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martes, 21 de julio de 2020

Qué hicieron los artistas durante el aislamiento social?, ¿cómo aprovecharon las horas de confinamiento para seguir creando?, ¿utilizaron su creatividad para manifestar su enojo o preocupación por la enfermedad que afecta a nuestro país y al mundo?
Definitivamente el mundo cambió en sus tiempos, espacios y costumbres, y los artistas lo plasmaron como saben hacerlo, con su lenguaje artístico. Por ello, Aguafuerte Galería convocó a artistas nacionales y extranjeros para compartir su experiencia durante la cuarentena por el covid-19 y por las medidas de higiene tomadas por las autoridades sanitarias.
Se recibieron trabajos de México, Cuba, Chile y Perú que plasman con colores, fosforescencias, blancos y negros, la soledad de las personas, el trabajo comunitario, médicos en el frente de batalla, generación de basura por el desecho de mascarillas, violencia dentro de los hogares agudizada por el confinamiento, desesperación y transformación, entre otros temas, a través de diversas técnicas como pintura, escultura, fotografía y técnicas mixtas.
Jeannette Betancourt, Pablo Maire, Cecilia de Lima, Juanjo Sainz, Marcelo Calvillo, Jesús Harada son algunos de participantes en esta muestra denominada “Pandemia”, la cual estará abierta a todo el público del 16 de julio al 17 de agosto de 2020 con medidas de seguridad como son uso obligatorio de cubrebocas, sana distancia entre los asistentes y aforo controlado.


Israel Alvarado es el curador de “Pandemia” que se exhibe en Aguafuerte Galería sede colonia Roma Norte, CDMX.
Aguafuerte Galería cumple 15 años como un lugar vital para la muestra de arte contemporáneo de artistas nacionales y extranjeros, consagrados y emergentes de las más diversas disciplinas artísticas.
La galería ofrece exhibiciones variadas y arriesgadas en torno a lo figurativo o abstracto, lo político, lo social, las problemáticas locales y globales y arte inclusivo. Ha desarrollado un sinnúmero de actividades, entre las que destacan exhibiciones, talleres de arte, presentaciones de libros y subastas, contando con la participación de más de mil artistas.
El recinto ha realizado exposiciones extramuros en México, España y Argentina, además de contar con dos sedes adicionales en Val´Quirico, Tlaxcala, y Tequisquiapan, Querétaro; para celebrar sus 15 años de existencia en el mes de julio renovó su imagen y página web: http://www.aguafuertegaleria.com/.
Aguafuerte Galería, Arte para todos, se encuentra en la calle de Guanajuato número 118 en la Colonia Roma Norte, alcaldía Cuauhtémoc, en la CDMX.

Arte durante el confinamiento

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domingo, 28 de junio de 2020


“La Verdadera Historia de lo Superhéroes” fue seleccionada por la curadora Pilar García del Museo Universitario Arte Contemporáneo para la colección permanente del MUAC, y con ello integrarse al patrimonio artístico de México.


Se trata de una serie de fotografías de la artista visual Dulce Pinzón, originaria de la Ciudad de México, en la que da visibilidad a los migrantes en Estados Unidos, convirtiéndolos en superhéroes e integrándolos a escenas de su trajín cotidiano ataviados los famosos superhéroes de la cultura norteamericana.
Con ella deja en claro la enorme contribución de los migrantes en el vecino país, pues cada uno de los personajes, tiene su propia historia, su labor fundamental en la sociedad estadounidense y sus “súper poderes”, como el de enviar remesas a sus comunidades de origen.
Esta serie consiste en 19 fotografías y es un proyecto que la artista inspiró en su experiencia viviendo en Nueva York, donde presenció la caída de las Torres gemelas, se formó como artista e identificó en carne propia la historia de la migración en los Estados Unidos. La serie fotografía en técnica analógica, la cual trabajó durante 10 años durante los cuáles conoció, a cada uno de los personajes que se convirtieron en sus personajes- superhéroes.
Este 2020, además del MUAC; el Museo The National Museum of American History of the Smithsonian Institution, en Washington DC, también decidió adquirir la misma serie para su colección permanente.

Pocos artistas cuentan con el privilegio que su obra sea considerada por los museos para sus colecciones propias. Dulce Pinzón ha generado relevancia por ser una artista contemporánea muy completa que transita entre la fotografía, la instalación y la gestión cultural. Cuenta con reconocimientos internacionales y una visión única sobre problemáticas sociales como el daño al medio ambiente, la migración y el feminismo.
Dulce Pinzón estudió Ciencias de la Comunicación en La Universidad de Las Américas Puebla y fotografía en La Universidad de Indiana en Pennsylvania. En 1995 se mudó a Nueva York en donde estudio fotografía en el International Center of Photography; Cine en la Universidad de Nueva York y Derecho Laboral en Dowling College, Long Island en la misma Ciudad, formación que se ve reflejada en su trabajo visual.
Dulce Pinzón utiliza la fotografía no como fórmula que repite, sino como un recurso que utiliza de manera creativa y cambiante, pero siempre representando “su” realidad y los temas que le interesan o preocupan con un evidente compromiso político, fuerza crítica y la ironía inteligente que la caracterizan.

