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jueves, 3 de septiembre de 2020

La iniciativa del Festival EstacionArte 4x4 BJ -que tendrá lugar de manera gratuita del 20 de agosto al 11 de octubre- en su nombre lleva el espíritu de la Alcaldía Benito Juárez, que pretender ser una estación de arte, con cuatro disciplinas artísticas a las que se puede acceder sobre cuatro ruedas y se disfruta, por su seguridad y protocolo, estacionado. Es integral porque además de apoyar a los creadores, cuidará de la salud física de los espectadores que podrán disfrutar de los espectáculos de música, danza, teatro y cine desde su auto sin interactuar más que con los pasajeros de su automóvil en la Plaza de la Soberanía. Esta propuesta artística y recreativa también procura la salud mental de los asistentes a través del esparcimiento seguro a puerta cerrada; fomentando la unión familiar, imprescindible para hacer más llevadera la difícil situación por la que atravesamos. 

La programación del Festival EstacionArte 4x4 BJ se realizó a través de una convocatoria y un comité especializado en artes escénicas que seleccionó 24 proyectos artísticos que deberán seguir los protocolos sanitarios, entre los cuales destaca, no presentar a más de 10 personas sobre el escenario en un formato de sana distancia. Los criterios son calidad de la propuesta artística, trayectoria de los participantes, viabilidad en formato de autocinema y pertinencia en el marco de la programación (balance entre proyectos musicales, dancísticos, teatrales, inclusivos e infantiles). 

Esta es la programación para esta semana (en adelante pueden consultar horarios en su página de facebook, en twitter o instagram: bjalcaldia

Jueves 3 de septiembre, 20:30 hrs.
POR MIS BIGOTES (cine)
Manuel Caramés

La película propone reflexiones sobre el valor de la amistad, el sentido de la pertenencia y la aceptación a los cambios. Aunque suene increíble, al pequeño Ulises de tan sólo nueve años, de un día para otro le creció el bigote. Esta situación desata una serie de acontecimientos extraordinarios para él, su mamá y sus mejores amigos.

Viernes 4 de septiembre, 20:30 hrs.
VIÑETAS BRECHTIANAS (teatro)
Perro Teatro
Viñetas Brechtianas es un espectáculo de la compañía profesional autogestiva, compuesto por canciones, poemas, citas y escenas teatrales de Bertolt Brecht. En un tono lúdico, cabaretesco, la estructura temática se asienta en la transcripción de algunas partes del interrogatorio que le hiciera el Comité de Investigación de Actividades Antinorteamericanas en 1947. Reflexión autobiográfica, fin del teatro, racismo, la guerra, intolerancia, exilio, libertad, compromiso social, solidaridad son algunos de los temas abordados.  

Sábado 5 de septiembre – 19:00 hrs.
CONCIERTO AFRODELIA (música)
Punta Diamante
Punta Diamante es una banda de la Ciudad de México que define su música como Afrodelia, una amalgama de diferentes raíces musicales tales como el afrobeat, funk, free jazz, música afroantillana y rock psicodélico, generando así, una paleta sonora genuina y rica en texturas, movimientos y matices.
La música de esta agrupación se caracteriza por una fuerza envolvente que invita a la audiencia a escuchar y bailar profundamente, provocando una retroalimentación de sensaciones y emociones, un ritual para celebrar en comunidad.

Estarán presentando en vivo precisamente su primer LP "Afrodelia". Punta Diamante ha sido parte de grandes festivales musicales como Festival Vaniloquio en la explanada del centro de Cholula, Casa de Lago UNAM, Departamento StudioBar, Feria del Libro y la Rosa en el Museo Universitario del Chopo, Fiesta de la Música de la Alianza Francesa en el Monumento a la Madre, Noche de Museos en la Academia de San Carlos, Festival de las Culturas en Resistencia Ollin Kan, Foro Cultural Hilvana, Carnaval Bahidorá, El 316, Noche de Primavera en el Centro Histórico, Festival Hipnosis 2019 y Festival GNP 2020, por mencionar algunos.

Domingo 6 de septiembre – 18:00 hrs.
PEDRO Y EL LOBO (danza)
Ballet de la Ciudad de México (BCM)

El ballet de la Ciudad de México, independiente desde 1996, presenta la obra de teatro infantil Pedro y el Lobo, que se constituye como un espectáculo infantil de la más alta calidad, a través del cual el público familiar se acerca a las artes escénicas de forma comprensible y aprehensible. El cuento inculca importantes valores como la honestidad, la amistad y el trabajo en equipo. Está concebido como una amable introducción a la música clásica y a la danza. De la mano de un narrador y gracias a la extraordinaria partitura de Sergei Prokofiev, el pequeño espectador aprenderá a identificar ciertos instrumentos, asociándolos a los diferentes personajes y aprehendiendo el concepto del leitmotiv. Al mismo tiempo, cada personaje es representado por un estilo de danza particular, permitiendo al público descubrir las cualidades de movimiento que caracterizan al ballet, al jazz, a la danza contemporánea, a la acrobática y a la danza de carácter.

