeariano, principalmente de su obra La tempestad, algo evidente en la situación de los personajes, aislados por el desierto en una suerte de oposición de la naturaleza hacia ellos.

Algo muy importante a destacar del filme, según subrayó Valdés Peña, es que ésta se concibe como uno de los primeros ejercicios del movimiento cinematográfico nacido en Dinamarca Dogma 95. Iniciado en 1995 por Lars von Trier y Thomas Vinterberg, Dogma 95 promovía la creación de un cine basado en valores tradicionales de historia, actuación y tema, y excluyendo el uso de elaborados efectos especiales o tecnología.

Agregó que Levring formó parte de los cuatro cineastas que comenzaron el movimiento y que crearon su famoso Manifiesto y "Voto de castidad". El rey está vivo fue el cuarto ejercicio de Dogma 95, pero demuestra que el movimiento fue un fracaso pues las reglas no permitían aprovechar el artificio inherente a las creaciones cinematográficas. Esta cinta lo demuestra porque rompe en muchas ocasiones con los lineamientos del Voto de castidad.

David Olguín concluyó su participación al señalar que El rey está vivo es una muestra más de lo sorprendentemente contemporáneo que puede ser la obra de Shakespeare y cómo es tan posible recurrir a sus tramas para retratar nuestros tiempos: “La película es tan devastadora como la obra de teatro. El paisaje se vuelve mental, el desierto en un teatro y el mundo todo en un escenario”.

El ciclo Charlas sobre cine y literatura: Shakespeare 400 años se lleva a cabo gracias a la colaboración de la Secretaría de Cultura, la Coordinación Nacional de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes, la Cineteca Nacional y el British Council México.

La siguiente sesión del ciclo será el lunes 23 de mayo con la proyección de Ser o no ser (Hamlet, EUA, 2001, 112 min.) de Michael Almereyda. El Director de Artes del British Council, Edgardo Bermejo, comentará esta película que traslada el Hamlet de Shakespeare al Nueva York del nuevo milenio. La entrada será gratuita y el cupo limitado. Las cortesías estarán disponibles el mismo día en la taquilla 5 de la Cineteca Nacional.

David Olguín habló del vínculo entre el filme El rey está vivo y la pieza El rey Lear

• Charlas Ciclo Contemporaneo Dramaturgo Filme Obra
• At 5/19/2016 10:12:00 p.m.
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