La serie fotográfica -La Verdadera Historia de los Superhéroes - de la artista mexicana Dulce Pinzón es seleccionada para la colección permanente del MUAC

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jueves, 25 de junio de 2020

Se trata de una intervención al espacio público con luz llamada “The Writing on the Wall” (Escritos en la Pared) creada por el artista Hank Willis Thomas y Incarceration Nations Network, que busca dar visibilidad a las voces de la población privada de su libertad que ha sido silenciada y con ello vulnerada
El jueves 25 de junio del 2020 a las 8 de la noche, Incarceration Nations Network (INN) — en colaboración con el aclamado artista conceptual Hank Willis Thomas y gracias a la producción del equipo de Openbox, MASS Design Group, Chemistry Creative y Dromómanos — será presentada la obra The Writing on the Wall, una instalación de guerrilla artística que tendrá lugar en una locación secreta y reservada, pero que se sabe será un edificio importante de la Ciudad de México, dentro de la Colonia Roma.
En el marco de esta instalación se llevará a cabo un Instagram Live en el que se realizará una conversación conducida por Incarceration Nations Network (INN) con el artista Hank Willis Thomas. Este acto virtual tendrá lugar próximo 29 de junio a las 8:00 pm desde la cuenta de INN.
Durante la conversación participarán Acción Andina, Platforma NNAPEs, EQUIS Justice for Women y ConTextos, organizaciones que trabajan con personas afectadas por el sistema penal en América Latina.
La intervención en el espacio público, que esta vez será presentada en la CDMX, mostrará escritos de personas privadas de su libertad, con especial enfoque en los efectos del COVID -19 en la población carcelaria, ya que el riesgo de contraer el virus y morir, se eleva en las personas en prisión, derivado de que no se puede mantener el distanciamiento social y tomar todas las medidas para contención de la epidemia. Incluso muchos de ellos tienen enfermedades que significan agravantes del riesgo.
El objetivo de este proyecto artístico es destacar la necesidad de justicia para las personas privadas de su libertad. Los ensayos, poemas, cartas, historias y notas escritas por personas encarceladas irrumpirán en el espacio público para llamar la atención sobre la crisis que existe en los sistemas de impartición de justicia en todo el mundo.
La edición de Writing on the Wall en la CDMX se traducirá al español e incluirá escritos en portugués, de personas que están encarceladas en América Latina. De esta manera se genera una experiencia que trasciende los muros de la cárcel y rompe con la desconexión entre los presos y las personas no encarceladas. De esta manera se invita al espectador a reflexionar sobre uno de los mayores problemas que aquejan a la humanidad en materia de derechos humanos.
“El encarcelamiento masivo está en el corazón de todo lo que está sucediendo en este momento, tanto por la pandemia como en las protestas sociales” asegura la Dr. Baz Desinger, profesora del John Jay College of Criminal Justice, en Nueva York, y Fundadora y Directora Ejecutiva del INN. Para ella, la escritura en los muros siempre ha sido una especie de irrupción. En este caso las voces de las personas tras las rejas de todo el mundo serán puestas en los muros del espacio público para que toda la gente se vea obligada a leerlas. “Ahora más que nunca tenemos que hacer esta dramática intervención, para que la gente no olvide y preste atención a estas voces justo en medio de una pandemia y un movimiento de masas ".
La intervención artística The Writing on the Wall ha estado presente en ciudades como Nueva York, Columbus, Ohio, Detroit, New Orleans, Philadelphia, Miami y Washington DC.
The Writing on the Wall fue concebida como una colaboración entre Hank Willis Thomas y la profesora, activista e impulsora de reformas de justicia Doctora Baz Dreisinger, junto con sus estudiantes en el programa “Prison-to-College Pipeline”, fundado por ella hace 10 años en el John Jay College of Criminal Justice, de Nueva York. Los textos utilizados para la obra fueron recabados por la Doctora Dreisinger durante sus años de enseñanza, en los que recorrió prisiones de 50 países alrededor del mundo. Los autores de los escritos aprobaron la utilización de los mismos para la intervención.
Incarceration Nations Network es una red global y un grupo de expertos que apoya, promueve y difunde los esfuerzos innovadores de reforma penitenciaria en todo el mundo. INN agrupa a más de 100 organizaciones, a nivel mundial que realizan una serie de reformas y trabajos de reinvención, desde justicia restaurativa hasta educación en prisión, así como prestan su apoyo para la readaptación social de los presos. Al ampliar los esfuerzos de los socios y construir una coalición global, INN trabaja para poner fin al encarcelamiento masivo en todo el mundo. Sus otros proyectos incluyen una breve serie documental de televisión actualmente en producción; una plataforma web multimedia que muestra el trabajo de sus socios y otras organizaciones de justicia global, esto a través de reuniones internacionales, destinadas a cambiar la narrativa sobre las cárceles y las personas en ellas.
Acción Andina-Bolivia es una plataforma de personas comprometidas con el estudio independiente y el análisis crítico de la globalización, sus expresiones hegemónicas y sus impactos locales. Acción Andina se creó en 1992 con una visión de justicia social y respeto por los derechos humanos. Tiene una misión específica para monitorear las políticas relacionadas con el narcotráfico, especialmente con respecto a las poblaciones afectadas en la región andina.
Plataforma NNAPEs (acrónimo de Niños con padres encarcelados) es una alianza estratégica de organizaciones latinoamericanas y caribeñas, que trabaja con y para niños y jóvenes con padres o familiares encarcelados. La plataforma trabaja en defensa y promoción de sus derechos, siguiendo los principios de la Convención sobre los Derechos del Niño y otros instrumentos y estándares internacionales.
EQUIS es una organización feminista que desde 2011 busca transformar instituciones, leyes y políticas públicas para mejorar el acceso a la justicia para todas las mujeres. Trabajan por una justicia integral que tenga en cuenta las intersecciones entre el género y otras categorías como: raza, etnia, clase, discapacidad, estatus migratorio, identidad de género, preferencia sexual, entre otras.
ConTextos es un organismo que interrumpe las redes sociales de violencia con prevención, tratamiento psicológico y justicia. Se trata de un trabajo comunitario con la red de víctimas desde el estudio de la experiencia en ambientes violentos.