Festival EstacionArte 4x4 BJ - PROGRAMACIÓN SEMANAL

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viernes, 7 de agosto de 2020


Habrá un conversatorio con artistas involucrados y miembros del Hospital ABC 

Fundación ABC, I.A.P., Morton Subastas y siete artistas contemporáneos mexicanos se han unido para realizar una subasta con la finalidad de recaudar fondos para la compra de equipos de protección para personal médico y de enfermería que lucha contra el COVID-19. Las obras formarán parte de la “Subasta de Pintura, Dibujo y Escultura. Incluye Colección y Biblioteca Backal y Colección Graciela Romandía” que se llevará a cabo el próximo jueves 27 de agosto a las 18:00 horas, en modalidad en vivo, a puerta cerrada.

La Fundación ABC, I.A.P. busca recursos para apoyar a los programas de salud incluyente que impulsa el Centro Médico ABC, y aunado a esto, busca también el apoyo inmediato en casos de crisis y desastres naturales en los que la sociedad requiera de servicios de salud.
El Centro Médico ABC acondicionó en sus instalaciones de Observatorio un área para pacientes con COVID-19, y por convenio con el Gobierno Federal está recibiendo a personas de sectores vulnerables, referidas por el Sector Salud, durante la emergencia sanitaria para darles atención médica de alta calidad. El Centro Médico ABC se preparó con equipamiento médico completo y personal de apoyo. También ha contado con atención de “telemedicina” permitiendo llegar a más de dos mil pacientes a través de 15 mil consultas.

Desde el inicio de la emergencia sanitaria, el Centro Médico ABC, a través de Fundación ABC, I.A.P., ha creado proyectos virtuales de música, danza y arte para crear un espacio de reflexión, fraternidad y esperanza para el personal médico, los pacientes, sus familias y la sociedad en general. En este contexto surgió “Arte que Sana”; con curaduría de Pilar Alfonso, directora y fundadora de PAG Art Advisory, quien eligió a artistas y obras que tienen en común esta perspectiva sensible del arte y su función regeneradora. Los artistas plásticos que se solidarizaron con la causa aportando sus pinturas, son Berta Kolteniuk, Gustavo Monroy, Boris Viskin, Juan Carlos del Valle, Pablo Rulfo, Magali Lara y Perla Krauze.
El miércoles 12 de agosto se realizará un conversatorio virtual con Pilar Alfonso, Jimena Gutiérrez, Jefe de Fundación ABC, I.A.P., los artistas Perla Krauze y Juan Carlos del Valle, así como Sofía Duarte Thompson, gerente del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de Morton Subastas, en el cual compartirán más detalles del proyecto y podrán resolver las dudas y comentarios de la prensa y el público general. La cita será en la página de Facebook de Morton Subastas en punto de las 17:00 horas.

La “Subasta de Pintura, Dibujo y Escultura. Incluye Colección y Biblioteca Backal y Colección Graciela Romandía”, organizada por Morton Subastas, consta de un total de 275 lotes, entre los que se incluye la sección de “Arte que Sana”, destacan las obras de artistas como Ernesto “El Chango” García Cabral, Francisco Eppens, Romeo Tabuena, Roberto Montenegro, David Alfaro Siqueiros, entre otros.
La subasta se llevará a cabo el jueves 27 de agosto del 2020 a las 18:00 horas, sin compradores en sala, para seguir con las normas de seguridad sugeridas por las autoridades de nuestro país, será transmitida a través de la página web de Morton Subastas www.mortonsubastas.com

“Arte que sana” busca recaudar fondos para apoyar a personal médico que lucha contra el COVID-19 a través de subasta

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viernes, 31 de julio de 2020

Por Alberto Esteves Arreola

Desde la hermosa y romántica  Francia,  país de glamour y del arte mundial, los perfumes y la vida plena nos informan para NEWS INFORMANET.US de ese gran genio que era Pablo Picasso.  
Que a  mediados del verano, lo invitamos a redescubrir la cerámica de Madoura en Vallauris, donde Picasso creará muchas piezas que conformarán un conjunto donde todas las técnicas, todos los procesos artísticos, así como temas y temas están relacionados e interactuando.
La cerámica toma prestado del repertorio de utensilios culinarios, otros pertenecen a las producciones del estudio ... de hecho, son "objetos encontrados" reelaborados cuyos resultados se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura policromada.

PICASSO Y CERÁMICA
En 1948, Picasso se mudó a Vallauris. Su deseo de trabajar con cerámica le permitirá crear un nuevo lenguaje. En este video, descubre el taller y las obras ... ¡en color!
En el trabajo de Picasso con la cerámica, la experimentación y la improvisación desempeñan un papel decisivo. En Madoura investigó todos los campos de la cerámica, tanto en el plano formal como en el técnico. Mezclando la escultura, la pintura y las técnicas de impresión, consiguió crear nuevas formas plásticas, que le interesaban desde la creación de sus esculturas polícromas cubistas y de sus ensamblajes de objetos anteriores, que tendrían una repercusión apreciable en toda su obra posterior.
El manifiesto interés de Picasso por “el arte de los orígenes”
Entre el 8 de mayo y el 16 de septiembre de 2019, el Centre Pompidou presentó una exposición titulada “Prehistoria. Un enigma moderno” que intentaba hacer balance de un tema poco explorado hasta la fecha: la fructífera relación entre prehistoria y arte moderno y contemporáneo.
“PAB”, editor y poeta.
Pierre André Benoit, conocido como “PAB”, tenía 35 años y Picasso 75 cuando se encontraron por primera vez en 1956. Nacido en Alès en 1921 y fallecido en 1993 sin haber abandonado nunca su región natal, este esteta totalmente entregado al arte, los libros y la poesía produjo diecisiete libros con Picasso.
El amigo Jaime Sabartés (Barcelona, 1881- París, 1968).
En 2018, el Museu Picasso de Barcelona hizo públicas las cartas que Picasso le escribió a Jaime Sabartés, depositadas por el artista con la condición de que se respetara un periodo de 50 años antes de su publicación.