INSTALACIÓN DE ARTE PÚBLICO CON ESCRITOS DE PERSONAS EN PRISIÓN AFECTADAS POR COVI-19, SERÁ PROYECTADA EN EDIFICIO SECRETO UBICADO EN LA CIUDAD DE MÉXICO

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martes, 16 de junio de 2020

·        Hay Digital presenta esta semana al escritor mexicano Juan Villoro, en una reflexión sobre el nuevo mundo post Covid-19, a través de una visión humanista

Hay Festival continúa acercando la experiencia de los festivales a los hogares del mundo entero, así como implementando nuevos mecanismos digitales para desarrollar el pensamiento, motivar el aprendizaje e impulsar la imaginación. Es así como siguen las actividades para reactivar la nueva normalidad e inspirar a las mentes inquietas que buscan el desarrollo y la intelectualidad a través de la palabra.
Luego de la condecoración con el Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2020, el Hay Festival continúa con su labor de acercar a los máximos exponentes de la literatura, las ideas y el conocimiento a todo el público, utilizando los mecanismos digitales para desarrollar el pensamiento, motivar el aprendizaje e impulsar la imaginación.
Con el apoyo del aliado regional SURA y en alianza con BBC Mundo, Hay Festival libera este lunes 15 de junio, la séptima charla de Hay Digital, Fuego Nuevo. El fin del mundo y otros asuntos crónicos, presentada por el narrador, ensayista y dramaturgo mexicano, Juan Villoro, una de las voces más destacadas de la literatura latinoamericana actual.
El reposicionamiento humanista y la reflexión sobre ¿qué nos va a dejar la pandemia una vez que se pueda terminar? son parte de los cuestionamientos que Villoro aborda durante su participación. El entorno polarizado de la política, el linchamiento público en las redes sociales, la violencia de género, la pérdida de la privacidad y la extracción de datos también son temas que la pandemia ha despertado y evidenciado.
A través de una tradición ancestral azteca, Villoro pregunta ¿podremos encender un fuego nuevo tras la pandemia? ¿estamos dispuestos a aprender y reflexionar? La responsabilidad histórica recae en nosotros como comunidad y parte esencial de esta comunidad son las artes, el pensamiento, la representación de la realidad y la imaginación, que es tan importante para la subsistencia humana como el alimento.
La charla ya está disponible en: https://www.hayfestival.com/imagina-el-mundo, y el próximo sábado 20 de junio el escritor mexicano estará disponible para contestar preguntas, previamente enviadas en www.hayfestival.com o en las redes sociales del festival.
Hay Digital continuará en próximas semanas, presentando charlas y reflexiones de diversas voces como: Miriam González Durantez (España); Jean Marie Gustave Le Clezio (Francia); Paul Krugman (Estados Unidos); y Venki Ramakrishnan (India).

HAY DIGITAL: JUAN VILLORO. FUEGO NUEVO EL FIN DEL MUNDO Y OTROS ASUNTOS CRÓNICOS

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lunes, 15 de junio de 2020

  • La escena del graffiti en Tel Aviv inspira como ninguna otra.
  • Conoce la propuesta de artistas israelíes que evocan mensajes de denuncia social pero también frases de paz y armonía universal.

Si bien el graffiti solía estar asociado con el vandalismo, su percepción ha cambiado drásticamente en las últimas décadas. Hoy en día, el graffiti es considerado por muchos como una forma de arte legítima destinada, en algunos casos, a expresar críticas sociales y políticas, o en otros, a expresar los sentimientos en un mundo caótico y en constante cambio.
Tel Aviv es, sin duda, la capital del arte callejero en Israel. Al igual que muchas grandes ciudades como Nueva York, Berlín y Londres, Tel Aviv ofrece obras de graffiti coloridas, atrevidas, a veces incluso provocativas, que le dan a la ciudad una vida nueva y emocionante. Las pinturas de graffiti se pueden encontrar principalmente en la parte sur de la ciudad, y sus creadores son ampliamente famosos por ello.
Muchos de los artistas de graffiti de Tel Aviv tienen identidades secretas y les gusta 'esconderse' detrás de su arte, aunque una búsqueda rápida en línea revela que la mayoría de ellos son artistas famosos, que estudiaron en las mejores escuelas de arte que Israel tiene para ofrecer y a menudo, exhiben su trabajo en galerías de arte y exposiciones en Tel Aviv y en todo el mundo.
Dede Bandaid
Uno de los artistas de graffiti más famosos de Tel Aviv se llama Dede, apodado Dede Bandaid debido a su marca distintiva: las bandas o curitas. En sus primeros años como artista, solía pintar curitas en las paredes. En los últimos años, su arte ha evolucionado, pero todavía las incluye en muchos de sus graffitis. Para Dede, la bandita es un símbolo de su deseo de curar sus heridas y superar las dificultades. Pronto se dio cuenta de que su mensaje es universal y, por lo tanto, continúa expresándolo. Dede también mantiene una página de Facebook e Instagram muy actualizadas.
Nitzan Mintz
A otros artistas, como Nitzan Mintz, les gusta expresar mensajes sociales. La poeta visual rocía sus palabras en las paredes de Tel Aviv y colabora con otros artistas como Dede y Signor gi (que generalmente pintan figuras junto a su poesía). En este trabajo, expresa su frustración por las oportunidades que se ofrecen a las mujeres en este mundo, y dice en hebreo: "la ventana se hace cada vez más pequeña, las puertas se cierran en mi cara. Mi nombre no es Alicia, y esto no es el país de las maravillas". En otro (que fue eliminado por personas que no apreciaron el mensaje), ella expresa enojo contra las mujeres abusadoras, pero también hay un mensaje optimista detrás de su poesía callejera. Por ejemplo, el arte del graffiti que dice "debajo de la sombra de la farola, las tejas soplan, y todos me susurran, mira porque has crecido, mira, una flor". Puede encontrar más información sobre Nitzan http://www.nitzanmintz.com/
Dioz
El artista Dioz tiene que ver con la experiencia personal y afirma que encuentra la belleza en la distorsión. El artista que vive en Jaffa, comenzó a pintar en las paredes en 2009. También es un ex animador y estudiante de arte en una de las famosas escuelas de arte de Israel. Sus pinturas a menudo incluyen caras con bocas y lenguas grandes, algunas de ellas incluso vómitos. Dioz da crédito a su problemática juventud como inspiración, pero también agrega que desde su punto de vista, después de vomitar, uno se siente mejor y, por lo tanto, también ve un lado optimista de su arte perturbador.
Missk
La prolífica artista femenina Missk vive en el barrio de Tel Aviv, Florentin. Missk, como Dioz, es una ex estudiante de arte y, como Nitzan, le gusta incluir palabras en su graffiti. Missk combina letras en hebreo de famosas canciones pop en su arte de graffiti, dándoles una vida y un significado completamente nuevos en este contexto nuevo y complejo. Una de sus obras famosas muestra a una anciana fumando, con un animal alrededor del cuello, junto a Las palabras hebreas "¡Oye, oye! ¡Esto no es Europa!", Tal vez ofreciendo su opinión sobre la vida en el Medio Oriente.
Kis-lev
También hay pinturas que simplemente te hacen sonreír. Como esta obra de arte del artista de graffiti y actor Kis-lev (cuyo nombre en hebreo significa bolsillo de corazón) en un edificio en la calle Abarbanel. El estilo artístico de Kis-Lev se considera ingenuo e infantil, pero también muy conmovedor. Pintó a Peter Pan volando con un ramo de corazones como un homenaje a Banksy. Otras obras famosas suyas incluyen una pintura en aerosol de Alicia en el país de las maravillas. Kis-Lev también es un activista por la paz y a menudo dona sus obras para causas sociales.

CUANDO LAS PAREDES HABLAN EN ISRAEL.

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viernes, 12 de junio de 2020



2 de los 4 fragmentos que componen la pieza "Efímero" del artista José Luis Cuevas serán exhibidas como parte de una subasta de arte latinoamericano. Esta pieza en particular simboliza la ruptura con el establishment gubernamental de realizar piezas por encargo y representa un movimiento generacional que en un acto de rebeldía rompe con anquilosados nacionalismos, que Cuevas y otros pintores ridiculizaban en Siqueiros principalmente, denominándolos "La cortina del nopal", en referencia a este nuevo movimiento cosmopolita que sirvió de transición en la historia del arte en México como parteaguas para la independización del mismo; inspirado en un anuncio que José Luis vio en New York en el que se proclamaba la actriz Judie Dench y que es el comienzo de los actuales performances y 'happenings' que representan un acto de libertad en público.
El Mural Efímero fue creado por José Luis Cuevas en la terraza de una casa de la Zona Rosa, en la Ciudad de México en el año 1967, acto que significó una histórica burla del arte institucionalizado y se convirtió en un referente de la voz de la generación de La Ruptura. Simbolizó para el arte mexicano abandonar la temática del México rural postrevolucionario e introducirse en el discurso urbano y cosmopolita.
Jacobo Zabludovsky fue un gran impulsor del movimiento de La Ruptura y fue a través de una colección privada a la que el periodista donó parte de la obra que estas dos piezas de autorretratos serán puestas a subasta, esperando poder contactar con el poseedor de los otros dos fragmentos que componen "Efímero" en su totalidad.
Entre los otros autores que están presentes en el catálogo de Morton Subastas, se encuentran Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Alfredo Alcalde García, Remedios Varo y Juan Soriano, entre otros de un total de 117 lotes, pueden entrar a la subasta de morton a través de internet.
La Subasta de Arte Latinoamericano de Morton Subastas es referencia en el mercado del arte internacional y se llevará a cabo el jueves 18 de junio a las 7:00 pm.