Picasso 2020, un placer del.Mundo

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martes, 21 de julio de 2020


*** La compañía Los Triste Tigres encabezada por Adrián Vázquez dará dos funciones en vivo

*** Se unen al programa FOROSHKSPRLIVE


La compañía “Los Tristes Tigres” encabeza por Adrián Vázquez se une a la modalidad FOROSHKSPRLIVE y ofrecerá dos funciones Wenses y Lala y El hijo de mi padre, estas propuestas escénicas se llevarán a cabo en vivo in situ para que el espectador, no solo del país sino, de todo el mundo pueda tener la oportunidad de disfrutar esta experiencia escénica y aun costo muy accesible con estos montajes que han cautivado al público.
La propuesta estilística de la compañía teatral “Los Tristes Tigres” se fundamenta en una apuesta por la actoralidad con el mínimo empleo de recursos escenotécnicos. Haciendo uso de un entrenamiento físico en las corrientes de Teatro del Cuerpo se construyen ficciones a partir del actor/actriz, su voz y el potente uso de su imaginación. Las puestas en escena pertenecientes a su repertorio, ofrecen una visión optimista y esperanzadora de la realidad a través del humor sin concesiones.
 “Wenses y Lala”, ha recorrido numerosos escenarios nacionales e internacionales, en festivales, muestras y ha sido ganador de varios premios, entre ellos Los Metro, estrenada hace poco más de un lustro y desde entonces no deja el espacio escénico. Este trabajo de la compañía “Los Tristes Tigres” es todo un referente del teatro actual.
Son dos seres que se complementan: Lala (Teté Espinoza) es un espíritu parlanchín, alegre y fuerte; en cambio, Wenses (Adrián Vázuqez), es tímido, taimado y silencioso, pero de convicciones sólidas, de una sola pieza. La carencia de uno, se encuentra en el potencial del otro. Así de sencilla y a la vez profunda es la trama que es fiel a la propuesta de la compañía y que demuestra que no se requiere de grandes escenografías para hacer un teatro que vive en cada función.
   En “Wenses y Lala” la compañía “Los Tristes Tigres” no olvida el sentido social del teatro, en los diálogos entre los protagonistas existe la nostalgia y el humor, pero también el paisaje de las desapariciones forzadas, la injusticia y la militarización del país.  “Es una obra --explica Adrián Vázquez-- que habla de manera muy directa, con un lenguaje sencillo, una historia que se construye contando la vida de dos personajes. Nos demuestra que las historias que se cuentan de manera sencilla y honesta, tienen un recibimiento mayor”.

Por su parte, El hijo de mi Padre, es una puesta en escena que forma parte del repertorio de la compañía desde sus orígenes la cual ha participado en diferentes Festivales Nacionales. Es una obra ágil, con pocos recursos escenográficos, contada a una voz que nos transportan a una cantidad enorme de lugares y situaciones con el potente poder de la evocación y una depurada técnica actoral, capaz de transportarnos a esos espacios ficcionales con los recursos inherentes del actor: la voz, el cuerpo y la imaginación.
El unipersonal, dentro del teatro del cuerpo, propone un espectáculo donde un actor se desdobla en varios personajes, o en otra acepción, es un espectáculo escrito, dirigido y actuado por la misma persona, Adrián Vázquez. En ambos casos, este trabajo, cumple de manera por demás acertada con dichos significados. En El hijo de mi Padre, la apuesta escénica se fundamenta en la mima corporal y a transfiguración en escena como herramientas expresivas.
El hijo de mi Padre es un espectáculo unipersonal para adolescentes y adultos donde Adrián Vázquez construye la historia de Maxi (Chimino), un hombre que a fuerza de voluntad ha sobrellevado los desencuentros del destino para construirse a sí mismo. Es una obra directa, dura, sin contemplaciones. Un viaje interminable de regreso en busca del ser, de la identidad, del conocimiento, de la verdad y la conciencia

 “Wenses y Lala” se presenta el martes 28 de julio a las 20:30 horas, mientras que “El hijo de mi padre” se presenta el martes 10 de agosto a las 20:30 horas, para ambas funciones el costo por pantalla es de $100 y se pueden adquirir en https://wenses-y-lala.boletia.com/ y https://el-hijo-de-mi-padre.boletia.com/. A través de la boletera:  boletia.com


WENSES Y LALA
Autoría y dirección: Adrián Vázquez*
Elenco: Teté Espinoza y Adrián Vázquez
Compañía: Los Tristes Tigres
 Sinopsis: Los protagonistas de esta historia, Wenses y Lala, crecieron e hicieron su vida en algún lugar perdido del litoral del norte de México. La obra habita en una atractiva atemporalidad que consigue, por su misma amplitud, situarse en cualquier momento de nuestras vidas o la de nuestros conocidos. Es una historia de amor, de amor puro. Aquel que ni la muerte puede dejar de hacerlo vivir. Wenses, un hombre valiente, de fuertes convicciones, tímido y callado, pero con sentimientos abrasadores como los del ojo de una tormenta, en silencio. Lala, una maravillosa mujer, vivaz, alegre, entregada, con ese ímpetu por la vida que enamora. Juntos aprendieron todo de la vida. Juntos en todas las adversidades. Optimistas hasta el final, porque eso sí, ellos no son de lágrimas, de lágrimas fáciles, nunca lo han sido.
Función:  martes 28 de julio a las 20:30 Hrs.
Costo de boleto por pantalla: $100
Espacio escénico: Foro Shakespeare en vivo, el público desde su pantalla
Boletos en: https://wenses-y-lala.boletia.com/
A través de la boletera:  boletia.com

EL HIJO DE MI PADRE

Autoría, dirección y elenco: Adrián Vázquez
Sinopsis: Es la historia de Maxi, un hombre que se ha construido a sí mismo, dando tumbos por la vida, a veces con resultado ganadores y otras tantas con “descalabros”; es un relato de vida, donde el protagonista entreteje su historia con anécdotas contadas de manera ágil pero crueles, lúdicas, pero con dosis de dolor, nostalgia y desolación; una trama nada fuera de lo común, en que un joven de una típica familia se propone revelarse a su destino manifiesto.
Función: martes 10 agosto a las 20:30 Hrs. (única fecha)
Costo de boleto por pantalla: $100
Espacio escénico: Foro Shakespeare en vivo, el público desde su pantalla
Boletos en: https://el-hijo-de-mi-padre.boletia.com/.
A través de la boletera:  boletia.com

La compañía Los Tristes Tigres dará funciones en vivo para que el público de todo el mundo los vea desde su casa

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Qué hicieron los artistas durante el aislamiento social?, ¿cómo aprovecharon las horas de confinamiento para seguir creando?, ¿utilizaron su creatividad para manifestar su enojo o preocupación por la enfermedad que afecta a nuestro país y al mundo?
Definitivamente el mundo cambió en sus tiempos, espacios y costumbres, y los artistas lo plasmaron como saben hacerlo, con su lenguaje artístico. Por ello, Aguafuerte Galería convocó a artistas nacionales y extranjeros para compartir su experiencia durante la cuarentena por el covid-19 y por las medidas de higiene tomadas por las autoridades sanitarias.
Se recibieron trabajos de México, Cuba, Chile y Perú que plasman con colores, fosforescencias, blancos y negros, la soledad de las personas, el trabajo comunitario, médicos en el frente de batalla, generación de basura por el desecho de mascarillas, violencia dentro de los hogares agudizada por el confinamiento, desesperación y transformación, entre otros temas, a través de diversas técnicas como pintura, escultura, fotografía y técnicas mixtas.
Jeannette Betancourt, Pablo Maire, Cecilia de Lima, Juanjo Sainz, Marcelo Calvillo, Jesús Harada son algunos de participantes en esta muestra denominada “Pandemia”, la cual estará abierta a todo el público del 16 de julio al 17 de agosto de 2020 con medidas de seguridad como son uso obligatorio de cubrebocas, sana distancia entre los asistentes y aforo controlado.


Israel Alvarado es el curador de “Pandemia” que se exhibe en Aguafuerte Galería sede colonia Roma Norte, CDMX.
Aguafuerte Galería cumple 15 años como un lugar vital para la muestra de arte contemporáneo de artistas nacionales y extranjeros, consagrados y emergentes de las más diversas disciplinas artísticas.
La galería ofrece exhibiciones variadas y arriesgadas en torno a lo figurativo o abstracto, lo político, lo social, las problemáticas locales y globales y arte inclusivo. Ha desarrollado un sinnúmero de actividades, entre las que destacan exhibiciones, talleres de arte, presentaciones de libros y subastas, contando con la participación de más de mil artistas.
El recinto ha realizado exposiciones extramuros en México, España y Argentina, además de contar con dos sedes adicionales en Val´Quirico, Tlaxcala, y Tequisquiapan, Querétaro; para celebrar sus 15 años de existencia en el mes de julio renovó su imagen y página web: http://www.aguafuertegaleria.com/.
Aguafuerte Galería, Arte para todos, se encuentra en la calle de Guanajuato número 118 en la Colonia Roma Norte, alcaldía Cuauhtémoc, en la CDMX.

Arte durante el confinamiento

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domingo, 28 de junio de 2020


“La Verdadera Historia de lo Superhéroes” fue seleccionada por la curadora Pilar García del Museo Universitario Arte Contemporáneo para la colección permanente del MUAC, y con ello integrarse al patrimonio artístico de México.