Saldrán a subasta 2 piezas de "Efímero" de José Luis Cuevas

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miércoles, 10 de junio de 2020

• Contiene el estreno mundial de Never Give Up, el apasionado Concierto para violonchelo del músico turco Fazil Say, presentado en el legendario Stradivarius de 1730.
• Tracklist también incluye arreglos de obras creadas originalmente para voz


Voice of Hope, el segundo álbum de Camille Thomas para Deutsche Grammophon, recien fues estrenado. El programa de la violonchelista franco-belga rinde homenaje a la capacidad de las personas para triunfar sobre la adversidad, crear armonía en lugar del caos y superar el odio con amor. Presenta la grabación del estreno mundial del concierto de Fazil Say, “Never Give Up”, una respuesta a los ataques terroristas en París y Estambul escrita y estrenada por Thomas, y también incluye una exquisita selección de canciones, oraciones y lamentos, “Kol Nidrei” de Bruch, "When I am laid in earth” de Purcell y “Kaddisch” de Ravel entre ellos.
La pieza central de su álbum, “Never Give Up”, comenzó su vida en 2014 con el primer encuentro entre la joven violonchelista y el compositor y pianista turco Fazil Say, conocido por sus convicciones políticas abiertas y su amplio arte. “Never Give Up”, como su anterior trilogía de Gezi Park, es una declaración política hecha a través de la música: una súplica a los líderes mundiales para que no se rindan al terrorismo y la violencia. Esta obra dramática envía la voz del violonchelo en busca de paz, elevándose por encima de las representaciones orquestales del conflicto. Al final, como ella explica, Fazil Say "nos lleva hacia la luz, hacia la Naturaleza, con sus sonidos de agua y el canto de los pájaros, y hacia la idea de que nunca debemos perder la esperanza en la humanidad y la belleza".
Camille Thomas, la primera mujer violonchelista en firmar un contrato exclusivo con Deutsche Grammophon durante más de cuatro décadas, es una comunicadora nata, habla con fluidez francés, alemán e inglés y es aclamada por la elocuencia y calidez de su interpretación. Después de grabar las canciones, oraciones y lamentos de Voice of Hope con la Filarmónica de Bruselas bajo la dirección del joven director de orquesta, violinista y compositor francés Mathieu Herzog, regresó a la capital belga para completar el álbum con la Filarmónica y su director musical Stéphane Denève , grabando Say's Never Give Up en el "Feuermann" Stradivarius, construido en 1730 y una vez propiedad del gran violonchelista Emanuel Feuermann.
Su selección de música refleja su deseo de mover a las personas a través de composiciones que expresan una sensación de paz y amor. El álbum comienza con la transcripción del violinista Richard Tognetti de "Kaddisch" de Maurice Ravel y se despliega con arreglos y adaptaciones de Mathieu Herzog y otros de "When I am laid in earth" de Dido and Aeneas de Purcell, "Träume" de Wesendonck-Lieder de Wagner, "Casta diva” de Norma de Bellini,“Pourquoi me réveiller”de Werther de Massenet y “Una furtiva lagrima” de L'elisir d'amore de Donizetti, piezas operísticas originalmente concebidas para la voz humana.
"Siempre me ha fascinado la emoción cruda y física que puede transmitir una voz, y va mucho más allá de cualquier forma de comprensión intelectual", comenta Camille Thomas. "Con cada nota que produzco en mi instrumento, siempre he tratado de reproducir una voz, una que canta, habla, murmura ... una voz que grita y ama".

Camille Thomas presenta "Voice of Hope"

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  • por Charly de Balzac
La Secretaria de Cultura informo que en cuanyto  se reanuden las actividades culturales en el pais,. el Palacio de Bellas Artes y otros recintos abrirán sus puertas para rendir un homenaje nacional al artista plástico Manuel Felguérez, quien  falleció la noche del domingo a los 91 años, la vispera.
En un comunicado detallo “En acuerdo con la familia, una vez reanudadas las actividades, se hará un merecido homenaje presencial”. A su vez  la Secretaría de Cultura señaló que en la plataforma digital Contigo en la Distancia, a lo largo de esta semana se estará rindiendo tributo a quien fuera representante de la Generación de la Ruptura. Asi mismo preciso "Frausto indicó que Felguérez destacó por su vasta y diversa obra “reconocida mundialmente”. Asi las cosas y para a honrar al artista, el Instituto Zacatecano de Cultura, habilitó desde este lunes una visita virtual por el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez. Descanse en paz el querido maestro zacatecano.

Homenaje Nacional a Felguerez en Bellas Artes ¡

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martes, 2 de junio de 2020

ZⓈONAMACO, la plataforma de ferias de arte más grande de Latinoamérica, anunció la bienvenida de Juan Canela como su nuevo Director artístico, que tomará el lugar de Tania Ragasol, quien se desempeñó en dicho cargo anteriormente.  
Juan Canela se integró al equipo ZⓈONAMACO en marzo de este año, tras la celebración de la edición 2020 que reunió por primera vez las cuatro ferias de la plataforma: ZⓈONAMACO México Arte Contemporáneo, ZⓈONAMACO Diseño, ZⓈONAMACO Foto y ZⓈONAMACO Salón. La labor de Canela se enfocará principalmente en fortalecer las relaciones con expositores, coleccionistas, curadores, críticos y público en general, junto a Marisol Barbosa, Directora operativa, y Zélika García, Fundadora de ZⓈONAMACO.
Canela es curador independiente y crítico. Co-fundador de BAR project en Barcelona, curador asociado del Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid (2020), y Research and Symposium Associate de la osloBIENNALEN FIRST EDITION 2019-2024. Colaboró en la edición 2020 de ZⓈONAMACO como curador de la sección ZⓈONAMACO SUR. Ha sido parte del comité de programas de HANGAR, Barcelona (2016-2019), del comité curatorial de la sección Present Future de Artissima Turín (2018-2019), y curador de la sección Opening de ARCO Madrid (2016-17). 
También, se ha desempeñado como curador del programa Composiciones para el Gallery Weekend Barcelona (2019) y ha realizado las curadurías de diversos proyectos en instituciones y galerías como CA2M Madrid; Palais de Tokyo, París; Fundación Cerezales, León; Travesía Cuatro, Madrid; Artpace San Antonio; Tiro al Blanco, Guadalajara; Fundació Tàpies Barcelona; MUHKA, Amberes; Tabakalera, San Sebastián; CRAC Alsace, Francia; SOMA México; Fundació Miró, Barcelona; y La Ene, Buenos Aires, entre otras. 
Ha impartido talleres y conferencias en lugares como Flora Bogotá, Curando Caribe República Dominicana, Instituto Di Tella de Buenos Aires, Bisagra Lima, De Appel Art Center Amsterdam, Khalil Sakakini Cultural Center Ramallah, o La Casa Encendida en Madrid. Ha publicado textos en revistas especializadas como A*Desk, Terremoto Magazine, Art-Agenda, Babelia El País, y Mousse Magazine.