Se trata de una serie de fotografías de la artista visual Dulce Pinzón, originaria de la Ciudad de México, en la que da visibilidad a los migrantes en Estados Unidos, convirtiéndolos en superhéroes e integrándolos a escenas de su trajín cotidiano ataviados los famosos superhéroes de la cultura norteamericana.
Con ella deja en claro la enorme contribución de los migrantes en el vecino país, pues cada uno de los personajes, tiene su propia historia, su labor fundamental en la sociedad estadounidense y sus “súper poderes”, como el de enviar remesas a sus comunidades de origen.
Esta serie consiste en 19 fotografías y es un proyecto que la artista inspiró en su experiencia viviendo en Nueva York, donde presenció la caída de las Torres gemelas, se formó como artista e identificó en carne propia la historia de la migración en los Estados Unidos. La serie fotografía en técnica analógica, la cual trabajó durante 10 años durante los cuáles conoció, a cada uno de los personajes que se convirtieron en sus personajes- superhéroes.
Este 2020, además del MUAC; el Museo The National Museum of American History of the Smithsonian Institution, en Washington DC, también decidió adquirir la misma serie para su colección permanente.

Pocos artistas cuentan con el privilegio que su obra sea considerada por los museos para sus colecciones propias. Dulce Pinzón ha generado relevancia por ser una artista contemporánea muy completa que transita entre la fotografía, la instalación y la gestión cultural. Cuenta con reconocimientos internacionales y una visión única sobre problemáticas sociales como el daño al medio ambiente, la migración y el feminismo.
Dulce Pinzón estudió Ciencias de la Comunicación en La Universidad de Las Américas Puebla y fotografía en La Universidad de Indiana en Pennsylvania. En 1995 se mudó a Nueva York en donde estudio fotografía en el International Center of Photography; Cine en la Universidad de Nueva York y Derecho Laboral en Dowling College, Long Island en la misma Ciudad, formación que se ve reflejada en su trabajo visual.
Dulce Pinzón utiliza la fotografía no como fórmula que repite, sino como un recurso que utiliza de manera creativa y cambiante, pero siempre representando “su” realidad y los temas que le interesan o preocupan con un evidente compromiso político, fuerza crítica y la ironía inteligente que la caracterizan.

La serie fotográfica -La Verdadera Historia de los Superhéroes - de la artista mexicana Dulce Pinzón es seleccionada para la colección permanente del MUAC

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jueves, 25 de junio de 2020

Se trata de una intervención al espacio público con luz llamada “The Writing on the Wall” (Escritos en la Pared) creada por el artista Hank Willis Thomas y Incarceration Nations Network, que busca dar visibilidad a las voces de la población privada de su libertad que ha sido silenciada y con ello vulnerada
El jueves 25 de junio del 2020 a las 8 de la noche, Incarceration Nations Network (INN) — en colaboración con el aclamado artista conceptual Hank Willis Thomas y gracias a la producción del equipo de Openbox, MASS Design Group, Chemistry Creative y Dromómanos — será presentada la obra The Writing on the Wall, una instalación de guerrilla artística que tendrá lugar en una locación secreta y reservada, pero que se sabe será un edificio importante de la Ciudad de México, dentro de la Colonia Roma.
En el marco de esta instalación se llevará a cabo un Instagram Live en el que se realizará una conversación conducida por Incarceration Nations Network (INN) con el artista Hank Willis Thomas. Este acto virtual tendrá lugar próximo 29 de junio a las 8:00 pm desde la cuenta de INN.
Durante la conversación participarán Acción Andina, Platforma NNAPEs, EQUIS Justice for Women y ConTextos, organizaciones que trabajan con personas afectadas por el sistema penal en América Latina.
La intervención en el espacio público, que esta vez será presentada en la CDMX, mostrará escritos de personas privadas de su libertad, con especial enfoque en los efectos del COVID -19 en la población carcelaria, ya que el riesgo de contraer el virus y morir, se eleva en las personas en prisión, derivado de que no se puede mantener el distanciamiento social y tomar todas las medidas para contención de la epidemia. Incluso muchos de ellos tienen enfermedades que significan agravantes del riesgo.
El objetivo de este proyecto artístico es destacar la necesidad de justicia para las personas privadas de su libertad. Los ensayos, poemas, cartas, historias y notas escritas por personas encarceladas irrumpirán en el espacio público para llamar la atención sobre la crisis que existe en los sistemas de impartición de justicia en todo el mundo.
La edición de Writing on the Wall en la CDMX se traducirá al español e incluirá escritos en portugués, de personas que están encarceladas en América Latina. De esta manera se genera una experiencia que trasciende los muros de la cárcel y rompe con la desconexión entre los presos y las personas no encarceladas. De esta manera se invita al espectador a reflexionar sobre uno de los mayores problemas que aquejan a la humanidad en materia de derechos humanos.
“El encarcelamiento masivo está en el corazón de todo lo que está sucediendo en este momento, tanto por la pandemia como en las protestas sociales” asegura la Dr. Baz Desinger, profesora del John Jay College of Criminal Justice, en Nueva York, y Fundadora y Directora Ejecutiva del INN. Para ella, la escritura en los muros siempre ha sido una especie de irrupción. En este caso las voces de las personas tras las rejas de todo el mundo serán puestas en los muros del espacio público para que toda la gente se vea obligada a leerlas. “Ahora más que nunca tenemos que hacer esta dramática intervención, para que la gente no olvide y preste atención a estas voces justo en medio de una pandemia y un movimiento de masas ".
La intervención artística The Writing on the Wall ha estado presente en ciudades como Nueva York, Columbus, Ohio, Detroit, New Orleans, Philadelphia, Miami y Washington DC.
The Writing on the Wall fue concebida como una colaboración entre Hank Willis Thomas y la profesora, activista e impulsora de reformas de justicia Doctora Baz Dreisinger, junto con sus estudiantes en el programa “Prison-to-College Pipeline”, fundado por ella hace 10 años en el John Jay College of Criminal Justice, de Nueva York. Los textos utilizados para la obra fueron recabados por la Doctora Dreisinger durante sus años de enseñanza, en los que recorrió prisiones de 50 países alrededor del mundo. Los autores de los escritos aprobaron la utilización de los mismos para la intervención.
Incarceration Nations Network es una red global y un grupo de expertos que apoya, promueve y difunde los esfuerzos innovadores de reforma penitenciaria en todo el mundo. INN agrupa a más de 100 organizaciones, a nivel mundial que realizan una serie de reformas y trabajos de reinvención, desde justicia restaurativa hasta educación en prisión, así como prestan su apoyo para la readaptación social de los presos. Al ampliar los esfuerzos de los socios y construir una coalición global, INN trabaja para poner fin al encarcelamiento masivo en todo el mundo. Sus otros proyectos incluyen una breve serie documental de televisión actualmente en producción; una plataforma web multimedia que muestra el trabajo de sus socios y otras organizaciones de justicia global, esto a través de reuniones internacionales, destinadas a cambiar la narrativa sobre las cárceles y las personas en ellas.
Acción Andina-Bolivia es una plataforma de personas comprometidas con el estudio independiente y el análisis crítico de la globalización, sus expresiones hegemónicas y sus impactos locales. Acción Andina se creó en 1992 con una visión de justicia social y respeto por los derechos humanos. Tiene una misión específica para monitorear las políticas relacionadas con el narcotráfico, especialmente con respecto a las poblaciones afectadas en la región andina.
Plataforma NNAPEs (acrónimo de Niños con padres encarcelados) es una alianza estratégica de organizaciones latinoamericanas y caribeñas, que trabaja con y para niños y jóvenes con padres o familiares encarcelados. La plataforma trabaja en defensa y promoción de sus derechos, siguiendo los principios de la Convención sobre los Derechos del Niño y otros instrumentos y estándares internacionales.
EQUIS es una organización feminista que desde 2011 busca transformar instituciones, leyes y políticas públicas para mejorar el acceso a la justicia para todas las mujeres. Trabajan por una justicia integral que tenga en cuenta las intersecciones entre el género y otras categorías como: raza, etnia, clase, discapacidad, estatus migratorio, identidad de género, preferencia sexual, entre otras.
ConTextos es un organismo que interrumpe las redes sociales de violencia con prevención, tratamiento psicológico y justicia. Se trata de un trabajo comunitario con la red de víctimas desde el estudio de la experiencia en ambientes violentos.