"Asumo con entusiasmo la posición de Director artístico de ZⓈONAMACO para seguir trabajando en el afianzamiento de la feria más importante de Latinoamérica. Aportaré mi visión curatorial para que ZⓈONAMACO continúe consolidándose como un lugar de encuentro entre coleccionistas, artistas y profesionales del arte y la cultura, tratando de repensar e imaginar nuevas formas de confluencia en los momentos que están por venir", comenta sobre este nuevo reto, Juan Canela.
Sobre su salida, Tania Ragasol señaló lo siguiente: “ZONAMACO ha sido desde sus primeras ediciones en Ciudad de México un referente obligado para mi formación profesional. Agradezco a Zélika García la oportunidad de colaborar con su increíble equipo de trabajo en una labor que sin duda es clave en mi desarrollo como gestora y curadora. Espero seguir siendo cómplice de la feria y su equipo desde otros proyectos por venir".

Finalmente, Zélika García, Fundadora de ZONAMACO, comenta: "Me da mucho gusto contar con Juan Canela para la edición 2021 de ZONAMACO que sin duda significa un gran reto para el equipo por la situación que actualmente vivimos. Juan tiene una gran trayectoria; estoy segura de que tendrá aportaciones valiosas y afianzará nuestra relación con los diferentes públicos y expositores de la feria. Por otro lado, quiero agradecer a Tania Ragasol su dedicación y profesionalismo durante el tiempo que fungió como Directora artística de la feria. Sin duda, su trabajo en conjunto con el resto del equipo, fue clave para seguir logrando ediciones exitosas”.

Con la integración de Juan Canela, el equipo ZⓈONAMACO se encuentra trabajando en la edición 2021.

ZⓈONAMACO TENDRÁ NUEVO DIRECTOR ARTÍSTICO PARA SU SIGUIENTE EDICIÓN

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viernes, 22 de mayo de 2020


·       El King’s College de Londres trabaja con la compañía sueca Ericsson para desarrollar proyectos culturales inmersivos aprovechando la tecnología 5G.
·       La digitalización del sector cultural abriría un mercado potencial de 73 mil millones de dólares para 2030.
 Ericsson está trabajando en colaboración con King’s College de Londres para aprovechar las ventajas de las redes 5G, que permiten transmitir enormes cantidades de información de manera casi instantánea, con el objetivo de desarrollar experiencias artísticas inmersivas integrando espacios virtuales, sin importar las limitaciones geográficas del artista o del espectador.
El proyecto, denominado Connected Culture busca llevar el arte hasta los hogares de las personas, desde un recorrido a un museo hasta un concierto, transformando la experiencia de los artistas y del público incorporando la tecnología de conectividad casi inmediata que soporta la red 5G.
Esta iniciativa haría realidad conciertos colaborativos en tiempo real de músicos que se encontraran en diferentes partes del mundo, sin afectar la sincronía necesaria para ejecutar una pieza musical. Una de las pruebas de este trabajo en conjunto logró que una agrupación de hip hop en Londres diera un concierto apoyados de un coro que se encontraba en Nueva York.

”El objetivo es romper las barreras, que las diferentes disciplinas artísticas puedan integrarse en nuevas experiencias, con el apoyo de la ciencia y tecnología. Que la colaboración entre artistas de todo el mundo ya no esté limitada por traslados o espacios físicos, y que la cultura llegue a todas partes. Nos emociona lo que la creatividad artística logrará y hasta donde llegará en un mundo realmente conectado”, explica Chris Michaels, Director de digital, comunicaciones y tecnología del King’s College en Londres.
A partir de las medidas de distanciamiento social, tomaron mayor relevancia esfuerzos artísticos apoyados por tecnología, como recorridos virtuales de los principales museos del mundo que han digitalizado las obras de sus colecciones o conciertos en transmisiones en vivo de artistas de todos los géneros.
La digitalización de las industrias cultural y del entretenimiento abriría un mercado potencial de 73 mil millones de dólares para 2030 a nivel global, de acuerdo con el estudio 5G para los negocios: una brújula del mercado a 2030, elaborado por Ericsson. La investigación identifica oportunidades de ingresos para los operadores tras analizar más de 200 casos de uso de la tecnología 5G en negocios entre empresas (B2B) en 10 diferentes industrias.
El proyecto Connected Culture podría llevar toda la experiencia de una obra de teatro a nuestros hogares gracias a espacios virtuales que nos pondrían en el centro de la acción, colocando los elementos visuales y sonoros a nuestro alrededor. Nuevas formas de expresión integrando arte y tecnología podrían surgir gracias a conexiones 5G, pues el proyecto incluso explora la posibilidad de sumar interacciones con el tacto.