INSTALACIÓN DE ARTE PÚBLICO CON ESCRITOS DE PERSONAS EN PRISIÓN AFECTADAS POR COVI-19, SERÁ PROYECTADA EN EDIFICIO SECRETO UBICADO EN LA CIUDAD DE MÉXICO

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martes, 16 de junio de 2020

·        Hay Digital presenta esta semana al escritor mexicano Juan Villoro, en una reflexión sobre el nuevo mundo post Covid-19, a través de una visión humanista

Hay Festival continúa acercando la experiencia de los festivales a los hogares del mundo entero, así como implementando nuevos mecanismos digitales para desarrollar el pensamiento, motivar el aprendizaje e impulsar la imaginación. Es así como siguen las actividades para reactivar la nueva normalidad e inspirar a las mentes inquietas que buscan el desarrollo y la intelectualidad a través de la palabra.
Luego de la condecoración con el Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2020, el Hay Festival continúa con su labor de acercar a los máximos exponentes de la literatura, las ideas y el conocimiento a todo el público, utilizando los mecanismos digitales para desarrollar el pensamiento, motivar el aprendizaje e impulsar la imaginación.
Con el apoyo del aliado regional SURA y en alianza con BBC Mundo, Hay Festival libera este lunes 15 de junio, la séptima charla de Hay Digital, Fuego Nuevo. El fin del mundo y otros asuntos crónicos, presentada por el narrador, ensayista y dramaturgo mexicano, Juan Villoro, una de las voces más destacadas de la literatura latinoamericana actual.
El reposicionamiento humanista y la reflexión sobre ¿qué nos va a dejar la pandemia una vez que se pueda terminar? son parte de los cuestionamientos que Villoro aborda durante su participación. El entorno polarizado de la política, el linchamiento público en las redes sociales, la violencia de género, la pérdida de la privacidad y la extracción de datos también son temas que la pandemia ha despertado y evidenciado.
A través de una tradición ancestral azteca, Villoro pregunta ¿podremos encender un fuego nuevo tras la pandemia? ¿estamos dispuestos a aprender y reflexionar? La responsabilidad histórica recae en nosotros como comunidad y parte esencial de esta comunidad son las artes, el pensamiento, la representación de la realidad y la imaginación, que es tan importante para la subsistencia humana como el alimento.
La charla ya está disponible en: https://www.hayfestival.com/imagina-el-mundo, y el próximo sábado 20 de junio el escritor mexicano estará disponible para contestar preguntas, previamente enviadas en www.hayfestival.com o en las redes sociales del festival.
Hay Digital continuará en próximas semanas, presentando charlas y reflexiones de diversas voces como: Miriam González Durantez (España); Jean Marie Gustave Le Clezio (Francia); Paul Krugman (Estados Unidos); y Venki Ramakrishnan (India).