Se puede encontrar más información sobre Connected Culture en esta conversación virtual de la serie Ericsson Unboxed Office, en la que participaron Peter Marshall, embajador de 5G de Ericsson; Ali Hossaini, artista, filósofo y productor de teatro, y Chris Michaels, Director de digital, comunicaciones y tecnología del King’s College de Londres.

Conectará el 5G al mundo del arte y la cultura

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lunes, 18 de mayo de 2020

Esta semana la Galería Nuun Arte, ubicada en Querétaro, Querétaro, fue víctima de un robo en el que fueros sustraídas esculturas y pinturas, entre las que se encontraban 5 obras del maestro Jorge Marín, de quien también durante el confinamiento fueron robadas 2 obras en la Galería New Forum, en Estocolmo, Suecia en Europa.

Los hechos ocurrieron en ambas ubicaciones, durante la ausencia de actividad de los espacios expositivos, derivada de la emergencia sanitaria.

La Fundación Jorge Marín
, encargada del cuidado, preservación, difusión y protección de la obra del escultor, originario de Uruapan, Michoacán, solicita el apoyo de la prensa para la difusión de los hechos y las obras sustraídas, con el motivo de mitigar el riesgo, de que coleccionistas o intermediarios de buena fe, sean involucrados en una investigación penal que ya fue iniciada por las autoridades.

Estos hechos ponen de manifiesto, que entre los efectos colaterales de la pandemia, está el robo de obras de arte, vulneradas por la soledad de los espacios expositivos, bodegas y museos que se han visto obligados a parar actividad.

En tanto, La Fundación Jorge Marín, se manifiesta abierta a colaborar con las investigaciones del caso y comprometida con el cuidado del prestigio y legado del artista a quien se debe.

Robo de arte, efecto colateral de la pandemia: Fundación Jorge Marín

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martes, 5 de mayo de 2020

por Charly de Balzac 3


El trabajo digital tiene que ser reconsiderado en la medida que está subvalorado por las instituciones culturales, coincidieron la curadora Gabriela Cepeda (Veracruz, 1985) y el artista digital Canek Zapata (Ciudad de México, 1985) al participar en el chat en vivo Estrategias de exposición en Internet, como parte del programa pedagógico de la 14 Bienal Femsa. Tal vez una pintura hecha en tres horas se cotiza en 10 mil pesos, mientras una página web elaborada en seis meses sólo alcanza mil pesos, ejemplificó Zapata.

En entrevista telefónica detallo mas tarde, para los expositores, corresponde a la comunidad artística no permitir esta devaluación, muy evidente actualmente con todas las instituciones culturales que piden contenidos gratis. Esta falta de valoración se extiende a los espacios digitales de la red misma, ya que refritean contenidos, apuntó Cepeda, también crítica de arte. En el futuro, continuó Zapata, las instituciones culturales deberán tener colecciones de obra digital. Algún museo por allí poseerá un par de piezas, aunque guardadas, ya que no saben cómo articularlas conceptualmente en el espacio físico. Además, suelen relacionarlas con la ciencia no obstante que permiten otra experiencia estética. Según Cepeda y Zapata, no hay por qué canalizar todo bajo un criterio pedagógico, simple y forzado. Una pieza digital tendrá algo científico porque es aplicable a la tecnología, aunque eso no implica que sea lo más relevanteLa actual pandemia, causada por el Covid-19, y la política de sana distancia, conllevan a una revisión de los modos de hacer las cosas. Los museos y las instituciones artísticas tendrán que reflexionar sobre la necesidad de tener exposiciones y actividades en línea. De trasladar sus actividades presenciales a Internet. Que no sólo se piense ahora durante la contingencia, sino que se den cuenta de que estas actividades deben dejar de ser concentradas de manera presencial en la Ciudad de México. El arte digital y las actividades en el mundo virtual también son una oportunidad para expandir las publicaciones, añadió Cepeda.  Zapata, por su parte, recordó que el arte digital no responde a las mismas preguntas o necesidades que las disciplinas más tradicionales: “No podemos decir que es una experiencia igual ir a un museo o ver una obra en forma digital. No sólo es tomar una foto a la Mona Lisa y subirla a Internet, sino generar nuevas experiencias, con nuevos objetos, con cosas que pertenecen a la red”, concluyeron.

Crisis sanitaria debe generar revaloración del arte digital ¡

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jueves, 30 de abril de 2020




Manuel García estrena el Primero de Mayo una versión de su tema “El Viejo Comunista” con la colaboración del cantautor cubano Silvio Rodríguez, segundo sencillo de su próximo disco “Caminante”.   
“El Viejo Comunista” es una de las canciones que forma parte del primer disco solista de Manuel García. Escrita en el año 1996, la canción fue grabada y publicada en 2005 en el disco “Pánico”, convirtiéndose en una de las canciones más populares y querida por sus seguidores. Este sencillo es el segundo de su disco “Caminante”, luego de la publicación el pasado mes de febrero del tema “La Danza de las Libélulas” junto Mon Laferte.
Es una canción, que según palabras del ariqueño “Presenta una fotografía social de una época en la que los pilares del pensamiento de izquierda entraron en crisis luego de la caída del Muro de Berlín en 1989. Pero finalmente, cuando se lucha por lo que uno cree, siempre van a triunfar los años, la experiencia, la vida. Y, por supuesto, el amor. De eso habla ‘El Viejo Comunista’

Una de las inspiraciones de la canción fue “Reino de todavía”, publicada por Silvio Rodríguez en su disco “Domínguez” también en el año 1996. Según palabras de García “la nueva versión con Silvio Rodríguez cierra de cierto modo un ciclo”.
Silvio Rodríguez representa un pilar fundamental de la música latinoamericana y universal. Una fusión de poesía, música e historia llevados al máximo nivel estético que un artista puede conseguir”, afirma el ariqueño.