HAY DIGITAL: JUAN VILLORO. FUEGO NUEVO EL FIN DEL MUNDO Y OTROS ASUNTOS CRÓNICOS

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lunes, 15 de junio de 2020

  • La escena del graffiti en Tel Aviv inspira como ninguna otra.
  • Conoce la propuesta de artistas israelíes que evocan mensajes de denuncia social pero también frases de paz y armonía universal.

Si bien el graffiti solía estar asociado con el vandalismo, su percepción ha cambiado drásticamente en las últimas décadas. Hoy en día, el graffiti es considerado por muchos como una forma de arte legítima destinada, en algunos casos, a expresar críticas sociales y políticas, o en otros, a expresar los sentimientos en un mundo caótico y en constante cambio.
Tel Aviv es, sin duda, la capital del arte callejero en Israel. Al igual que muchas grandes ciudades como Nueva York, Berlín y Londres, Tel Aviv ofrece obras de graffiti coloridas, atrevidas, a veces incluso provocativas, que le dan a la ciudad una vida nueva y emocionante. Las pinturas de graffiti se pueden encontrar principalmente en la parte sur de la ciudad, y sus creadores son ampliamente famosos por ello.
Muchos de los artistas de graffiti de Tel Aviv tienen identidades secretas y les gusta 'esconderse' detrás de su arte, aunque una búsqueda rápida en línea revela que la mayoría de ellos son artistas famosos, que estudiaron en las mejores escuelas de arte que Israel tiene para ofrecer y a menudo, exhiben su trabajo en galerías de arte y exposiciones en Tel Aviv y en todo el mundo.
Dede Bandaid
Uno de los artistas de graffiti más famosos de Tel Aviv se llama Dede, apodado Dede Bandaid debido a su marca distintiva: las bandas o curitas. En sus primeros años como artista, solía pintar curitas en las paredes. En los últimos años, su arte ha evolucionado, pero todavía las incluye en muchos de sus graffitis. Para Dede, la bandita es un símbolo de su deseo de curar sus heridas y superar las dificultades. Pronto se dio cuenta de que su mensaje es universal y, por lo tanto, continúa expresándolo. Dede también mantiene una página de Facebook e Instagram muy actualizadas.
Nitzan Mintz
A otros artistas, como Nitzan Mintz, les gusta expresar mensajes sociales. La poeta visual rocía sus palabras en las paredes de Tel Aviv y colabora con otros artistas como Dede y Signor gi (que generalmente pintan figuras junto a su poesía). En este trabajo, expresa su frustración por las oportunidades que se ofrecen a las mujeres en este mundo, y dice en hebreo: "la ventana se hace cada vez más pequeña, las puertas se cierran en mi cara. Mi nombre no es Alicia, y esto no es el país de las maravillas". En otro (que fue eliminado por personas que no apreciaron el mensaje), ella expresa enojo contra las mujeres abusadoras, pero también hay un mensaje optimista detrás de su poesía callejera. Por ejemplo, el arte del graffiti que dice "debajo de la sombra de la farola, las tejas soplan, y todos me susurran, mira porque has crecido, mira, una flor". Puede encontrar más información sobre Nitzan http://www.nitzanmintz.com/
Dioz
El artista Dioz tiene que ver con la experiencia personal y afirma que encuentra la belleza en la distorsión. El artista que vive en Jaffa, comenzó a pintar en las paredes en 2009. También es un ex animador y estudiante de arte en una de las famosas escuelas de arte de Israel. Sus pinturas a menudo incluyen caras con bocas y lenguas grandes, algunas de ellas incluso vómitos. Dioz da crédito a su problemática juventud como inspiración, pero también agrega que desde su punto de vista, después de vomitar, uno se siente mejor y, por lo tanto, también ve un lado optimista de su arte perturbador.
Missk
La prolífica artista femenina Missk vive en el barrio de Tel Aviv, Florentin. Missk, como Dioz, es una ex estudiante de arte y, como Nitzan, le gusta incluir palabras en su graffiti. Missk combina letras en hebreo de famosas canciones pop en su arte de graffiti, dándoles una vida y un significado completamente nuevos en este contexto nuevo y complejo. Una de sus obras famosas muestra a una anciana fumando, con un animal alrededor del cuello, junto a Las palabras hebreas "¡Oye, oye! ¡Esto no es Europa!", Tal vez ofreciendo su opinión sobre la vida en el Medio Oriente.
Kis-lev
También hay pinturas que simplemente te hacen sonreír. Como esta obra de arte del artista de graffiti y actor Kis-lev (cuyo nombre en hebreo significa bolsillo de corazón) en un edificio en la calle Abarbanel. El estilo artístico de Kis-Lev se considera ingenuo e infantil, pero también muy conmovedor. Pintó a Peter Pan volando con un ramo de corazones como un homenaje a Banksy. Otras obras famosas suyas incluyen una pintura en aerosol de Alicia en el país de las maravillas. Kis-Lev también es un activista por la paz y a menudo dona sus obras para causas sociales.

CUANDO LAS PAREDES HABLAN EN ISRAEL.

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viernes, 12 de junio de 2020



2 de los 4 fragmentos que componen la pieza "Efímero" del artista José Luis Cuevas serán exhibidas como parte de una subasta de arte latinoamericano. Esta pieza en particular simboliza la ruptura con el establishment gubernamental de realizar piezas por encargo y representa un movimiento generacional que en un acto de rebeldía rompe con anquilosados nacionalismos, que Cuevas y otros pintores ridiculizaban en Siqueiros principalmente, denominándolos "La cortina del nopal", en referencia a este nuevo movimiento cosmopolita que sirvió de transición en la historia del arte en México como parteaguas para la independización del mismo; inspirado en un anuncio que José Luis vio en New York en el que se proclamaba la actriz Judie Dench y que es el comienzo de los actuales performances y 'happenings' que representan un acto de libertad en público.
El Mural Efímero fue creado por José Luis Cuevas en la terraza de una casa de la Zona Rosa, en la Ciudad de México en el año 1967, acto que significó una histórica burla del arte institucionalizado y se convirtió en un referente de la voz de la generación de La Ruptura. Simbolizó para el arte mexicano abandonar la temática del México rural postrevolucionario e introducirse en el discurso urbano y cosmopolita.
Jacobo Zabludovsky fue un gran impulsor del movimiento de La Ruptura y fue a través de una colección privada a la que el periodista donó parte de la obra que estas dos piezas de autorretratos serán puestas a subasta, esperando poder contactar con el poseedor de los otros dos fragmentos que componen "Efímero" en su totalidad.
Entre los otros autores que están presentes en el catálogo de Morton Subastas, se encuentran Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Alfredo Alcalde García, Remedios Varo y Juan Soriano, entre otros de un total de 117 lotes, pueden entrar a la subasta de morton a través de internet.
La Subasta de Arte Latinoamericano de Morton Subastas es referencia en el mercado del arte internacional y se llevará a cabo el jueves 18 de junio a las 7:00 pm.

Saldrán a subasta 2 piezas de "Efímero" de José Luis Cuevas

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miércoles, 10 de junio de 2020

• Contiene el estreno mundial de Never Give Up, el apasionado Concierto para violonchelo del músico turco Fazil Say, presentado en el legendario Stradivarius de 1730.
• Tracklist también incluye arreglos de obras creadas originalmente para voz


Voice of Hope, el segundo álbum de Camille Thomas para Deutsche Grammophon, recien fues estrenado. El programa de la violonchelista franco-belga rinde homenaje a la capacidad de las personas para triunfar sobre la adversidad, crear armonía en lugar del caos y superar el odio con amor. Presenta la grabación del estreno mundial del concierto de Fazil Say, “Never Give Up”, una respuesta a los ataques terroristas en París y Estambul escrita y estrenada por Thomas, y también incluye una exquisita selección de canciones, oraciones y lamentos, “Kol Nidrei” de Bruch, "When I am laid in earth” de Purcell y “Kaddisch” de Ravel entre ellos.
La pieza central de su álbum, “Never Give Up”, comenzó su vida en 2014 con el primer encuentro entre la joven violonchelista y el compositor y pianista turco Fazil Say, conocido por sus convicciones políticas abiertas y su amplio arte. “Never Give Up”, como su anterior trilogía de Gezi Park, es una declaración política hecha a través de la música: una súplica a los líderes mundiales para que no se rindan al terrorismo y la violencia. Esta obra dramática envía la voz del violonchelo en busca de paz, elevándose por encima de las representaciones orquestales del conflicto. Al final, como ella explica, Fazil Say "nos lleva hacia la luz, hacia la Naturaleza, con sus sonidos de agua y el canto de los pájaros, y hacia la idea de que nunca debemos perder la esperanza en la humanidad y la belleza".
Camille Thomas, la primera mujer violonchelista en firmar un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon durante más de cuatro décadas, es una comunicadora nata, habla con fluidez francés, alemán e inglés y es aclamada por la elocuencia y calidez de su interpretación. Después de grabar las canciones, oraciones y lamentos de Voice of Hope con la Filarmónica de Bruselas bajo la dirección del joven director de orquesta, violinista y compositor francés Mathieu Herzog, regresó a la capital belga para completar el álbum con la Filarmónica y su director musical Stéphane Denève , grabando Say's Never Give Up en el "Feuermann" Stradivarius, construido en 1730 y una vez propiedad del gran violonchelista Emanuel Feuermann.
Su selección de música refleja su deseo de mover a las personas a través de composiciones que expresan una sensación de paz y amor. El álbum comienza con la transcripción del violinista Richard Tognetti de "Kaddisch" de Maurice Ravel y se despliega con arreglos y adaptaciones de Mathieu Herzog y otros de "When I am laid in earth" de Dido and Aeneas de Purcell, "Träume" de Wesendonck-Lieder de Wagner, "Casta diva” de Norma de Bellini,“Pourquoi me réveiller”de Werther de Massenet y “Una furtiva lagrima” de L'elisir d'amore de Donizetti, piezas operísticas originalmente concebidas para la voz humana.
"Siempre me ha fascinado la emoción cruda y física que puede transmitir una voz, y va mucho más allá de cualquier forma de comprensión intelectual", comenta Camille Thomas. "Con cada nota que produzco en mi instrumento, siempre he tratado de reproducir una voz, una que canta, habla, murmura ... una voz que grita y ama".

Camille Thomas presenta "Voice of Hope"

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