El sencillo forma parte del disco “Caminante”, un álbum homenaje a los 50 años del cantautor y su destacada trayectoria. Un disco, que como su propio nombre indica, se está gestando en el caminar del cantautor por diferentes partes del mundo, donde ha estado presentándose y compartiendo con diferentes artistas. El disco contará con diferentes colaboraciones internacionales y nacionales de algunos de los temas más destacados de la discografía de Manuel, así como algunos temas inéditos.
Para García, “Silvio Rodríguez representa la presencia del trovador errante presente en una humilde mesa de cumpleaños que está recibiendo a los amigos, con un gran gesto de solidaridad, colaboración y consecuencia”.
El estreno se produce el Día Internacional de Los Trabajadores, meses después del inicio del estallido social en Chile, donde miles de ciudadanos y ciudadanas reivindicaron en las calles cambios sociales para Chile que el cantautor ariqueño apoya desde el inicio. Este 2020 el Primero de Mayo se conmemora en un inusual contexto debido a la crisis sanitaria mundial del COVID-19, donde por primera vez en muchos años no se podrán realizar manifestaciones reivindicativas. Con este lanzamiento adelanto Manuel ha querido ofrecer un presente a todos los trabajadores que hoy viven con preocupación esta crisis.
La nueva versión de “El Viejo Comunista” junto a Silvio Rodríguez podrá escucharse a partir de las 00:00 horas del viernes 1° de Mayo en las plataformas digitales Apple Music, Deezer y Spotify (enlace no operativo hasta entonces)

Manuel García estrena nueva versión de “El Viejo Comunista” junto a Silvio Rodríguez

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martes, 21 de abril de 2020



#ESTOESAHORA SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO
La subasta #EstoEsAhora ha sido reprogramada por la situación actual que enfrenta el mundo en consecuencia del COVID-19, y se realizará el martes 5 de mayo a las 6:00 p.m. con #SanaDistancia, en busca del objetivo de no parar operaciones y permitir que los artistas contemporáneos puedan continuar con la promoción y venta de sus obras. 
Para Morton Subastas invertir en artistas vivos, durante el contexto actual, es un acto generoso e inteligente, permite al coleccionista tener objetos artísticos que hablan del ahora y a los creadores continuar su producción.
En la Subasta #EstoEsAhora, como en ninguna otra, hay muchos creadores que ponen a la venta sus obras a través de Morton Subastas, pues han encontrado en el mercado secundario otra forma de acercamiento al público y consideran de prestigio estar catalogados y valuados por los especialistas de la casa de subastas.

Para ello a partir del martes 21 de abril se inician activaciones en la esfera virtual como el conversatorio vía Facebook live con los artistas Emmanuel García, Niña Yhared y Rigel Herrera, así como Helena Lugo, curadora de Palmera Ardiendo quienes hablarán del tema “Los procesos creativos del arte contemporáneo: de la academia al performance, de lo individual a lo colectivo”. Así mismo, se podrá visitar de manera virtual, a través de Instagram, los talleres de los artistas Magali Lara (21 de abril), Carlos Vielma (22 de abril), Filogonio Naxín (23 de abril), Angie Villé (29 de abril) y Javier Pulido Gándara (30 de abril), entre otros por confirmar, a las 6:00 p.m.

La subasta se llevará a cabo el próximo martes 5 de mayo a las 6 de la tarde, a distancia. La forma de participar será en ausencia, ya sea dejando una oferta fija o participando al teléfono, este registro lo puede realizar mandando un correo a ofertasenausencia@mortonsubastas.com; también se puede participar por internet, en la página web mortonsubastas.com 
El acto será completamente virtual y podrás presenciarlo en streaming a través del canal de Youtube de Morton Subastas.
#EstoEsAhora también ha significado un precedente, adoptando una fuerte responsabilidad social, al ser una plataforma que permite presentar iniciativas como Círculo A y Palmera Ardiendo (enfocadas en la creación y difusión del arte); así como alianzas con Mexicráneos, Dale la Cara al Atoyac A.C. y Nanahtli: Sembrando conCiencia, que recaudarán fondos para proyectos sociales, ecológicos y de salud comunitaria, que ya contaban con la realización de la subasta, antes de la contingencia. 
El catálogo de #EstoEsAhora cuenta con obras en soportes que van desde luces neón y nuevas tecnologías como la realidad virtual y aumentada, hasta técnicas académicas como la fotografía, escultura y pintura. Hay piezas de artistas mexicanos y de representantes de distintos países como Colombia, Cuba, Rusia, España, Argentina, Estados Unidos, Países Bajos, Alemania y Perú, entre otros. El catálogo contiene obras de artistas con prestigio internacional y que cuentan con obras en colecciones públicas de todo el mundo como Jeff Koons, Carlos Amorales, Beatriz Zamora, Gabriel de la Mora, Ariel Orozco, Miler Lagos, Gustavo Artigas y Dr. Lakra.

Morton Subastas apoya a la comunidad de artistas contemporáneos promoviendo su obra en subasta con #SanaDistancia

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